Sábado, Noviembre 23, 2024
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Agatha En Todas Partes: ¿Por qué sí funcionó?

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SINOPSIS: Sigue a Agatha Harkness antes y después de su aparición en WandaVision.
Poster oficial de Agatha en Todas Partes (2024)

La víspera de Halloween se llevó consigo una de las mejores series que hemos visto este año, y es que Agatha en Todas Partes nos sorprendió gratamente no solo a los fans de Marvel, sino que al mundo entero. Creada por Jac Schaffer, la misma mente que nos dio WandaVision, Agatha en Todas Partes trae de vuelta a la icónica bruja Agatha Harkness después de que su estupenda aparición en WandaVision nos haya dejado a todos encantados con su retorcido y carismático personaje.

En esta oportunidad volvemos a un Westview que intenta seguir adelante después del hechizo de Wanda, y descubrimos en el primer capítulo que Agatha ha estado viviendo todo este tiempo en una suerte de ensoñación propia en donde cree que es policía. Un adolescente gótico aparece un día en medio de la noche y rompe el hechizo que Wanda dejó en Agatha, haciéndole entrar en razón y posteriormente descubrir que ya no tiene poderes. Cuando el muchacho le pide ayuda para cruzar el Camino de las Brujas, el cual te recompensa gratamente si lo superas, Agatha y el joven arman un aquelarre a medias para emprender un viaje de lo más tétrico y desafiante, pero ni siquiera Agatha se hubiera imaginado lo que estaba por venir.

Kathryn Hahn como Agatha Harkness

La premisa de esta serie es notable, ya que aprovecha su formato al máximo con cada episodio enfocándose en una prueba distinta y a su vez, revelar detalles cruciales que eventualmente terminan siendo parte de giros de trama sorprendentes. Otra cosa que hace que Agatha en Todas Partes funcione es que esta se siente auténtica en cuanto a su trama y por sobre todo, se sostiene por sí sola sin depender de cameos o referencias, ni mucho menos pretender ser una producción hecha nada más para anticipar producciones futuras dentro del MCU. Este aspecto facilita su visualización y la interacción de la audiencia con la serie, ya que solo se requiere haber visto una serie y una película para entender lo que nos llevó a este Camino de las Brujas y quiénes son los personajes que estamos viendo en pantalla. 

El elenco es a su vez igual de deslumbrante que la puesta en escena que tiene esta serie. Kathryn Hahn viene a cerrar bocas con su talento y carisma, probando que su personaje tiene las de dar como protagonista de su propia serie, mientras que Joe Locke aporta una personalidad divina a su personaje Teen (que posteriormente se conoce como… Vean la serie), mientras que el equipo formado por Sasheer Zamata, Ali Ahn, Debra Jo Rupp, y en especial, Patti Lupone, quien nos destruyó con su sacrificio en el episodio 7, es sin duda la mejor elección de casting que hemos visto en mucho tiempo. Y no podemos olvidar a Aubrey Plaza que con sus “witchy vibes” nos dejó deslumbrados a todos, sobre todo en ESA escena con Agatha en el episodio 8 después de que nos es revelado todo por lo que estas dos mujeres han pasado. Este es sin duda uno de los mejores elencos que una producción de Marvel ha tenido, y es que este poderoso grupo de talentosas mujeres y Joe Locke, que ya de por sí tiene nuestro corazón ganado desde Heartstopper, nos dejaron sin aliento con maravillosas actuaciones y desbordante carisma.

Sasheer Zamata, Joe Locke, Kathryn Hahn, Ali Ahn, y Patti Lupone en Agatha en Todas Partes

Cada episodio tiene su propia personalidad, ya que al igual que WandaVision, los escenarios están inspirados por algo en particular. El primer episodio tiene todas las vibras de una serie policiaca, sirviendo de recordatorio de que Agatha fue hechizada por Wanda, quien ya sabemos por la dinámica de WandaVision, estaba obsesionada con las series de televisión. Cuando Teen rompe el hechizo, Agatha se desliga de WandaVision por así decirlo, y toma las riendas de su propia serie al asentar el tono misterioso y spooky al que todos vinimos a ver cuando comienza su contienda junto a Teen para reunir un aquelarre de brujas con dotes distintas para acompañarlos al supuesto Camino de las Brujas. Posteriormente, cada episodio está inspirado en películas diferentes, lo cual es muy interesante de ver, ya que te deja expectante sobre lo que se viene en el futuro.

En resumen, Agatha en Todas Partes es una joya que no se pueden perder. Desprovista de todo lo que ya nos tenía aburridos en el MCU, esta serie brilla por sí sola al aprovechar al máximo su formato, su elenco y su temática: la brujería. Con este conjunto de episodios, no solo se enriquece el aspecto mágico dentro del MCU, sino que se nos presentó una variedad de personajes nuevos con una personalidad única y memorable, en comparación a los muchos personajes sin alma que hemos visto en la rama televisiva de Marvel (She Hulk, los personajes de Secret Invasion, etc.). Agatha Harkness se consolida como un personaje icónico y no podemos esperar a ver qué aventuras tendrá junto a Teen en el futuro, considerando lo que ya sabemos con ese final. Totalmente recomendada, le damos un 10/10.

Dirección: Agatha en Todas Partes
Año: 2024
País: Estados Unidos
Duración: 9 episodios
Elenco: Kathryn Hahn, Joe Locke, Sasheer Zamata, Ali Ahn, Debra Jo Rupp, Patti Lupone

Código Traje Rojo: Un agradable twist al género navideño

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SINOPSIS: Descrita como una comedia de acción y aventuras de cuatro cuadrantes que recorre el mundo imaginando un universo totalmente nuevo para explorar dentro del género de los días festivos.
Poster oficial de Código Traje Rojo (2024)

Llega la Navidad por adelantado con Código Traje Rojo, una imperdible comedia que mezcla la acción y la fantasía en un contexto completamente navideño. Dirigida por Jake Kasdan y producida por su estrella principal, Dwayne Johnson, esta cinta hace un agradable twist a todo lo que convencionalmente conocíamos sobre Santa Claus: ya no es la figura pachoncita que trabaja en una humilde cabaña en el Polo Norte junto a un par de elfos, al contrario, Santa o Nick, como le dicen sus cercanos, es un hombre atlético y musculoso a cargo de una megaciudad oculta que opera 364 días al año para hacer la entrega de los regalos en Navidad a bordo de un supertrineo tirado por gigantescos renos.

Junto a un singular equipo de criaturas fantásticas, incluido un enorme oso polar que habla, Nick se prepara para emprender su cruzada cuando de la nada alguien irrumpe en la ciudad secreta del Polo Norte con la misión de secuestrarlo. Callum (Dwayne Johnson), la mano derecha de Santa, y Jack O’Malley (Chris Evans), un reconocido hacker, se enfrentarán juntos a todo tipo de amenazas, desafiando todo lo que O’Malley creía conocer. Con tal de encontrar a Santa y derrotar a la Bruja de la Navidad, quien planea aprisionar a quienes se portan mal, este particular dúo aprenderá a trabajar en equipo, y lo más importante, se reencontrarán a sí mismos.

J. K. Simmons como Santa Claus o Nick

Esta cinta es imperdible, ya que se sale de todos los bordes que delimitan a tu típica película navideña al combinar la acción con la fantasía. El ver a personajes mitológicos clásicos como Santa o Krampus bajo una luz completamente distinta en donde estos son unos hermanastros rudos y sarcásticos se siente sumamente fresco. Sin alejarse demasiado del típico mensaje esperanzador de unión relacionado con la Navidad, Código Traje Rojo busca entretener a su amplia audiencia por todos los niveles, ya que contiene la cantidad perfecta de comedia (la mayoría gracias a Chris Evans quien lo da todo en esta cinta), acción semejante a la que verías en cualquier película de espionaje o superhéroes (Dwayne Johnson tiene tecnología similar a la de Ant-Man para combatir además de sus músculos), y el uso del folklore internacional que rodea a la Navidad con un toque moderno es la cereza sobre el pastel.

Sin embargo, la química entre los protagonistas (Johnson y Evans) es inexistente. Aunque todos sabemos que Johnson no es muy bueno para mostrar emociones en sus papeles, y que los personajes Callum y Jack no se  agradan al principio de la película, es inevitable no notar una cierta frialdad. Por más buena que sea la trama y el concepto de la película, si no hubiese estado Chris Evans en uno de los mandos, la cinta no sería lo mismo, ya que Dwayne Johnson es incapaz de sostener una historia como protagonista si sigue dándonos nada emocionalmente. La trama nos cuenta que Callum y Santa trabajan juntos hace cientos de años y una vez que Santa peligra, las expresiones de Callum son de póquer. Cuando recupera su sentido de la vida al final de la cinta, Callum simplemente levanta una comisura de su boca. ¡Dwayne, por favor, danos algo!

Chris Evans y Dwayne Johnson como Callum y Jack

En fin, Código Traje Rojo es ahora una de nuestras películas navideñas favoritas, ya que no cae en clichés ni tampoco intenta ser demasiado infantil, de hecho, si tienen niños con poca concentración, mejor véanla solos. Hace un uso muy bueno de la mitología navideña y se arriesga a desarrollar un concepto totalmente radical e interesante en torno a la ya conocida trama de “La Navidad está en peligro”. Chris Evans carga la película en sus hombros con su carisma, ayudando a que el buen concepto de la película no se apoye por sí solo. Dwayne Johnson y su productora hacen excelentes películas de acción y aventura, pero quizás es momento de quedarse detrás de la cámara un tiempo para evaluar otros caminos actorales. Le damos un 7/10.

Dirección: Jake Kasdan
Año: 2024
País: Estados Unidos
Duración: 2 horas, 3 minutos
Elenco: Dwayne Johnson, Chris Evans, Lucy Liu,
J. K. Simmons

La Contadora de Películas: Inspiradora y coloquial

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SINOPSIS: María Margarita es la menor de cuatro hermanos de una familia que vive en un pueblo minero del desierto de Atacama (Chile). Los padres de la niña se dan cuenta de que la pequeña tiene un don muy especial: habilidad para contar películas.
Poster oficial de La Contadora de Películas

Este jueves llega a la pantalla grande la adaptación cinematográfica del famoso libro de Hernán Rivera Letelier, La Contadora de Películas, una historia superficialmente ligera y alegre, pero que en el fondo relata una realidad cruda dentro de un contexto puramente chileno. Dirigida por la danesa Lone Scherfig, esta cinta gira en torno a María Margarita, la menor de cuatro hermanos de una familia que vive en un pueblo minero en medio del desierto de Atacama. Después de sufrir un accidente laboral, el padre de la familia queda postrado en casa, lo que hace que su esposa y madre de sus hijos huya de casa para tratar de cumplir su sueño frustrado de ser artista. Dado que ya no hay ingresos suficientes para ir al cine todos los domingos como solían hacerlo, el padre decide hacer un concurso entre sus hijos al mandarlos de a uno al cine para que vuelvan y relaten la película de la semana a los demás. Es así como María Margarita descubre su talento innato para la actuación, lo que la impulsa a hacer de su profesión el maravillar a todos con sus épicos relatos.

La Contadora de Películas tiene una cinematografía y dirección notable, ya que al ser filmada en un pueblo minero abandonado, la cámara capta de una manera sublime el ambiente que propicia el desarrollo de semejante historia: un escenario desolado, sin color, sin vida. El contraste que se produce en el momento en que María Margarita comienza a relatar sus películas hace que la mente de quienes la oyen se expanda, abriendo un mundo pintoresco frente a los ojos de quienes nunca han visto algo parecido en persona. La película es fidedignamente una carta de amor al cine y sus comienzos, representando de forma acertada lo que muchos cinéfilos sentimos, y es que el cine es en sí, nos sirve como un escape de la realidad, permitiéndonos sentir cosas que probablemente nunca podremos experimentar en carne propia.

La familia de María Margarita en su mejor momento

La elección del elenco para esta película fue estupenda, ya que no solo se aprecia el hecho de que esté compuesto en su mayoría por actores chilenos (no como cierta película también situada en el norte que importó a todo su elenco desde España y México, sí, hablamos de Los 33), sino que se nota que no hubo intención de blanquear nuestra cultura en lo absoluto. Por un lado, escuchar nuestro dialecto del español sin censura ni neutralización, fue un respiro de aire fresco y un toque necesario de personalidad para la película. Por el otro, nuestra cultura familiar fue muy bien representada, incluso para una historia situada en 1960, y por supuesto se aprecia que las locaciones hayan sido reales y grabadas en territorio chileno. Que el mismo Daniel Brühl haya venido a nuestro desierto se siente genial. Aunque la cinta no estuvo exenta de contratar actores conocidos en la pantalla chica, los protagonistas y la mayoría de quienes les rodeaban lucen como personas que podríamos encontrar en cualquier parte de Chile y no solo en Las Condes para arriba, lo que facilita la conexión de la audiencia con los personajes en pantalla.

Pero esta cinta no es solo optimismo y alegría, ya que sus personajes viven sumidos en un mundo de dolor interno cuya exploración es muy interesante, ya que las emociones van subiendo como espuma y una vez que la olla explota, la realidad cruda de los protagonistas comienza a apoderarse de la narrativa por completo. La felicidad que María Margarita brinda a través de sus relatos es una distracción para ella, su familia, y para la audiencia, de lo que en realidad pasa en sus interiores: el dolor colectivo que causó el abandono de la madre, la depresión que sufre el padre por estar postrado y no ser capaz de darle una vida digna a sus hijos, el posterior abuso sexual de María Margarita, la ira contenida que yace en sus hermanos, etc. Todos estos elementos forman un contraste entre la realidad triste y vacía versus la vida glamurosa y emocionante que viven los personajes que María Margarita gusta de observar. Es todo una demostración de cómo el cine puede ser un escape momentáneo de una cruda realidad, pero que al final es solo eso, un escape, y que uno debe decidir si quiere escapar de esta en serio. 

La tradición de la familia era ir todos juntos al cine los domingos

En conclusión, La Contadora de Películas hace un excelente trabajo como adaptación literaria y como una representación de la cultura chilena para el mundo. Con un elenco muy bueno y una narrativa atrapante, esta película merece aclamación, ya que explora temas difíciles de digerir al mismo tiempo que da lugar al optimismo y al uso de la imaginación. Le damos un 8/10. 

Dirección: Lone Scherfig
Año: 2023
País: Chile
Duración: 1 hora y 56 minutos
Elenco: Bérénice Bejo, Sara Becker, Alondra Valenzuela, Daniel Brühl

No te sueltes: Entre el terror y el drama familiar

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SINOPSIS: Una familia ha sido perseguida por un espíritu maligno durante años. Su seguridad y su entorno
se ponen en duda cuando uno de los niños cuestiona si el mal es real.

Si bien ya acabó octubre, las películas de terror continúan, esta semana se estrena No te Sueltes (Never let go) una interesante película protagonizada por Halle Berry  y dirigida por Alexander Ajá, director de Infierno en la Tormenta (Crawl), por lo que es uno de los estrenos a considerar. 

La historia nos narra acerca de una madre que junto a sus dos hijos viven aislados del mundo, en una cabaña. Esto es debido a que ya no existe el mundo, todo fue consumido por “el Mal”, o así es como la madre de los niños hace entender. El único lugar seguro es la cabaña donde viven, solamente pueden salir de su hogar amarrados a una cuerda que conecta con la casa.   

La película está dividida en tres capítulos, cada uno con un enfoque temático bien definido. La narración fluye de manera que nos transporta a un mundo de cuento, como si estuviéramos en una historia oscura de los hermanos Grimm.

Las actuaciones son bastante buenas. Era lo esperable de Halle Berry, quien encarna con convicción a una madre sobreprotectora, y los niños también logran interpretaciones sólidas, esenciales para sostener la trama. Sus interacciones son lo que mantiene al espectador cautivo, ya que no hay grandes escenas de acción: “El Mal” solo se manifiesta si se sueltan de la cuerda, algo que intentan evitar en todo momento.

La premisa es interesante y nos lleva a cuestionarnos durante toda la película si lo que dice la madre es real o si estamos frente a una manifestación de un trastorno mental. Al igual que los niños, los espectadores nos debatimos entre la duda y la fe en el relato de la madre, lo que convierte a esta historia en algo más que una película de terror; se trata de un drama familiar donde una madre es capaz de todo para proteger a sus hijos y a la vez hay dos posturas diferentes de ellos con lo que respecta a la historia que les cuenta su madre. De hecho en un comienzo la película se pensó titular “Mother Land”.

La trama es intrigante de principio a fin, y la atmósfera es envolvente, no solo por los oscuros escenarios de la cabaña y el bosque, sino también por el juego mental que plantea entre lo real y lo fantástico. Aunque el final puede resultar un poco ambiguo, esto es coherente con el tono de la película, que busca dejar al espectador con interrogantes y abrir espacio para que cada uno saque sus propias conclusiones.

No te sueltes A través de una atmósfera envolvente y actuaciones intensas, la película nos hace cuestionar constantemente si el peligro es real o solo una proyección de la mente de la madre, manteniendo el suspenso hasta el ambiguo desenlace.

Dirección: Alexander Aja
País: Estados Unidos
Año: 2024
Duración: 101 minutos.
Elenco: Halle Berry, Percy Daggs IV, Anthony B. Jenkins

Operación Zombie: Resurrección – Un Apocalipsis Bélico con Conciencia

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SINOPSIS: Un arma letal diseñada por Japón soltada en territorio tailandés crea una voraz horda de soldados zombies con habilidades sobrehumanas y conciencia moral que dejarán un camino empapado de sangre, violencia y destrucción.
 

Gracias a Cinetopia Chile, que siempre suele traer películas poco convencionales, este jueves 7 de noviembre se estrena Operación Zombie: Resurección, una cinta tailandesa de terror, que le da un giro a la temática de los zombies.

La película está ambientada en 1941, en Tailandia. En la guerra se enfrentan soldados tailandeses contra japoneses, pero estos últimos liberan un arma que convierte a los soldados en zombies. Ambos bandos tendrán que unirse para combatir con el enemigo en común.

Resulta una grata sorpresa ver una película tailandesa en nuestra cartelera, ya que, normalmente, los estrenos asiáticos que llegan ocasionalmente a nuestro país suelen ser de Japón, y en menor medida de  China o Corea del Sur. Pero no es solo el origen lo que hace a esta película única, sino su giro original en la representación de los zombies, de hecho ni siquiera reciben ese nombre en la cinta, aquí, los infectados mantienen cierta consciencia, pueden hablar y sufren, añadiendo un matiz profundo y emotivo que rara vez se ve en este género.

La película destaca en algunos aspectos técnicos. El maquillaje de los zombies está bien logrado, aportando una estética visceral y un realismo sangriento que encantará a los fanáticos del gore. Los efectos prácticos son decentes para mostrarnos sin miedo a causar alguna repulsión cuerpos mutilados y desmembrados, pero el CGI en ocasiones desentona, restando algo de impacto visual. Sin embargo, la acción y las escenas de batalla mantienen la tensión alta y el ritmo fluido.

Aunque la trama comienza bien, con una introducción que permite conocer las relaciones entre los personajes, su contexto familiar y de amistad antes de la catástrofe, el guion cae en algunos momentos de incoherencia que restan fuerza a la narrativa. A medida que avanza, ciertas escenas resultan algo repetitivas o sin un propósito claro, lo que desvía el foco y ralentiza el desarrollo de la historia que tampoco es muy compleja. Pensamos que la película con algunos minutos menos de duración hubiera funcionado mejor.

Operación Zombie: Resurrección combina elementos de guerra, horror y melodrama, creando una cinta inusual que va más allá de la típica historia de supervivencia. Además, plantea temas interesantes para un análisis quizás más profundo, como las complejas relaciones entre Tailandia y Japón, el impacto humano de la guerra y hasta qué punto la conciencia define nuestra humanidad. A pesar de sus altibajos, es una película que los amantes del género apreciarán por su originalidad y propuesta visual.

Operación Zombie: Resurección  es una película que rompe con el cliché de zombies de seres sin conciencia. Si bien tiene algunas incoherencias de guion, el maquillaje y los efectos prácticos logran cautivar. Con un trasfondo cultural y un enfoque más profundo en la naturaleza humana, esta película aporta un giro poco convencional al género. 

Dirección: Kongkiat Khomsiri
País: Tailandia
Año: 2024
Duración: 109 minutos.
Elenco: Akkarat Nimitchai, Awat Ratanapintha, Chanon Santinatornkul

Blackouts: un vistazo de lo que significaba ser queer y/o latino en los Estados Unidos del siglo XX

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Novedad literaria de Penguin Random House Chile bajo el sello Random House, Blackouts de Justin Torres (autor de Nosotros los animales) es una novela galardonada con el National Book Award 2023, que desentierra un episodio fundacional de la comunidad queer y explora los orígenes de su patologización. 

El libro se centra en la conexión entre un joven cuidador y un hombre moribundo, quienes, mientras lidian con sus propios recuerdos y crisis, intentan desentrañar los secretos de un estudio queer censurado de los años treinta. Este estudio, creado por la socióloga Jan Gay, contiene testimonios que desafían las normas heteronormativas de la época y que fueron casi borrados de la historia por la élite médica.

“Y a pesar de que sabía que bromeaba, me repugnaba, no Juan mismo, sino la vejez como abstracción. Me resultaba imposible imaginar mi propio cuerpo adolescente sucumbiendo a la edad, deteriorándose.”

Hay un contraste entre la juventud y la vejez en el diálogo que entablan ambos protagonistas, lo que marca una diferencia (esta vez generacional) entre sus experiencias, así como lo hacen otros elementos (por ejemplo, la prostitución en el caso del protagonista joven). Sin embargo, también hay puntos en común en sus vivencias, las cuales giran en torno, sobre todo, a ser queer y puertorriqueño en los Estados Unidos del siglo XX, lo que implicaba discriminación.

La trama parte con el reencuentro de los protagonistas luego de haber perdido el contacto por diez años, luego se devuelve para explorar también cómo se conocieron en primer lugar, en una institución para personas mentalmente enfermas.

“¿Qué no te insista para que me dejes? Todos los finales son complicados, nene. Todo lo que hay por delante es el gran olvido. Los blackouts llegarán muy rápido. Y el cuerpo… Nene, todos los finales son complicados.”

Tanto el protagonista joven como Juan, el protagonista moribundo, tienen pérdidas temporales de consciencia (blackouts), de ahí viene el nombre de la novela, pero también la experiencia de lectura se siente así, como algo no tan claro, no tan consciente

En la misma línea, a pesar de que la narración no es lineal, no llega a ser completamente confusa y se logra entender

En la novela no hay mucha acción por parte de los personajes, sino que se exploran, a través de conversaciones, la historia y experiencias de ambos protagonistas, así como la vida y obra de Jan Gay, una periodista, escritora, activista e investigadora lesbiana estadounidense que existió en la vida real, siendo la parte basada en hecho reales del libro.  

“Si un policía entrara en esta habitación ahora mismo, contigo en tus minúsculos calzoncillos tumbado conmigo, tan débil, en esta cama, vería un delito.”

El libro incluye imágenes que son complementarias al texto, algunas de las cuales tienen textos en inglés. Sin embargo, en las últimas páginas del libro hay un apartado titulado “Documentos fotográficos e ilustraciones” dónde están las traducciones al español de dichos textos.

Blackouts explora, a través de largas conversaciones, las historias y experiencias de ambos protagonistas, siendo de distintas generaciones, pero teniendo en común el ser queer y puertorriqueño en los Estados Unidos del siglo XX. A su vez, también se aborda la vida y obra de Jan Gay, una periodista y escritora lesbiana que existió en la vida real. Esto se hace a partir de una narración que no es lineal, que se siente un tanto onírica a momentos y que está acompañada de imágenes que van complementando la historia.

Autor: Justin Torres
Editorial:
 Penguin Random House Chile – Random House
Saga/Autoconclusivo:
 Autoconclusivo
Nº de páginas: 336
ISBN13:
 9789566248378
Precio:
 $17.000

Menú para dos: un chick-lit queer, un queer-lit

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Novedad literaria de Penguin Random House Chile bajo el sello Editorial Molino, Menú para dos (The pairing) es la nueva comedia romántica de Casey McQuiston, la cual demuestra que algunas cosas saben mejor juntas.

El libro se centra en la complicada relación entre Theo y Kit, quienes, tras haber sido amigos, amantes y finalmente exnovios, se reencuentran inesperadamente en un viaje por Europa que ambos habían planeado hacer juntos años atrás. Ahora, forzados a compartir esta experiencia, recorren las ciudades más románticas de Francia, España e Italia, intentando demostrar que ya han superado lo que una vez tuvieron.

“La vida con Kit era un buen sueño. Era algo… era algo inevitable. Tenía sentido. Lo había conocido tan joven y lo había amado durante tanto tiempo que todo lo que había aprendido sobre el amor había crecido dentro de él, hasta que ya no podía decir dónde terminaba Kit y empezaba el amor.”

Esta es una historia sobre dos personas que terminaron una larga relación por una especie de mal entendido y que años después se reencuentran por accidente para darse cuenta que nunca dejaron de sentir ese amor que sentían mutuamente. En este reencuentro hay una reconstrucción del pasado, de su relación y de todo lo que han vivido juntes, desde el presente.

Es una novela romántica en la que el componente sexual está muy presente.

“Todo el asunto, mi historia en la que Kit desempeña el papel de traidor… no tiene ningún sentido con dos corazones rotos.”

La trama está ambientada en distintas ciudades a lo largo de Europa, lugares históricos que están llenos de anécdotas descritas en el libro. Al igual que en Rojo, blanco y sangre azul, se nota que le autore hizo la tarea, pero se siente un poco como relleno y no tan interesante. Lo mismo pasa con el tema de las comidas. 

Hay un exceso de personajes secundarios, los cuales no son muy memorables. Este aspecto más bien negativo también está presente en He besado a Shara Wheeler, otras de las novelas de le autore. 

“No sé si amo a Theo porque soy queer o si soy queer porque amo a Theo, pero lo que sé es que no hay nada que necesite y que Theo no tenga. Si soy un hombre en búsqueda constante del hedonismo, Theo es la respuesta definitiva. Lo máximo en todo.”

La primera parte de la novela está narrada por Theo, une de les protagonistas, y la otra mitad, por Kit, el otro protagonista. Lo interesante de esta decisión creativa es que, por un lado, mientras se lee a Theo, le protagonista no binarie, se subentiende el tema respecto a su identidad de género, mientras que cuando se lee a Kit, esto se vuelve un tema explícito, una aclaración, porque está visto desde la perspectiva de alguien que nunca ha cuestionado su identidad de género. A esto se suma que en la novela se usa la e como una forma de lenguaje inclusivo.

Pero también hay un tema respecto a la percepción de la conducta de le otre personaje. Lo que queda claro cuando se está leyendo desde el punto de visto de une de les protagonista, se vuelve ambiguo y difuso cuando se está viendo desde el punto de vista de le otre y eso es muy interesante y le agrega complejidad a la relación entre les protagonistas.

Menú para dos es una novela en la que les protagonistas recuerdan y retoman lo vivido durante la relación amorosa que tuvieron y que acabó en algún punto por un mal entendido, con un interesante juego de perspectivas que le agrega complejidad a la relación entre les personajes principales. Sin embargo, esto se ve empañado por constantes anécdotas históricas sobre los lugares que les protagonistas visitan e innecesarias descripciones de la comida que prueban, que solo sirven para demostrar que le autore hizo la tarea, y la incorporación de un exceso de personajes secundarios poco memorables.

Autore: Casey McQuiston
Editorial:
 Penguin Random House Chile – Editorial Molino
Saga/Autoconclusivo:
 Autoconclusivo
Nº de páginas: 304
ISBN13:
 9789566146353
Precio:
 $18.000

Padre, perdóname porque he pecado: una lectura spicy que se siente un tanto sacrílega a momentos

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Novedad de septiembre de Editorial Zig-Zag bajo el sello VeRa, Padre: perdóname porque he pecado de Sierra Simone es un relato de tentación, fe y la inevitable caída en lo prohibido. Aunque el costo sea el infierno.

El libro se centra en Tyler Bell, un sacerdote que ha seguido fielmente las reglas de su vocación, encontrando consuelo en ellas tras una tragedia familiar. Sin embargo, todo cambia cuando conoce a Poppy Danforth, una mujer cuya voz y confesiones lo perturban profundamente. Desde ese momento, Tyler se ve atrapado en un conflicto interno, debatiéndose entre sus votos religiosos y una atracción que lo consume.

“Y en ese momento, en el pico, en la cumbre de su codicioso triunfo, nos miramos fijamente y atravesamos todas las barreras: desconocido y desconocida, sacerdote y penitente, Tyler y Poppy. Solo éramos hombre y mujer, como nos hizo Dios, Adán y Eva en su forma más elemental y fundamental.”

La historia explora el romance prohibido entre Tyler, un sacerdote, y Poppy, una penitente, desarrollando una relación que, si bien comienza de forma cuestionable desde el punto de vista ético, se presenta como sincera y genuina. A lo largo del relato, se muestra cómo ambos personajes se enfrentan a sus sentimientos y al dilema moral que su relación implica, lo cual añade profundidad emocional y complejidad al conflicto central de la trama.

En cuanto a los personajes, Tyler es un personaje interesante, con un pasado de experiencias sexuales que da coherencia a sus acciones y decisiones en el presente. A esto se suma que su elección de convertirse en sacerdote surge más de una necesidad personal de consuelo que de un verdadero llamado espiritual.

Sin embargo, dicha coherencia no aplica a su carácter, pues en ocasiones, se muestra posesivo y celoso, lo cual se contrapone demasiado con momentos en los que adopta una postura más de “aliado feminista”

Por su parte, Poppy es una protagonista femenina fuerte e independiente, que toma sus propias decisiones y demuestra una gran agencia en la historia. Lejos de ser representada como una víctima por su relación con Tyler, mantiene una personalidad sensible y autónoma, lo cual es un acierto de la autora. Esta representación evita caer en estereotipos.

“Quería las dos vidas (en la que éramos creyente y sacerdote y la vida en la que éramos hombre y mujer) y cada momento que pasaba sin que mi boca estuviera en su piel, más y más desaparecía mi fuerza de voluntad hasta quedarme con la incómoda certeza de que soportaría la culpa o el castigo necesarios con tal de volver a tocarla.”

El libro presenta escenas sexuales que incluyen prácticas de masoquismo suave, como el uso de cuerdas y elementos de dolor consensuado. Es importante mencionar que el consentimiento es tratado con seriedad y de manera explicita a lo largo de la trama.

Por otra parte, algunas de estas escenas pueden sentirse un tanto sacrílegas, lo cual contribuye a la controversia que rodea la relación de los personajes y cuestiona el tabú de la sexualidad en el ámbito religioso.

Además, el libro introduce temas contemporáneos y referencias culturales, como “The Walking Dead” y Britney Spears, combinándolos con menciones a figuras bíblicas, lo que genera una mezcla interesante entre lo moderno y lo sagrado.

Finalmente, aunque el conflicto entre Tyler y Poppy es revelado a otros personajes, las repercusiones para él son sorprendentemente leves, lo cual plantea interrogantes sobre la indulgencia y la percepción del público hacia figuras religiosas en situaciones similares en la vida real.

“¿En serio era tan terrible que un hombre de Dios tuviera sexo?”

Aunque el conflicto final es inesperado, se resuelve de una manera que parece sencilla y da la impresión de que una conversación podría haber evitado gran parte del drama.

Padre: perdóname porque he pecado explora el romance prohibido entre un sacerdote con un pasado que da coherencia a sus acciones y decisiones en el presente y una penitente que está lejos de ser representada como una víctima por su relación con el protagonista masculino. Un libro con escenas sexuales que incluyen prácticas de masoquismo suave y que pueden sentirse un tanto sacrílegas por sus ambientaciones. 

Autora: Sierra Simone
Editorial:
 Editorial Zig-Zag – VeRa
Saga/Autoconclusivo:
 Priest #1
Nº de páginas: 304
ISBN13:
 9786313002238
Precio:
 $16.990

Anora: : Una narrativa envolvente que consagra a Sean Baker

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SINOPSIS:
Anora, una joven trabajadora sexual de Brooklyn, tiene la oportunidad de vivir su propio cuento de hadas cuando conoce y se casa repentinamente con el hijo de un magnate. Cuando la noticia llega a Rusia, su historia de ensueño se ve amenazada cuando los padres de él viajan a Nueva York para anular el matrimonio.

Anora, la película ganadora de la Palma de Oro en el último Festival de Cannes llega gracias a Universal Pictures y a Andes Films este jueves 31 de octubre a las salas nacionales.  Una oportunidad única para Chile, ya que el estreno para el resto de Latinoamérica está programado cerca de enero o febrero.

Sean Baker, uno de los directores estadounidenses más destacados de este último tiempo, conocido por  películas como Tangerine(2015) , The Florida Proyect (2017) o Red Rocket (2021); las cuales no solo las dirige, sino que también las escribe. Suele contarnos historias de personajes que muchas veces están ocultos en la sociedad; así mismo ocurre en Anora, película donde la protagonista es una joven que se dedica al comercio sexual, pero mágicamente comienza a vivir una fantasía al conocer a Ivan (o Vanya) un hijo de magnate ruso lo que lleva a un rápido matrimonio, pero la historia comienza a complicar cuando los padres de Vanya se enteran de lo que sucedió.    

Probablemente la obra más completa de Sean Baker, no es casualidad que haya ganado en Cannes, y tampoco será una sorpresa que tenga muchas nominaciones en otras grandes competencias como los Globos de Oro y los Oscars. Pero, ¿qué es lo que hace a Anora una película tan buena?

El título de la película lleva el nombre de la protagonista, aunque ella prefiere ser llamada Ani. El papel interpretado por Mikey Madison simplemente la consolida como una gran actriz, nos atrevemos a decir que seguramente aparecerá nominada a varios premios, ya pudimos ver pizcas de su talento en Había una vez en Hollywood (2019) o en Scream V (2022), pero lo que hace ahora está a otro nivel; ya que en Ani logra derrochar sensualidad, ternura ,nos conmueve, genera un abanico diversos de emociones. Es un personaje muy bien creado, bastante humano y sobre todo realista. Incluso Ani puede confundirnos a nosotros los espectadores, si ella realmente siente algo por Ivan o solo es alguien dedicada a su oficio. 

De igual manera, las interpretaciones de los otros actores aportan riqueza a la película. Mark Eydelshteyn, en el papel de Vanya, genera tanto risa como rabia, con una interpretación de un personaje inmaduro cuyas acciones son comprensibles hasta cierto punto. La química entre Ani e Ivan es notable, y el personaje de Igor, interpretado por Yuriy Borisov, también tiene un desarrollo destacado dentro de la trama. En general, el elenco está muy bien seleccionado, y cada personaje cumple una función significativa en la historia sin quedarse en una sola dimensión, lo que muestra que están muy bien escritos.        

Con más de dos horas de duración, la película podría sentirse larga, pero la intensidad y el ritmo logran que el tiempo pase rápidamente. Baker explora diversos géneros —drama, thriller y comedia— de manera magistral, provocando una amplia gama de emociones en el espectador. Los momentos de humor están cuidadosamente integrados, logrando sorprender incluso en escenas dramáticas.

Por su parte la música es otro punto que resalta, genera una sensación onírica como si de verdad estuviéramos viendo una historia de Cenicienta. De igual manera la fotografía también ayuda a generar esta realidad.

Si bien Sean Baker, no está creando la rueda porque mucho de lo que se ve en Anora ya lo muestra en otras de sus creaciones anteriores, como lo es de la contarnos historias de personajes de cierto modo “marginales”, lo hace sin dar muestras de cuestionamientos o prejuicios. Pero sin lugar a dudas en esta película llega a la cúspide donde con un guion impredecible nos atrapa desde el minuto uno.  

En conclusión Anora es una obra llena de emociones, consagra a Sean Baker en el cine con una historia tan impredecible como entrañable. Las interpretaciones, lideradas por Mikey Madison, destacan por su humanidad y complejidad, mientras que la música y la fotografía elevan la experiencia a un nivel casi onírico.

Dirección: Sean Baker
País: Estados Unidos
Año: 2024
Duración: 138 minutos.
Elenco: Mikey Madison, Mark Eydelshteyn, Yuriy Borisov, Darya Ekamasova, Ivy Wolk

Terrifier 3: Se supera a sí misma cada vez más

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SINOPSIS: El payaso Art se dispone a desatar el caos entre los desprevenidos habitantes
del condado de Miles mientras duermen plácidamente en Nochebuena.
Poster oficial de Terrifier 3 (2024)

Llegó el tan esperado estreno de la tercera parte de Terrifier en Chile, una saga que, con cada película que sale, se vuelve cada vez más icónica y querida por los fans del horror y sobre todo el gore. Damien Leone vuelve con todo en su nueva propuesta cinematográfica, y es que Terrifier 3 no es solo una demostración absurda de violencia, vísceras y sangre, también se encarga de expandir el universo del payaso Art al traer de vuelta a Victoria (la superviviente mutilada de la primera entrega), y a los hermanos Sienna y Jonathan de Terrifier 2, para explicarnos en más detalle la mitología para nada escabrosa que rodea a estos personajes. Han pasado cinco años desde los eventos en el Terrifier, Sienna y Jonathan viven separados el uno del otro mientras tratan de retomar sus vidas y recuperarse del trauma vivido, sin embargo, ellos no saben que el payaso Art ha vuelto gracias a Victoria, quien se halla poseída por un demonio al que se presume solo Sienna está destinada a derrotar.

Esta tercera parte no escatima en violencia y supera sus propios límites establecidos en su antecesora, que de por sí dejó a la primera película como un slasher amateur en comparación. En esta ocasión, no solo verán a Art ejecutar unos de los asesinatos a sangre fría más enfermos y retorcidos que jamás hayan visto en otras películas, ya que se le suma un personaje igual de desquiciado, Victoria, quien al estar poseída, tiene una forma de ser igual o más desquiciada que Art. El director Damien Leone más de una vez ha comentado que no quiere que ningún estudio importante se meta con sus películas, ya que estos limitarían la violencia que se puede presentar en pantalla, y ahora entendemos por qué, ya que en esta oportunidad, Art no solo mutila y despedaza a adultos de las formas más siniestras posibles (como la escena con el tubo y los ratones), sino que se mete con un tema sensible, el asesinato de niños. Aunque Terrifier desde sus inicios ha brillado por la controversia, durante esta película puede que algunas personas se sientan de verdad sobrecogidas por la brutalidad de algunas escenas, ya que (SPOILER) varios de los ataques infligidos por el payaso son hacia niños, y aunque la mayoría no son explícitos, el poder ver partes de sus cuerpos desparramados por doquier es impactante.

David Howard Thornton como Art el Payaso

Pero no todo es sangre y violencia (en realidad sí, para eso vemos Terrifier), ya que en esta ocasión la película profundiza en el backstory de Sienna al introducir a su padre, quien predijo que su hija sería la encargada de erradicar el mal sobre la tierra. Metiéndose con la simbología cristiana en su totalidad y dejando en claro que Sienna es un tipo de mesías, Terrifier 3 enriquece su mitología al darle migajas de información tanto a Sienna como a la audiencia sobre la existencia de demonios, y cómo estos usan a personas malignas recién fallecidas para surgir en la Tierra, dando a entender que si el Diablo existe, debe haber una contraparte que le enfrente. Aunque el origen diabólico del payaso Art se conoce desde sus cortometrajes del 2008, Terrifier 3 se encarga de usar esa información y pulirla para las nuevas audiencias, sin embargo, no se enfoca demasiado en exponer este lado místico de la saga, ya que sigue sin buscar tomarse demasiado en serio al priorizar las escenas sangrientas y shockeantes que nos atrajeron a todos desde un principio.

Aunque todos conocemos a esta saga por lo visceral que es, Terrifier no sería nada sin su protagonista Art, y es que David Howard Thornton nació para hacer de este villano. Aunque su apariencia es espeluznante y sus acciones son repulsivas, llegando a hacer que te sientas sucio por verlas, el payaso Art se consolida en esta entrega como uno de los mejores villanos del horror de los últimos tiempos. A la par de icónico como lo son Freddy Krueger o Jason, este payaso tiene un carisma insuperable, lo cual es sumamente refrescante dado a lo fuerte que son sus películas. Por más repulsivo que sea lo que esté haciendo, sus características muecas y manierismos hacen que sueltes el aire que estabas sosteniendo, recordándote que lo que estás viendo es ficción. Las demás actuaciones son bastante sólidas, sobre todo la de Lauren LaVera quien interpreta de forma perfecta a este personaje tan traumado, pero a la vez audaz que es Sienna.

Lauren LaVera como Sienna versus Art

En conclusión, Terrifier 3 es una secuela estupenda dentro de sus propios márgenes y para el género en el que se desenvuelve. Con escenas retorcidamente impactantes y unos efectos prácticos increíbles, esta tercera parte lo da todo para cumplir las expectativas de su fanaticada en ascenso. La exploración de su propia mitología denota que esta saga se toma lo suficientemente en serio y que no merece ser llamada un gore fest sin sentido y sin trama, ya que además de sus controversiales puestas en escena, toca temas siempre interesantes de ver en el género del horror como lo son el satanismo. Sin duda una saga que vale la pena ver (si puedes, no es para todos), ya que es buena para quienes gusten de este género, sobre todo esta tercera parte. Le damos un 9/10.

Dirección: Damien Leone
Año: 2024
País: Estados Unidos
Duración: 125 minutos
Elenco: David Howard Thornton, Lauren LaVera, Elliott Fullam, Antonella Rose, Samantha Scaffidi