Sábado, Abril 19, 2025
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El peligroso reino del amor: una novela histórica con un lenguaje moderno e irreverente

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SINOPSIS: FRANCIS BACON, filósofo, político y escritor, no encaja en la corte del rey Jacobo I. Es listo, pero no pertenece a una familia de aristócratas; es ambicioso, pero no tiene dinero. De modo que, cuando sus enemigos políticos forman una alianza letal contra él —una alianza que gira en torno a Robert Carr, la víbora que el rey tiene por amante—, a Bacon no le queda más remedio que luchar por su supervivencia.Junto con la reina, una mujer ignorada, Bacon decide ir en busca de un joven cautivador que pueda suplantar a Carr en la alcoba del rey. Sin embargo, Bacon no tardará en descubrir que el deseo no es algo que se pueda controlar.ATREVIDA, IRREVERENTE Y TREMENDAMENTE ORIGINAL, EL PELIGROSO REINO DEL AMOR ES UNA SÁTIRA OSCURA E INGENIOSA SOBRE EL PODER Y, A SU VEZ, UNA CONMOVEDORA HISTORIA DE AMOR QUEER QUE TRASCIENDE CUALQUIER ÉPOCA.
El peligroso reino del amor

El autor de El excitante Señor Lavalle publicó una nueva novela, esta vez centrada en el famoso personaje Francis Bacon: El peligroso reino del amor. La novela si bien se basó en hechos reales y, claramente, un famoso personaje con contribuciones a nivel global, sí que tuvo un estilo que se alejó de lo esperable para una novela del estilo.

Cuando Francis Bacon vea en peligro su delicada posición con el rey, unirá fuerzas con Ana de Dinamarca para poner a un nuevo amante en la cama de Jacobo I. Sin embargo, lo que no esperaba era terminar rompiendo todas sus reglas cuando sentimientos que se ha negado por años afloren y ponga en peligro todo el juego del poder que llevaba años manejando.

“Nadie me había dicho nunca que los momentos más solitarios de la vida llegan después del amor, no antes”.

Tenemos que partir diciendo que no estamos seguros de qué tan fiel es el libro a la realidad, a pesar de la nota de autor al inicio en la que el autor dijo que los hechos son reales (hasta los más inusuales). Sin embargo, el autor omitió la existencia de Alice Bacon, la esposa de Francis, el mismo protagonista. Así que al parecer sí que se tomó algunas licencias creativas, más allá de las fechas, para poder contar la historia.

La otra licencia que se tomó tuvo que ver con el lenguaje, pues el narrador en primera persona, el mismo Francis Bacon, usó un lenguaje directo y ácido. De hecho, ya en los primeros párrafos es fácil encontrar el estilo que dominará todo el libro, así que si no les gustan las groserías, menciones al sexo de forma no romantizada o a los genitales de forma constante, es poco probable que disfruten la forma en que está escrito. De no ser así, la verdad es que sí que resultó entretenido leer a Bacon como narrador y su forma tan sarcástica y ácida de decir las cosas y presentar a sus personajes.

“El reino del amor no ofrece recompensa alguna, tan solo castigos. El reino del amor es un lugar aterrador. Un lugar peligroso. ¿Qué clase de loco querría vivir allí?”

Fracis, a lo largo de todo el libro, habló mucho sobre el juego del poder y cómo era que lo estaba jugando. El autor reflejó la delicada estabilidad política que existía entorno al rey Jacobo I, y cómo los demás personajes buscaban sus propias formas para asegurarse su lugar en este juego. El mismo Francis, al sentirse amenazado por Robert Carr, decidió jugar su propia carta a largo plazo. Era bastante interesante leer lo delicado que era todo para los nobles y cómo en cosa de días podían pasar del mayor puesto de honor, al lugar más bajo en la cadena. El autor relfejó bastante bien la inestabilidad y el constante peligro en el que convivían con la nobleza y realeza.

Desde los ojos de Francis no solo aprendimos sobre el juego del poder, sino que también el contexto histórico por el que llegamos al estado actual y los roles de los demás personajes relevantes para la historia. Algo interesante fue que también nos habló del rol de fiscal de Francis y cómo funcionaban los juicios en Inglaterra del siglo XVII, o cómo algunas personas se hicieron millonarias usando su astucia y la buena suerte. Más allá de qué tan apegado fue a la realidad, fue interesante leer más información de esta Inglaterra y los detalles de cómo funcionaba el poder.

“El amor es como una campana de alarma que retumba en mi cabeza, ensordecedora, y que apaga el resto de sonidos. Es el motivo por el que me paso todo el tiempo trabajando. Es el motivo por el que escribo tanto. Es el motivo de que esté tan… triste”.

Más allá de todas las intrigas políticas, el libro se centró en el amor y, en particular, en el viaje personal de Francis para encontrar el amor y aprender qué era lo realmente importante en la vida. Nos pareció un camino muy bello por el cual Francis partió diciendo que el amor no era para él, cuando en realidad anhelaba una conexión, tener a alguien más en su vida. En esta novela, era un secreto a voces la homosexualidad de Bacon, a pesar de que era algo ilegal (aunque el rey tenía amantes masculinos a plena vista), y distintas menciones a lo solitaria que era su vida por esto mismo, por no poder formar familia.

La forma en que Bacon se abrió al romance cuando lo encontró fue lindo y triste, pues en sus actos se notaba la desesperación de alguien que amaba por primera vez cuando creía que nunca lo tendría. Y, a pesar de todo, el final nos pareció perfecto, pues obligó al protagonista a enfrentarse a su propia vanidad e hipocresía y al coste del juego del poder. Como dijo el autor en la nota de inicio, fue un final desalentador, pero que reflejó muy bien lo que él mismo nos dijo una y otra vez durante el libro. Además de que significó una lección para el mismo personaje.

“El amor nos salva. La posteridad no. La posteridad solo sirve para que nos recuerden cuando estamos muertos y ya es demasiado tarde. Cuando tenemos amor, nos recuerdan cuando estamos vivos”.

El peligroso reino del amor es una novela que nos habla de 13 años en la vida del famoso Francis Bacon y sus maquinaciones para ganar en el juego del poder y cómo el amor alteró todos sus planes. Todo con un lenguaje ácido y directo que puede no ser del gusto de todas las personas.

Autor: Neil Blackmore
Editorial:
Ediciones Urano – Plata
Saga/Autoconclusivo:
Autoconclusivo
Nº de páginas: 352
ISBN13:
9786078998012
Precio:
$23.900
logoNeil Blackmore (Inglaterra, 1970)-. Es un novelista británico que alcanzó éxito en Alemania y otros países europeos en los años 90 y 2000 con sus primeras dos novelas, Soho Blues y Der Himmel über Damaskus (publicada en Reino Unido como Split My Heart por Orion House), donde fueron bien recibidas por la crítica. Fue uno de los primeros autores en tener un blog de escritura, Bright Red, reconocido por su humor y honestidad, y nombrado por The Independent como uno de los mejores sitios de escritura en el año 2000. Tras un receso en el que se dedicó a viajar y trabajar como escritor freelance, Blackmore regresó en 2020 con El excitante señor Lavelle, publicada por Plata y finalista del Premio Polari. Posteriormente, publicó El peligroso reino del amor en 2021 y Radical Love en 2023, esta última elogiada por The Times como prueba de que Blackmore es “una de las voces más originales de la ficción histórica en la actualidad”.

A vuelo de pájaro: un libro que permite conocer a la autora más allá de la ficción

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Novedad literaria de Penguin Random House Chile bajo el sello Alfaguara, A vuelo de pájaro es una recopilación de agudas anotaciones diarias de Marcela Serrano, una escritora chilena que ha cautivado con su mirada a miles de lectores.

El libro se centra en la vida cotidiana de Marcela Serrano durante tres años, explorando sus experiencias y reflexiones en medio de un mundo en constante cambio. A través de observaciones detalladas y personales, Serrano registra momentos de belleza y tragedia: la conexión con la naturaleza y los animales del campo, el amor y las conversaciones con su familia, el impacto de los acontecimientos mundiales, y las alegrías de ser abuela.

“Pienso en una vida sin memoria. Sin etapas de lo sucedido. El problema es que al borrar el sufrimiento lo pierdes todo. El olvido está dispuesto a pagar ese precio.”

El libro recopila entradas diarias escritas por la autora durante tres años (2020, 2021 y 2022), siendo un cuaderno por cada año y teniendo cada cuaderno una consigna distinta: las delicias, el asombro y el sol, respectivamente. 

En el segundo y tercer cuaderno no está presente tan explícitamente la consigna del asombro y del sol como la consigna de las delicias en el primer cuaderno. Sin embargo, en los tres cuadernos se aborda lo que se estaba viviendo a nivel país en ese periodo de tres años: la pandemia y sus consecuencias e importantes sucesos políticos. 

Las entradas de cada cuaderno están escritas desde la mirada crítica y honesta de la autora, y desde ese lugar surgen comentarios que no encajan completamente dentro de lo políticamente correcto y que a veces están cargados de humor. Esto permite conocer una versión sin filtro de la escritora.

“Mientras él escarba montoncitos de tierra, concluyo que quizás he encontrado el significado de la palabra serenidad: cerrar puertas a las expectativas. La no/espera anula la ansiedad. Entonces lo que llega es un regalo.”

La autora menciona a algunas personas presentes en su cotidianidad sin presentarlas realmente. En este sentido, el libro se siente más como un ejercicio personal, tipo diario de vida, que como una obra pensada para ser leída por sus lectores. Sin embargo, Marcela Serrano también habla de su familia, a quienes sí introduce con el rol que cumplen en su vida. Menciona a sus hermanas, a su nieto, a su madre y sobre estas figuras y los roles que cumplen, aprovecha de abordar temas como la maternidad y la muerte. 

Las entradas están escritas desde la perspectiva de alguien mayor, mirando la juventud en retrospectiva y revelando momentos de su infancia. 

Las flores y la naturaleza en general son un elemento muy presente en el libro, así como el contraste entre la vida en el campo y la vida en la ciudad y entre lo luminoso y lo oscuro (sobre todo en el cuaderno del sol). 

“Las palabras también se gastan, a veces en demasía. Somos las mujeres quienes más nos aferramos a ellas. Somos las que exigen la verbalización. No se perdona la oración no dicha. Tampoco un amor no expresado verbalmente.”

La autora cita a varias otras y otros autores, además de hacer referencia a diferentes obras artísticas (sobre todo pinturas). También hay muchas recomendaciones literarias y cinematográficas

Por último, el libro se siente como una invitación (no explícita) a también realizar este ejercicio de llevar un registro del diario vivir, recopilando todas las reflexiones y sucesos que van acompañando las experiencias de cada persona. 

A vuelo de pájaro es la recopilación de entradas escritas por la autora, desde una mirada crítica y honesta, durante tres años, explorando su contexto actual y sus relaciones con las personas presentes en su día a día, así como revisando en retrospectiva episodios de su pasado. Un libro lleno de recomendaciones y que invita a realizar el mismo ejercicio que la escritora.

Autora: Marcela Serrano
Editorial:
 Penguin Random House Chile – Alfaguara
Saga/Autoconclusivo:
 Autoconclusivo
Nº de páginas: 468
ISBN13:
 9789563844597
Precio:
 $20.000

Agatha En Todas Partes: ¿Por qué sí funcionó?

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SINOPSIS: Sigue a Agatha Harkness antes y después de su aparición en WandaVision.
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Poster oficial de Agatha en Todas Partes (2024)

La víspera de Halloween se llevó consigo una de las mejores series que hemos visto este año, y es que Agatha en Todas Partes nos sorprendió gratamente no solo a los fans de Marvel, sino que al mundo entero. Creada por Jac Schaffer, la misma mente que nos dio WandaVision, Agatha en Todas Partes trae de vuelta a la icónica bruja Agatha Harkness después de que su estupenda aparición en WandaVision nos haya dejado a todos encantados con su retorcido y carismático personaje.

En esta oportunidad volvemos a un Westview que intenta seguir adelante después del hechizo de Wanda, y descubrimos en el primer capítulo que Agatha ha estado viviendo todo este tiempo en una suerte de ensoñación propia en donde cree que es policía. Un adolescente gótico aparece un día en medio de la noche y rompe el hechizo que Wanda dejó en Agatha, haciéndole entrar en razón y posteriormente descubrir que ya no tiene poderes. Cuando el muchacho le pide ayuda para cruzar el Camino de las Brujas, el cual te recompensa gratamente si lo superas, Agatha y el joven arman un aquelarre a medias para emprender un viaje de lo más tétrico y desafiante, pero ni siquiera Agatha se hubiera imaginado lo que estaba por venir.

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Kathryn Hahn como Agatha Harkness

La premisa de esta serie es notable, ya que aprovecha su formato al máximo con cada episodio enfocándose en una prueba distinta y a su vez, revelar detalles cruciales que eventualmente terminan siendo parte de giros de trama sorprendentes. Otra cosa que hace que Agatha en Todas Partes funcione es que esta se siente auténtica en cuanto a su trama y por sobre todo, se sostiene por sí sola sin depender de cameos o referencias, ni mucho menos pretender ser una producción hecha nada más para anticipar producciones futuras dentro del MCU. Este aspecto facilita su visualización y la interacción de la audiencia con la serie, ya que solo se requiere haber visto una serie y una película para entender lo que nos llevó a este Camino de las Brujas y quiénes son los personajes que estamos viendo en pantalla. 

El elenco es a su vez igual de deslumbrante que la puesta en escena que tiene esta serie. Kathryn Hahn viene a cerrar bocas con su talento y carisma, probando que su personaje tiene las de dar como protagonista de su propia serie, mientras que Joe Locke aporta una personalidad divina a su personaje Teen (que posteriormente se conoce como… Vean la serie), mientras que el equipo formado por Sasheer Zamata, Ali Ahn, Debra Jo Rupp, y en especial, Patti Lupone, quien nos destruyó con su sacrificio en el episodio 7, es sin duda la mejor elección de casting que hemos visto en mucho tiempo. Y no podemos olvidar a Aubrey Plaza que con sus “witchy vibes” nos dejó deslumbrados a todos, sobre todo en ESA escena con Agatha en el episodio 8 después de que nos es revelado todo por lo que estas dos mujeres han pasado. Este es sin duda uno de los mejores elencos que una producción de Marvel ha tenido, y es que este poderoso grupo de talentosas mujeres y Joe Locke, que ya de por sí tiene nuestro corazón ganado desde Heartstopper, nos dejaron sin aliento con maravillosas actuaciones y desbordante carisma.

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Sasheer Zamata, Joe Locke, Kathryn Hahn, Ali Ahn, y Patti Lupone en Agatha en Todas Partes

Cada episodio tiene su propia personalidad, ya que al igual que WandaVision, los escenarios están inspirados por algo en particular. El primer episodio tiene todas las vibras de una serie policiaca, sirviendo de recordatorio de que Agatha fue hechizada por Wanda, quien ya sabemos por la dinámica de WandaVision, estaba obsesionada con las series de televisión. Cuando Teen rompe el hechizo, Agatha se desliga de WandaVision por así decirlo, y toma las riendas de su propia serie al asentar el tono misterioso y spooky al que todos vinimos a ver cuando comienza su contienda junto a Teen para reunir un aquelarre de brujas con dotes distintas para acompañarlos al supuesto Camino de las Brujas. Posteriormente, cada episodio está inspirado en películas diferentes, lo cual es muy interesante de ver, ya que te deja expectante sobre lo que se viene en el futuro.

En resumen, Agatha en Todas Partes es una joya que no se pueden perder. Desprovista de todo lo que ya nos tenía aburridos en el MCU, esta serie brilla por sí sola al aprovechar al máximo su formato, su elenco y su temática: la brujería. Con este conjunto de episodios, no solo se enriquece el aspecto mágico dentro del MCU, sino que se nos presentó una variedad de personajes nuevos con una personalidad única y memorable, en comparación a los muchos personajes sin alma que hemos visto en la rama televisiva de Marvel (She Hulk, los personajes de Secret Invasion, etc.). Agatha Harkness se consolida como un personaje icónico y no podemos esperar a ver qué aventuras tendrá junto a Teen en el futuro, considerando lo que ya sabemos con ese final. Totalmente recomendada, le damos un 10/10.

Dirección: Agatha en Todas Partes
Año: 2024
País: Estados Unidos
Duración: 9 episodios
Elenco: Kathryn Hahn, Joe Locke, Sasheer Zamata, Ali Ahn, Debra Jo Rupp, Patti Lupone

Código Traje Rojo: Un agradable twist al género navideño

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SINOPSIS: Descrita como una comedia de acción y aventuras de cuatro cuadrantes que recorre el mundo imaginando un universo totalmente nuevo para explorar dentro del género de los días festivos.
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Poster oficial de Código Traje Rojo (2024)

Llega la Navidad por adelantado con Código Traje Rojo, una imperdible comedia que mezcla la acción y la fantasía en un contexto completamente navideño. Dirigida por Jake Kasdan y producida por su estrella principal, Dwayne Johnson, esta cinta hace un agradable twist a todo lo que convencionalmente conocíamos sobre Santa Claus: ya no es la figura pachoncita que trabaja en una humilde cabaña en el Polo Norte junto a un par de elfos, al contrario, Santa o Nick, como le dicen sus cercanos, es un hombre atlético y musculoso a cargo de una megaciudad oculta que opera 364 días al año para hacer la entrega de los regalos en Navidad a bordo de un supertrineo tirado por gigantescos renos.

Junto a un singular equipo de criaturas fantásticas, incluido un enorme oso polar que habla, Nick se prepara para emprender su cruzada cuando de la nada alguien irrumpe en la ciudad secreta del Polo Norte con la misión de secuestrarlo. Callum (Dwayne Johnson), la mano derecha de Santa, y Jack O’Malley (Chris Evans), un reconocido hacker, se enfrentarán juntos a todo tipo de amenazas, desafiando todo lo que O’Malley creía conocer. Con tal de encontrar a Santa y derrotar a la Bruja de la Navidad, quien planea aprisionar a quienes se portan mal, este particular dúo aprenderá a trabajar en equipo, y lo más importante, se reencontrarán a sí mismos.

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J. K. Simmons como Santa Claus o Nick

Esta cinta es imperdible, ya que se sale de todos los bordes que delimitan a tu típica película navideña al combinar la acción con la fantasía. El ver a personajes mitológicos clásicos como Santa o Krampus bajo una luz completamente distinta en donde estos son unos hermanastros rudos y sarcásticos se siente sumamente fresco. Sin alejarse demasiado del típico mensaje esperanzador de unión relacionado con la Navidad, Código Traje Rojo busca entretener a su amplia audiencia por todos los niveles, ya que contiene la cantidad perfecta de comedia (la mayoría gracias a Chris Evans quien lo da todo en esta cinta), acción semejante a la que verías en cualquier película de espionaje o superhéroes (Dwayne Johnson tiene tecnología similar a la de Ant-Man para combatir además de sus músculos), y el uso del folklore internacional que rodea a la Navidad con un toque moderno es la cereza sobre el pastel.

Sin embargo, la química entre los protagonistas (Johnson y Evans) es inexistente. Aunque todos sabemos que Johnson no es muy bueno para mostrar emociones en sus papeles, y que los personajes Callum y Jack no se  agradan al principio de la película, es inevitable no notar una cierta frialdad. Por más buena que sea la trama y el concepto de la película, si no hubiese estado Chris Evans en uno de los mandos, la cinta no sería lo mismo, ya que Dwayne Johnson es incapaz de sostener una historia como protagonista si sigue dándonos nada emocionalmente. La trama nos cuenta que Callum y Santa trabajan juntos hace cientos de años y una vez que Santa peligra, las expresiones de Callum son de póquer. Cuando recupera su sentido de la vida al final de la cinta, Callum simplemente levanta una comisura de su boca. ¡Dwayne, por favor, danos algo!

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Chris Evans y Dwayne Johnson como Callum y Jack

En fin, Código Traje Rojo es ahora una de nuestras películas navideñas favoritas, ya que no cae en clichés ni tampoco intenta ser demasiado infantil, de hecho, si tienen niños con poca concentración, mejor véanla solos. Hace un uso muy bueno de la mitología navideña y se arriesga a desarrollar un concepto totalmente radical e interesante en torno a la ya conocida trama de “La Navidad está en peligro”. Chris Evans carga la película en sus hombros con su carisma, ayudando a que el buen concepto de la película no se apoye por sí solo. Dwayne Johnson y su productora hacen excelentes películas de acción y aventura, pero quizás es momento de quedarse detrás de la cámara un tiempo para evaluar otros caminos actorales. Le damos un 7/10.

Dirección: Jake Kasdan
Año: 2024
País: Estados Unidos
Duración: 2 horas, 3 minutos
Elenco: Dwayne Johnson, Chris Evans, Lucy Liu,
J. K. Simmons

La Contadora de Películas: Inspiradora y coloquial

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SINOPSIS: María Margarita es la menor de cuatro hermanos de una familia que vive en un pueblo minero del desierto de Atacama (Chile). Los padres de la niña se dan cuenta de que la pequeña tiene un don muy especial: habilidad para contar películas.
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Poster oficial de La Contadora de Películas

Este jueves llega a la pantalla grande la adaptación cinematográfica del famoso libro de Hernán Rivera Letelier, La Contadora de Películas, una historia superficialmente ligera y alegre, pero que en el fondo relata una realidad cruda dentro de un contexto puramente chileno. Dirigida por la danesa Lone Scherfig, esta cinta gira en torno a María Margarita, la menor de cuatro hermanos de una familia que vive en un pueblo minero en medio del desierto de Atacama. Después de sufrir un accidente laboral, el padre de la familia queda postrado en casa, lo que hace que su esposa y madre de sus hijos huya de casa para tratar de cumplir su sueño frustrado de ser artista. Dado que ya no hay ingresos suficientes para ir al cine todos los domingos como solían hacerlo, el padre decide hacer un concurso entre sus hijos al mandarlos de a uno al cine para que vuelvan y relaten la película de la semana a los demás. Es así como María Margarita descubre su talento innato para la actuación, lo que la impulsa a hacer de su profesión el maravillar a todos con sus épicos relatos.

La Contadora de Películas tiene una cinematografía y dirección notable, ya que al ser filmada en un pueblo minero abandonado, la cámara capta de una manera sublime el ambiente que propicia el desarrollo de semejante historia: un escenario desolado, sin color, sin vida. El contraste que se produce en el momento en que María Margarita comienza a relatar sus películas hace que la mente de quienes la oyen se expanda, abriendo un mundo pintoresco frente a los ojos de quienes nunca han visto algo parecido en persona. La película es fidedignamente una carta de amor al cine y sus comienzos, representando de forma acertada lo que muchos cinéfilos sentimos, y es que el cine es en sí, nos sirve como un escape de la realidad, permitiéndonos sentir cosas que probablemente nunca podremos experimentar en carne propia.

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La familia de María Margarita en su mejor momento

La elección del elenco para esta película fue estupenda, ya que no solo se aprecia el hecho de que esté compuesto en su mayoría por actores chilenos (no como cierta película también situada en el norte que importó a todo su elenco desde España y México, sí, hablamos de Los 33), sino que se nota que no hubo intención de blanquear nuestra cultura en lo absoluto. Por un lado, escuchar nuestro dialecto del español sin censura ni neutralización, fue un respiro de aire fresco y un toque necesario de personalidad para la película. Por el otro, nuestra cultura familiar fue muy bien representada, incluso para una historia situada en 1960, y por supuesto se aprecia que las locaciones hayan sido reales y grabadas en territorio chileno. Que el mismo Daniel Brühl haya venido a nuestro desierto se siente genial. Aunque la cinta no estuvo exenta de contratar actores conocidos en la pantalla chica, los protagonistas y la mayoría de quienes les rodeaban lucen como personas que podríamos encontrar en cualquier parte de Chile y no solo en Las Condes para arriba, lo que facilita la conexión de la audiencia con los personajes en pantalla.

Pero esta cinta no es solo optimismo y alegría, ya que sus personajes viven sumidos en un mundo de dolor interno cuya exploración es muy interesante, ya que las emociones van subiendo como espuma y una vez que la olla explota, la realidad cruda de los protagonistas comienza a apoderarse de la narrativa por completo. La felicidad que María Margarita brinda a través de sus relatos es una distracción para ella, su familia, y para la audiencia, de lo que en realidad pasa en sus interiores: el dolor colectivo que causó el abandono de la madre, la depresión que sufre el padre por estar postrado y no ser capaz de darle una vida digna a sus hijos, el posterior abuso sexual de María Margarita, la ira contenida que yace en sus hermanos, etc. Todos estos elementos forman un contraste entre la realidad triste y vacía versus la vida glamurosa y emocionante que viven los personajes que María Margarita gusta de observar. Es todo una demostración de cómo el cine puede ser un escape momentáneo de una cruda realidad, pero que al final es solo eso, un escape, y que uno debe decidir si quiere escapar de esta en serio. 

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La tradición de la familia era ir todos juntos al cine los domingos

En conclusión, La Contadora de Películas hace un excelente trabajo como adaptación literaria y como una representación de la cultura chilena para el mundo. Con un elenco muy bueno y una narrativa atrapante, esta película merece aclamación, ya que explora temas difíciles de digerir al mismo tiempo que da lugar al optimismo y al uso de la imaginación. Le damos un 8/10. 

Dirección: Lone Scherfig
Año: 2023
País: Chile
Duración: 1 hora y 56 minutos
Elenco: Bérénice Bejo, Sara Becker, Alondra Valenzuela, Daniel Brühl

No te sueltes: Entre el terror y el drama familiar

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SINOPSIS: Una familia ha sido perseguida por un espíritu maligno durante años. Su seguridad y su entorno
se ponen en duda cuando uno de los niños cuestiona si el mal es real.
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Si bien ya acabó octubre, las películas de terror continúan, esta semana se estrena No te Sueltes (Never let go) una interesante película protagonizada por Halle Berry  y dirigida por Alexander Ajá, director de Infierno en la Tormenta (Crawl), por lo que es uno de los estrenos a considerar. 

La historia nos narra acerca de una madre que junto a sus dos hijos viven aislados del mundo, en una cabaña. Esto es debido a que ya no existe el mundo, todo fue consumido por “el Mal”, o así es como la madre de los niños hace entender. El único lugar seguro es la cabaña donde viven, solamente pueden salir de su hogar amarrados a una cuerda que conecta con la casa.   

La película está dividida en tres capítulos, cada uno con un enfoque temático bien definido. La narración fluye de manera que nos transporta a un mundo de cuento, como si estuviéramos en una historia oscura de los hermanos Grimm.

Las actuaciones son bastante buenas. Era lo esperable de Halle Berry, quien encarna con convicción a una madre sobreprotectora, y los niños también logran interpretaciones sólidas, esenciales para sostener la trama. Sus interacciones son lo que mantiene al espectador cautivo, ya que no hay grandes escenas de acción: “El Mal” solo se manifiesta si se sueltan de la cuerda, algo que intentan evitar en todo momento.

La premisa es interesante y nos lleva a cuestionarnos durante toda la película si lo que dice la madre es real o si estamos frente a una manifestación de un trastorno mental. Al igual que los niños, los espectadores nos debatimos entre la duda y la fe en el relato de la madre, lo que convierte a esta historia en algo más que una película de terror; se trata de un drama familiar donde una madre es capaz de todo para proteger a sus hijos y a la vez hay dos posturas diferentes de ellos con lo que respecta a la historia que les cuenta su madre. De hecho en un comienzo la película se pensó titular “Mother Land”.

La trama es intrigante de principio a fin, y la atmósfera es envolvente, no solo por los oscuros escenarios de la cabaña y el bosque, sino también por el juego mental que plantea entre lo real y lo fantástico. Aunque el final puede resultar un poco ambiguo, esto es coherente con el tono de la película, que busca dejar al espectador con interrogantes y abrir espacio para que cada uno saque sus propias conclusiones.

No te sueltes A través de una atmósfera envolvente y actuaciones intensas, la película nos hace cuestionar constantemente si el peligro es real o solo una proyección de la mente de la madre, manteniendo el suspenso hasta el ambiguo desenlace.

Dirección: Alexander Aja
País: Estados Unidos
Año: 2024
Duración: 101 minutos.
Elenco: Halle Berry, Percy Daggs IV, Anthony B. Jenkins

Operación Zombie: Resurrección – Un Apocalipsis Bélico con Conciencia

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SINOPSIS: Un arma letal diseñada por Japón soltada en territorio tailandés crea una voraz horda de soldados zombies con habilidades sobrehumanas y conciencia moral que dejarán un camino empapado de sangre, violencia y destrucción.
 
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Gracias a Cinetopia Chile, que siempre suele traer películas poco convencionales, este jueves 7 de noviembre se estrena Operación Zombie: Resurección, una cinta tailandesa de terror, que le da un giro a la temática de los zombies.

La película está ambientada en 1941, en Tailandia. En la guerra se enfrentan soldados tailandeses contra japoneses, pero estos últimos liberan un arma que convierte a los soldados en zombies. Ambos bandos tendrán que unirse para combatir con el enemigo en común.

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Resulta una grata sorpresa ver una película tailandesa en nuestra cartelera, ya que, normalmente, los estrenos asiáticos que llegan ocasionalmente a nuestro país suelen ser de Japón, y en menor medida de  China o Corea del Sur. Pero no es solo el origen lo que hace a esta película única, sino su giro original en la representación de los zombies, de hecho ni siquiera reciben ese nombre en la cinta, aquí, los infectados mantienen cierta consciencia, pueden hablar y sufren, añadiendo un matiz profundo y emotivo que rara vez se ve en este género.

La película destaca en algunos aspectos técnicos. El maquillaje de los zombies está bien logrado, aportando una estética visceral y un realismo sangriento que encantará a los fanáticos del gore. Los efectos prácticos son decentes para mostrarnos sin miedo a causar alguna repulsión cuerpos mutilados y desmembrados, pero el CGI en ocasiones desentona, restando algo de impacto visual. Sin embargo, la acción y las escenas de batalla mantienen la tensión alta y el ritmo fluido.

Aunque la trama comienza bien, con una introducción que permite conocer las relaciones entre los personajes, su contexto familiar y de amistad antes de la catástrofe, el guion cae en algunos momentos de incoherencia que restan fuerza a la narrativa. A medida que avanza, ciertas escenas resultan algo repetitivas o sin un propósito claro, lo que desvía el foco y ralentiza el desarrollo de la historia que tampoco es muy compleja. Pensamos que la película con algunos minutos menos de duración hubiera funcionado mejor.

Operación Zombie: Resurrección combina elementos de guerra, horror y melodrama, creando una cinta inusual que va más allá de la típica historia de supervivencia. Además, plantea temas interesantes para un análisis quizás más profundo, como las complejas relaciones entre Tailandia y Japón, el impacto humano de la guerra y hasta qué punto la conciencia define nuestra humanidad. A pesar de sus altibajos, es una película que los amantes del género apreciarán por su originalidad y propuesta visual.

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Operación Zombie: Resurección  es una película que rompe con el cliché de zombies de seres sin conciencia. Si bien tiene algunas incoherencias de guion, el maquillaje y los efectos prácticos logran cautivar. Con un trasfondo cultural y un enfoque más profundo en la naturaleza humana, esta película aporta un giro poco convencional al género. 

Dirección: Kongkiat Khomsiri
País: Tailandia
Año: 2024
Duración: 109 minutos.
Elenco: Akkarat Nimitchai, Awat Ratanapintha, Chanon Santinatornkul

Blackouts: un vistazo de lo que significaba ser queer y/o latino en los Estados Unidos del siglo XX

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Novedad literaria de Penguin Random House Chile bajo el sello Random House, Blackouts de Justin Torres (autor de Nosotros los animales) es una novela galardonada con el National Book Award 2023, que desentierra un episodio fundacional de la comunidad queer y explora los orígenes de su patologización. 

El libro se centra en la conexión entre un joven cuidador y un hombre moribundo, quienes, mientras lidian con sus propios recuerdos y crisis, intentan desentrañar los secretos de un estudio queer censurado de los años treinta. Este estudio, creado por la socióloga Jan Gay, contiene testimonios que desafían las normas heteronormativas de la época y que fueron casi borrados de la historia por la élite médica.

“Y a pesar de que sabía que bromeaba, me repugnaba, no Juan mismo, sino la vejez como abstracción. Me resultaba imposible imaginar mi propio cuerpo adolescente sucumbiendo a la edad, deteriorándose.”

Hay un contraste entre la juventud y la vejez en el diálogo que entablan ambos protagonistas, lo que marca una diferencia (esta vez generacional) entre sus experiencias, así como lo hacen otros elementos (por ejemplo, la prostitución en el caso del protagonista joven). Sin embargo, también hay puntos en común en sus vivencias, las cuales giran en torno, sobre todo, a ser queer y puertorriqueño en los Estados Unidos del siglo XX, lo que implicaba discriminación.

La trama parte con el reencuentro de los protagonistas luego de haber perdido el contacto por diez años, luego se devuelve para explorar también cómo se conocieron en primer lugar, en una institución para personas mentalmente enfermas.

“¿Qué no te insista para que me dejes? Todos los finales son complicados, nene. Todo lo que hay por delante es el gran olvido. Los blackouts llegarán muy rápido. Y el cuerpo… Nene, todos los finales son complicados.”

Tanto el protagonista joven como Juan, el protagonista moribundo, tienen pérdidas temporales de consciencia (blackouts), de ahí viene el nombre de la novela, pero también la experiencia de lectura se siente así, como algo no tan claro, no tan consciente

En la misma línea, a pesar de que la narración no es lineal, no llega a ser completamente confusa y se logra entender

En la novela no hay mucha acción por parte de los personajes, sino que se exploran, a través de conversaciones, la historia y experiencias de ambos protagonistas, así como la vida y obra de Jan Gay, una periodista, escritora, activista e investigadora lesbiana estadounidense que existió en la vida real, siendo la parte basada en hecho reales del libro.  

“Si un policía entrara en esta habitación ahora mismo, contigo en tus minúsculos calzoncillos tumbado conmigo, tan débil, en esta cama, vería un delito.”

El libro incluye imágenes que son complementarias al texto, algunas de las cuales tienen textos en inglés. Sin embargo, en las últimas páginas del libro hay un apartado titulado “Documentos fotográficos e ilustraciones” dónde están las traducciones al español de dichos textos.

Blackouts explora, a través de largas conversaciones, las historias y experiencias de ambos protagonistas, siendo de distintas generaciones, pero teniendo en común el ser queer y puertorriqueño en los Estados Unidos del siglo XX. A su vez, también se aborda la vida y obra de Jan Gay, una periodista y escritora lesbiana que existió en la vida real. Esto se hace a partir de una narración que no es lineal, que se siente un tanto onírica a momentos y que está acompañada de imágenes que van complementando la historia.

Autor: Justin Torres
Editorial:
 Penguin Random House Chile – Random House
Saga/Autoconclusivo:
 Autoconclusivo
Nº de páginas: 336
ISBN13:
 9789566248378
Precio:
 $17.000

Menú para dos: un chick-lit queer, un queer-lit

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menu para dos

Novedad literaria de Penguin Random House Chile bajo el sello Editorial Molino, Menú para dos (The pairing) es la nueva comedia romántica de Casey McQuiston, la cual demuestra que algunas cosas saben mejor juntas.

El libro se centra en la complicada relación entre Theo y Kit, quienes, tras haber sido amigos, amantes y finalmente exnovios, se reencuentran inesperadamente en un viaje por Europa que ambos habían planeado hacer juntos años atrás. Ahora, forzados a compartir esta experiencia, recorren las ciudades más románticas de Francia, España e Italia, intentando demostrar que ya han superado lo que una vez tuvieron.

“La vida con Kit era un buen sueño. Era algo… era algo inevitable. Tenía sentido. Lo había conocido tan joven y lo había amado durante tanto tiempo que todo lo que había aprendido sobre el amor había crecido dentro de él, hasta que ya no podía decir dónde terminaba Kit y empezaba el amor.”

Esta es una historia sobre dos personas que terminaron una larga relación por una especie de mal entendido y que años después se reencuentran por accidente para darse cuenta que nunca dejaron de sentir ese amor que sentían mutuamente. En este reencuentro hay una reconstrucción del pasado, de su relación y de todo lo que han vivido juntes, desde el presente.

Es una novela romántica en la que el componente sexual está muy presente.

“Todo el asunto, mi historia en la que Kit desempeña el papel de traidor… no tiene ningún sentido con dos corazones rotos.”

La trama está ambientada en distintas ciudades a lo largo de Europa, lugares históricos que están llenos de anécdotas descritas en el libro. Al igual que en Rojo, blanco y sangre azul, se nota que le autore hizo la tarea, pero se siente un poco como relleno y no tan interesante. Lo mismo pasa con el tema de las comidas. 

Hay un exceso de personajes secundarios, los cuales no son muy memorables. Este aspecto más bien negativo también está presente en He besado a Shara Wheeler, otras de las novelas de le autore. 

“No sé si amo a Theo porque soy queer o si soy queer porque amo a Theo, pero lo que sé es que no hay nada que necesite y que Theo no tenga. Si soy un hombre en búsqueda constante del hedonismo, Theo es la respuesta definitiva. Lo máximo en todo.”

La primera parte de la novela está narrada por Theo, une de les protagonistas, y la otra mitad, por Kit, el otro protagonista. Lo interesante de esta decisión creativa es que, por un lado, mientras se lee a Theo, le protagonista no binarie, se subentiende el tema respecto a su identidad de género, mientras que cuando se lee a Kit, esto se vuelve un tema explícito, una aclaración, porque está visto desde la perspectiva de alguien que nunca ha cuestionado su identidad de género. A esto se suma que en la novela se usa la e como una forma de lenguaje inclusivo.

Pero también hay un tema respecto a la percepción de la conducta de le otre personaje. Lo que queda claro cuando se está leyendo desde el punto de visto de une de les protagonista, se vuelve ambiguo y difuso cuando se está viendo desde el punto de vista de le otre y eso es muy interesante y le agrega complejidad a la relación entre les protagonistas.

Menú para dos es una novela en la que les protagonistas recuerdan y retoman lo vivido durante la relación amorosa que tuvieron y que acabó en algún punto por un mal entendido, con un interesante juego de perspectivas que le agrega complejidad a la relación entre les personajes principales. Sin embargo, esto se ve empañado por constantes anécdotas históricas sobre los lugares que les protagonistas visitan e innecesarias descripciones de la comida que prueban, que solo sirven para demostrar que le autore hizo la tarea, y la incorporación de un exceso de personajes secundarios poco memorables.

Autore: Casey McQuiston
Editorial:
 Penguin Random House Chile – Editorial Molino
Saga/Autoconclusivo:
 Autoconclusivo
Nº de páginas: 304
ISBN13:
 9789566146353
Precio:
 $18.000

Padre, perdóname porque he pecado: una lectura spicy que se siente un tanto sacrílega a momentos

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9788419873484 1

Novedad de septiembre de Editorial Zig-Zag bajo el sello VeRa, Padre: perdóname porque he pecado de Sierra Simone es un relato de tentación, fe y la inevitable caída en lo prohibido. Aunque el costo sea el infierno.

El libro se centra en Tyler Bell, un sacerdote que ha seguido fielmente las reglas de su vocación, encontrando consuelo en ellas tras una tragedia familiar. Sin embargo, todo cambia cuando conoce a Poppy Danforth, una mujer cuya voz y confesiones lo perturban profundamente. Desde ese momento, Tyler se ve atrapado en un conflicto interno, debatiéndose entre sus votos religiosos y una atracción que lo consume.

“Y en ese momento, en el pico, en la cumbre de su codicioso triunfo, nos miramos fijamente y atravesamos todas las barreras: desconocido y desconocida, sacerdote y penitente, Tyler y Poppy. Solo éramos hombre y mujer, como nos hizo Dios, Adán y Eva en su forma más elemental y fundamental.”

La historia explora el romance prohibido entre Tyler, un sacerdote, y Poppy, una penitente, desarrollando una relación que, si bien comienza de forma cuestionable desde el punto de vista ético, se presenta como sincera y genuina. A lo largo del relato, se muestra cómo ambos personajes se enfrentan a sus sentimientos y al dilema moral que su relación implica, lo cual añade profundidad emocional y complejidad al conflicto central de la trama.

En cuanto a los personajes, Tyler es un personaje interesante, con un pasado de experiencias sexuales que da coherencia a sus acciones y decisiones en el presente. A esto se suma que su elección de convertirse en sacerdote surge más de una necesidad personal de consuelo que de un verdadero llamado espiritual.

Sin embargo, dicha coherencia no aplica a su carácter, pues en ocasiones, se muestra posesivo y celoso, lo cual se contrapone demasiado con momentos en los que adopta una postura más de “aliado feminista”

Por su parte, Poppy es una protagonista femenina fuerte e independiente, que toma sus propias decisiones y demuestra una gran agencia en la historia. Lejos de ser representada como una víctima por su relación con Tyler, mantiene una personalidad sensible y autónoma, lo cual es un acierto de la autora. Esta representación evita caer en estereotipos.

“Quería las dos vidas (en la que éramos creyente y sacerdote y la vida en la que éramos hombre y mujer) y cada momento que pasaba sin que mi boca estuviera en su piel, más y más desaparecía mi fuerza de voluntad hasta quedarme con la incómoda certeza de que soportaría la culpa o el castigo necesarios con tal de volver a tocarla.”

El libro presenta escenas sexuales que incluyen prácticas de masoquismo suave, como el uso de cuerdas y elementos de dolor consensuado. Es importante mencionar que el consentimiento es tratado con seriedad y de manera explicita a lo largo de la trama.

Por otra parte, algunas de estas escenas pueden sentirse un tanto sacrílegas, lo cual contribuye a la controversia que rodea la relación de los personajes y cuestiona el tabú de la sexualidad en el ámbito religioso.

Además, el libro introduce temas contemporáneos y referencias culturales, como “The Walking Dead” y Britney Spears, combinándolos con menciones a figuras bíblicas, lo que genera una mezcla interesante entre lo moderno y lo sagrado.

Finalmente, aunque el conflicto entre Tyler y Poppy es revelado a otros personajes, las repercusiones para él son sorprendentemente leves, lo cual plantea interrogantes sobre la indulgencia y la percepción del público hacia figuras religiosas en situaciones similares en la vida real.

“¿En serio era tan terrible que un hombre de Dios tuviera sexo?”

Aunque el conflicto final es inesperado, se resuelve de una manera que parece sencilla y da la impresión de que una conversación podría haber evitado gran parte del drama.

Padre: perdóname porque he pecado explora el romance prohibido entre un sacerdote con un pasado que da coherencia a sus acciones y decisiones en el presente y una penitente que está lejos de ser representada como una víctima por su relación con el protagonista masculino. Un libro con escenas sexuales que incluyen prácticas de masoquismo suave y que pueden sentirse un tanto sacrílegas por sus ambientaciones. 

Autora: Sierra Simone
Editorial:
 Editorial Zig-Zag – VeRa
Saga/Autoconclusivo:
 Priest #1
Nº de páginas: 304
ISBN13:
 9786313002238
Precio:
 $16.990