SINOPSIS: Desarrollada en un Chile melancólico que pasea por distintas décadas y territorios, que a veces parece otro planeta, hombres que vivieron un mundo que todavía escondía tesoros o, quizá, un tributo al mundo cuando todavía parecía desconocido. Narrada con desfachatez, llena de giros, pasando desde el Calypso de Jacques Cousteau, a la Polinesia y luego a la cima de un volcán en la mitad de un desierto. Pareciera que el verdadero tesoro del director es el material que tiene en sus manos y no el de su pirata Henri, el hipnótico protagonista.
A partir de este 20 de marzo podremos ver en cines Henri el último pirata, este documental es una carta de amor al mar, la aventura y la libertad. Julián Fernández Prieto logra un relato intimista y visualmente hipnótico, combinando imágenes de archivo con testimonios que dan vida a un hombre que eligió el océano como su hogar.
La película nos sumerge en un viaje sensorial, con una fotografía que captura la majestuosidad de Rapa Nui y las profundidades del mar, contrastando con la sencillez de la vida de Henri. A través de entrevistas con quienes lo conocieron, su hijo Loti en gran parte del documental es quien lleva la rienda de narrador, la película nos muestra no solo su espíritu aventurero, sino también su lado más humano: la búsqueda de un lugar donde sentirse libre y en paz.
Uno de los aspectos más interesantes del documental es la manera en que construye el mito en torno a su protagonista. Henri no solo fue un explorador, sino también un narrador de sus propias aventuras. A través de los registros que él mismo dejó, descubrimos a un hombre que comprendió el valor del tiempo y de la naturaleza, que se alejó del mundo para vivir en armonía con el mar y la comunidad rapanui. Su figura, con el paso de los años, se convirtió en parte de la historia oral de la isla, y el documental logra transmitir ese sentido de leyenda viva.
Si bien el documental tiene un ritmo pausado, su narrativa nunca pierde interés. La historia de Henri es un reflejo de aquellos que desafían las normas para vivir según sus propias reglas, y el documental lo transmite con sensibilidad y respeto. La música y el diseño sonoro contribuyen a la atmósfera inmersiva de la película, con sonidos del mar y de la selva que nos transportan directamente a la isla.
Para los amantes de las historias de exploración y para quienes buscan un documental diferente, “Henri, el último pirata” es una joya que merece ser descubierta. Una obra que, como su protagonista, nos invita a sumergirnos en lo desconocido y a encontrar nuestro propio rumbo. Es un homenaje a la valentía de quienes siguen su instinto y eligen una vida distinta, lejos de las convenciones, pero cerca de lo esencial.
SINOPSIS: A Ryn solo le importan dos cosas: su familia y el cementerio de su familia. Y ahora mismo, ambos se encuentran en apuros. Desde la muerte de sus padres, Ryn y sus hermanos llevan una vida precaria como sepultureros en la remota aldea de Colbren, que se encuentra al pie de una cadena montañosa dura y mortal que alguna vez fue el hogar de los fae. Sin embargo, el problema de ser un sepulturero en Colbren es que los muertos no siempre permanecen muertos. Los cadáveres resucitados se conocen como «entes de huesos». Según la leyenda, son el resultado de una maldición que existe desde hace varias décadas. Cuando Ellis, un aprendiz de cartógrafo con un pasado misterioso, llega a la ciudad, los entes de huesos atacan con renovada ferocidad. ¿Acaso hay algo que los atrae? Y, sobre todo, ¿es posible detenerlos? Juntos, Ellis y Ryn se embarcarán en un viaje que los llevará al corazón de las montañas, donde tendrán que enfrentarse tanto a la maldición como a verdades sobre ellos mismos que están muy bien enterradas.
En marzo, Ediciones Urano trajo a Chile Entes de huesos una novela autoconclusiva de la autora Emily Lloyd-Jones. En esta historia juvenil, del sello Puck, nos encontraremos con la propia versión de la autora de zombies en un mundo de fantasía. Fue un libro entretenido que cumplió con todo lo que prometió y se mantuvo en ser sencillo y divertido.
Ryn trabaja como enterradora luego de que su padre desapareciera y su tío los abandonara. Tiene que mantener a sus hermanos y encargarse de que los entes de huesos no ataquen a la gente de Colbren. Sin embargo, cuando un cartógrafo misterioso, Ellis, llegué al pueblo solicitando guía para una zona peligrosa, Ryn lo verá como una oportunidad de juntar el dinero que necesita y, quizá, salvar a los suyos de la maldición que los azota.
“-Crecí con la idea de que se podía matar a los monstruos. -Ah. Y yo crecí con la idea de que las personas eran los monstruos”.
El libro es una historia autoconclusiva bastante corta que se pudo dividir en dos partes. En la primera, Ryn está en su pueblo, Colbren, y llega Ellis, ambos empiezan a conocerse mientras aparece el peligro que amenaza a todos en el reino. En la segunda, Ryn y Ellis deben viajar para encontrar el origen de los entes de huesos y así evitar que estos siguieran siendo un peligro para las demás personas. Al inicio nos sucedió que sentíamos que no sabíamos cuál era la historia que iban a contar pues el verdadero gatillante de la historia es lo que lleva a ambos protagonistas a iniciar su viaje, sin embargo, jamás se sintió pesado o aburrido el inicio.
El mundo era sencillo, no tenía nada especial salvo la existencia de estos entes de huesos. Aunque fue poco coherente el hecho de que muchas personas no creyeran en ellos, sobre todo porque era algo sencillo de probar, al menos para la gente de Colbren, la explicación detrás de esto fue bastante floja. Lo verdaderamente interesante del libro vino de todo el trasfondo detrás y el mensaje asociado con aprender a dejar ir a quienes mueren. Nos gustó la forma en que los relatos fueron entrelazándose para el final, le dio un toque como a cuento de hadas oscuro que quedó muy bien.
“La pena podía convertirse en rabia y ella sabía lo fácil que sería para esta gente blandir la rabia como un arma”.
Con respecto a los protagonistas, fueron bastante sencillos, coherentes y entretenidos, pero nada para destacar. Ryn era la clásica protagonista fuerte que debía hacerse cargo de su familia y estaba dispuesta a todo para lograrlo. No hubo mucho que destacar de su personalidad, pero era una a la que nos gustó acompañar durante el libro. Por otro lado, Ellis fue un chico más indefenso, algo que agradecimos pues el juvenil en el último tiempo se llenó de “adolescentes” enormes y musculosos muy macho alfa. Así que nos gustó que Ellis se sintiera más cerca de ser un adolescente y que no cumpliera con los clásicos clichés, además de que tuviera su propia historia. El romance entre ambos fue algo que quedó muy en segundo plano, y aun así se sintió bastante natural, ya que nació del respeto y el cariño que fue generándose entre ambos.
Entes de huesos fue un libro autoconclusivo entretenido que contó una historia sencilla de un viaje de dos personajes para romper una maldición. Un libro que cumplió con lo que prometió, al mismo tiempo que contó con un mundo interesante y bien armado, un trasfondo entretenido y hasta emotivo.
“Y posiblemente esta era la verdad sobre los muertos. Tienes que seguir adelante. Es lo que ellos querrían”.
Nº de páginas: 320 ISBN13: 9788419252838 Precio: $20.900
Emily Lloyd-Jones (Estados Unidos)-. Creció en un viñedo en una zona rural de Oregón, donde jugaba en bosques de árboles perennes y aprendió a temer a las ovejas. Tiene una licenciatura en Inglés de la Universidad Western Oregon y una maestría en Publicación de Rosemont College. Actualmente reside en el norte de California, donde disfruta pasear por los bosques de secuoyas. Sus novelas juveniles incluyen Entes de huesos, The Drowned Woods y la próxima The Wild Huntress. Sus libros middle grade son Unseen Magic y Unspoken Magic.
SINOPSIS: PARÍS, 1925: Entrar en el Circo Secreto supone acceder a un mundo repleto de maravillas. Un mundo donde las mujeres tejen ilusiones, los carruseles te transportan hacia atrás en el tiempo y los trapecistas flotan por el cielo. Vinculada al circo de su familia, ese es el único mundo que Cecile Cabot conoce hasta que entra en contacto con un pintor joven y carismático, con el que se embarca en un romance apasionado que podría costarle todo. VIRGINIA, 2004: Lara Barnes está en su mejor momento, pero cuando su prometido desaparece el día de su boda, todos sus planes de futuro se hacen trizas. Desesperada, su búsqueda de respuestas la conducirá de un modo inesperado hasta los diarios de su bisabuela. Sumida en una historia sobre un circo oscuro y un amor aciago, los secretos sobre la familia de Lara saldrán a la luz y revelarán una maldición que lleva afectando a las mujeres de su familia durante generaciones. Una maldición que podría estar relacionada con el misterioso destino de su prometido…
En marzo, llegó a Chile Las señoritas del Circo Secreto una novela autoconclusiva que mezcló un curioso misterio en un pueblo pequeño con una historia generacional de unas mujeres ligadas a un circo. Un libro entretenido que supo mantener la tensión hasta el final.
Lara Barnes está a punto de casarse con su novio de toda la vida, aunque no le ha contado que tiene el talento de hacer ciertos arreglos que su madre le prohibe que haga. Sin embargo, el mismo día de la boda su prometido desaparece sin dar señales. Al mismo tiempo, Lara recibirá visitas de un misterioso hombre diciéndole que su destindo es otro y que debe ir a buscarlo a Paris.
Tenemos que confesar que lo que más nos gustó fue el inicio, el tema de la boda de Lara y todo el misterio asociado a la desaparición de su prometido y las extrañas visitas que ella recibía. Nos resultó bastante entretenido porque queríamos entender qué era lo que pasaba y cómo todo iba a hacer sentido. Disfrutamos de Lara investigando y juntando pistas mientras intentaba rehacer su vida para salir adelante. Fue sencillo empatizar con su dolor y su manera de vivir.
“La tristeza, la magia, el circo… Esas cosas conforman nuestro destino. Lamento que ese sea el legado que te hemos dejado”.
Nos gustó Lara como protagonista, era una mujer decidida y casi impulsiva, pero estos momentos hacían sentido con su forma de ser y con su situación actual. Además, tenía esa magia extraña que tenía y de la que apenas tenía idea de cómo funcionaba, solo que era algo que venía de su madre y de la madre de ella. Sin embargo, tenemos que admitir que a medida que avanzó el libro fuimos perdiendo un poco de interés en el misterio y en la misma Lara. La que nos gustó fue la que lidiaba con un trauma e intentaba rehacer su vida, mientras que la de la segunda mitad parecía más una protagonista genérica de un libro de acción.
Aunque la sinopsis oficial menciona las dos líneas temporales, la verdad es que el acceso a los diarios, que eran los que narraban la línea del pasado, llegaron bastante avanzada la historia. Además, vinieron en bloques grandes que interrumpían la narración de lo que estaba sucediendo en el presente. Si bien eran interesantes por todo lo que sucedía en ellos y los secretos, sí que daban la sensación de interrumpir la acción del presente. Además, estos contenían el 90% de la explicación del misterio del libro, entonces se sintieron como largas explicaciones, que, de nuevo, eran entretenidas, pero con un estilo diferente al resto de la historia.
Otra cosa que nos gustó, fue que el libro se centrara en la historia de personajes femeninos, en particular, en la familia de Lara y cómo estas mujeres fueron construyendo sus vidas. El diario también se centró en personajes femeninos que intentaban encontrar su lugar en un mundo oscuro y peligroso. A pesar de que no nos gustó cómo se entregó la información del pasado, sí que nos gustó lo que contó y todo el trasfondo detrás de la historia general.
“Aunque este circo es una prisión para ellos, a juzgar por la expresión de sus rostros se diría que se sienten agradecidos, de modo que algunas prisiones deben ser mejores que otras”.
De hecho, era mucho más interesante la historia contada en el diario que la narración de la historia de Lara, que pasada la primera parte se sintió demasiado larga y lenta porque para la segunda mitad solo era interesante saber lo de los diarios. Por otro lado, el libro tuvo su toque de romance, uno dentro de los diarios y otro para Lara; el primero fue más trágico y pasional, uno que siempre se supo que no iba a terminar bien, mientras que el segundo fue uno más adulto y calmado, uno en el que se notó la madurez de sus personajes.
Las señoritas del circo secreto es una novela a dos tiempos de una línea genealógica de mujeres con una interesante habilidad. Cuando Lara Barnes, la más joven de ellas, sea visitada por un misterioso hombre deberá buscar la verdad de su familia. Una historia entretenida con su toque de misterio y fantasía en un misterioso y oscuro circo.
Nº de páginas: 480 ISBN13: 9788410085145 Precio: $26.900
Constance Sayers (Estados Unidos)-. Es la autora de Una bruja en el tiempo, Las señoritas del circo secreto y The Star and The Strange Moon. Finalista de un Premio Luminaire a la mejor obra en prosa, sus relatos cortos de ficción han sido nominados a un Premio Pushcart. Cursó un máster en Filología Inglesa en la Universidad George Mason y se licenció magna cum laude en Escritura en la Universidad de Pittsburgh. Asistió a The Bread Loaf Writers Conference, donde estudió con Charles Baxter y Lauren Groff. Como ejecutiva multimedia, fue incluida por Folio en su lista «Top 100 Media People in America» en dos ocasiones, así como en la lista «Top Women in Media». Alterna su tiempo entre Alexandria, en Virginia, y West Palm Beach, en Florida.
SINOPSIS: Muestra una casa suburbana habitada desde el punto de vista de una entidad misteriosa.
Póster oficial de Presencia (2024)
Presencia es una película interesante, ya que presenta un drama familiar desde la perspectiva de un espiritu que habita la casa desde antes que los Payne llegaran allí. Un drama que se demora en partir y es todo sobre la atmosfera, la cual puede envolverte o no, las opiniones están divididas, pero te contaremos por qué sí funcionó para nosotros.
La manifestación en el cuarto de Tyler es destacable
Un drama singular
Los Payne son una familia desunida desde el primer momento que los conocemos: el matrimonio no se soporta, los hermanos no se soportan, la mamá no soporta a su hija, y el papá a su hijo. A primera vista uno pensaría: “Ya, la presencia va a aprovecharse de las vulnerabilidades de la familia y los va a atacar uno por uno”, pero no, esta no es una película de esas.
La presencia actúa como nuestros ojos y se pasea por la casa durante toda la película recopilando chismes de la familia: muertes y negocios ilicitos flotan sobre los Payne, destruyendo su vinculo poco a poco. Pero la presencia se enfoca en alguien en específico, Chloe, la hija de la familia, quien se halla de luto y su familia la odia por ello.
A pesar de que los personajes fueron escritos con estos problemas familiares en mente, esto hace que nadie, excepto el padre, sea agradable para la audiencia porque todos actúan resentidos, manteniendonos atentos nada más ante la expectativa de que habrá más chismes o acción fantasmagórica.
La presencia hace algunas cosas como mover objetos, pero no hace lo suficiente para denominar a esta película “una película de terror” como nos la vendió el trailer. Es un drama con un punto de vista interesante, como “¿Qué pasaría si un fantasma tuviera que soportar los dramas de una familia que se muda a su casa embrujada?”.
Ya para el final, después de la ansiedad que te produce el acto final, la película te deja una interrogante abierta. La presencia, como sabemos, ya vivía en la casa antes de la llegada de los Payne, pero considerando que fue una aliada de Chloe, alguien que estaba de luto, y después se aparece físicamente como alguien que fallece al final para otra persona de luto, ¿acaso la presencia se convierte en lo que las personas más vulnerables de la casa necesitan?
Eso se lo dejamos a ustedes para interpretar.
Nosotros también habríamos caído en la oferta de la inmobiliaria, ¡la casa es muy linda!
¿Debería verla o no?
Absolutamente. Steven Soderbergh es uno de los directores más camaleónicos que hay allí afuera, y Presencia es uno más de sus muchos experimentos dentro de otros géneros. La mala interpretación de la trama por parte de los traileres de Neon puede que a muchos los atraiga a esta película y les produzca descontento.
Por eso decidimos decirles en esta reseña que Presencia no es una película de terror, es un drama familiar visto desde los ojos de un espíritu que basicamente se manifiesta para que dicha familia deje de ser tan individualista y negligente entre los miembros.
Tiene una historia lo suficientemente cautivante para mantenerte enganchado, pero los primeros 30 minutos te ponen a prueba. Presencia es una cinta experimental que quizás fue hecha para el espectador interesado en el cine, más que para el casual.
El movimiento de cámara es sin duda lo mejor de la película porque de verdad te sumerje dentro de esta como si tú fueras la presencia, llegando a hacerte sentir como un intruso dentro de esta casa.
En algunas escenas hace bien imaginarse el punto de vista de Chloe cuando la presencia la mira desde arriba, ya que te produce un sentimiento de inquietud pensar en que algo podría estar observándote tan cerca, aportando a la experiencia.
Lucy Liu como Rebekah, la madre de la familia
Presencia es definitivamente un concepto interesante que vale la pena ver, ya que podría convertirse en una fuente de inspiración para otros cineastas en el futuro. No produce sustos pero vaya que da ansiedad, y tiene una historia llena de chismes que mantendrán tu atención cautiva. El elenco está bien, y ver lo nuevo de Lucy Liu siempre valdrá la pena.
Le damos un 6/10 a Presencia porque estuvo bien, pero el trailer nos engañó descaradamente.
Dirección: Steven Soderbergh Año: 2024 País: Estados Unidos Duración: 1 hora y 24 minutos
Elenco: Lucy Liu, Chris Sullivan, Callina Liang, Eddy Maday, West Mulholland
SINOPSIS: Un hombre introvertido y apacible nace con un extraño trastorno genético que le hace inmune al dolor físico. Cuando su novia es tomada como rehén en el atraco a un banco, su aflicción se convierte en su superpoder.
Póster (US) de Novocaine (2025)
Este es sin duda el año de Jack Quaid, quien después de Companion (2025), vuelve para arrasar en la pantalla grande, esta vez con un rol protagónico fantástico. Dirigida por Dan Berk y Robert Olsen, Novocaine trata sobre Nathan Caine (Jack Quaid), quien sufre de una extraña condición que le impide sentir dolor. Con esta premisa, Novocaine (una referencia a la anestesia) da paso a lo que será un festín de violencia y situaciones absurdamente divertidas que no te puedes perder.
Jack Quaid como Nathan Caine
¿Qué la hace diferente de otras películas de acción?
Novocaine se siente como un respiro de aire fresco dentro del género de acción, el cual ha sido gratamente explotado de maneras muy creativas este último tiempo.
Como siempre el concepto estrella es la venganza, pero a diferencia de películas como John Wick o Nobody, Novocaine se destaca porque su protagonista es una persona aparentemente común y corriente a pesar de su condición tan singular, añadiéndole un toque de humor y torpeza a lo tensa de la situación.
Nathan no tiene un pasado oscuro ni mucho menos sabe usar armas, simplemente tiene a favor el que no siente dolor, lo cual hace que todo sea más absurdo, violento e interesante, ya que no sabes qué esperar en cada escena de acción.
Para compensar la inexperiencia del protagonista, la cinta recurre a la creatividad y hace de Nathan un arma en sí mismo al poder hacer cosas que nadie más podría, como atacar con sartenes ardiendo o llenarse los puños de vidrio para golpear a los malos, lo cual es sumamente divertido e inesperado.
Y por supuesto, una película de este calibre es tan buena como su villano, y Ray Nicholson hace un trabajo estupendo como el nemesis de Nathan, quien le da una dura batalla como jefe final, sin embargo, pudo ser mejor aprovechado durante la película.
La escena de la cocina en brutal
Además de la creatividad empleada en las escenas de acción, cabe destacar el juego de cámara en estas, ya que los muchos movimientos y efectos visuales en la composicion de Novocaine la mantienen dinámica y emocionante.
En cuanto a la historia, Novocaine es de esas películas que crees saber lo que va a pasar pero termina sorprendiendote con giros inesperados en la trama, como cuando sale un actor muy querido que la película se estaba guardando, o cuando se revela una identidad que no nos esperábamos.
La química de la pareja de Nathan y Sherry pudo ser un poco mejor explorada para hacer que la audiencia empatizara y se viera aún más afectada por los sucesos del segundo acto, ya que dado a la falta de desarrollo del personaje de Sherry, su secuestro se siente más como un golpe de mala suerte para Nathan más que para ella.
El uso de la adrenalina en Novocaine es una pasada
En conclusión, Jack Quaid se está convirtiendo en un ícono de las comedias violentas, y es el alma de Novocaine, aunque el resto del elenco es genial también. Con escenas de acción creativas, emocionantes y muchas de ellas shockeantes, esta cinta es el panorama perfecto para los amantes de la acción sin límites o para quien quiera pasar un buen rato.
Le damos un 9/10 solo porque pudo haber un desarrollo de personajes más potente, pero al fin y al cabo, uno se divierte tanto con Novocaine que la trama es lo suficientemente buena para ignorar algo así.
Dirección: Dan Berk y Robert Olsen Año: 2025 País: Estados Unidos Duración: 1 hora y 50 minutos
Elenco: Jack Quaid, Amber Midthunder, Ray Nicholson, Jacob Batalon, Betty Gabriel
SINOPSIS: Tras ser encarcelado en Sing Sing por un delito que no cometió, Divine G (Colman Domingo) encuentra su propósito actuando en un grupo de teatro junto a otros hombres encarcelados en esta historia de resiliencia, humanidad y el poder transformador del arte.
Hoy, 13 de marzo, se estrena en cines “Las vidas de Sing Sing”, gracias a Diamond Films Chile. Esta cinta de drama dirigida, coescrita (con Clint Bentley) y producida por Greg Kwedar (Transpecos), está basada en el programa real de rehabilitación a través de las artes en la prisión de máxima seguridad de Sing Sing.
“Las vidas de Sing Sing” estuvo nominada en los Premios Óscar en las categorías de Mejor actor (por la actuación de Colman Domingo), Mejor guion adaptado y Mejor canción original (por «Like A Bird», cuya música y letra fueron creada por Abraham Alexander y Adrian Quesada).
La cinta se centra en Divine G, un hombre injustamente encarcelado en Sing Sing, quien encuentra a través de su participación en un grupo teatral junto a otros presos, una vía de escape y redención.
La cinta ofrece un retrato íntimo y realista de la vida en la prisión de máxima seguridad de Sing Sing, logrando un tono casi documental gracias a su estética visual orgánica y a la participación de actores que realmente estuvieron en prisión.
Este enfoque no solo aporta autenticidad, sino que también genera calidez en una historia ambientada en un espacio de frialdad espiritual, donde los internos deben encontrar formas de sobrellevar su encierro.
Más allá del drama carcelario convencional, la película es una exploración de la resiliencia y el poder transformador del arte, mostrando cómo el teatro se convierte en una vía de escape para quienes buscan redención y un sentido de propósito.
En este contexto, la cinta enfatiza cómo el arte, en cualquiera de sus expresiones, puede aliviar las dificultades de la vida y servir como un espacio de libertad en medio de la opresión.
A lo largo de la historia, se percibe un tono inspirador, con diálogos naturales que reflejan la actitud y el humor de los protagonistas.
Sin embargo, para generar empatía con los personajes, la cinta suaviza las razones por las que están en prisión, destacando acusaciones falsas o injustas y condiciones sociales que los llevaron a delinquir. Aunque esto puede resultar una visión parcializada, el simple hecho de poner sobre la mesa el debate sobre el sistema carcelario y su funcionamiento ya es un logro en sí mismo, dada la complejidad moral del tema.
Uno de los puntos más impactantes de la película es su exploración de los límites de la esperanza dentro de la prisión. A través del personaje de Divine G, interpretado magistralmente por Colman Domingo, se muestra cómo incluso las personas más optimistas pueden llegar a un punto de quiebre.
La actuación de Domingo ha sido ampliamente elogiada, incluso obteniendo una nominación al Óscar, un reconocimiento bien merecido por la profundidad emocional que aporta al papel.
En última instancia, Las vidas de Sing Sing no solo es una historia sobre la vida en prisión, sino una reflexión sobre la compasión, la creatividad y la libertad en todas sus formas. Es una obra que golpea en lo emocional y en lo visceral, dejando una impresión duradera sobre la importancia del arte como herramienta de resistencia y humanidad en los contextos más adversos.
Año: 2023 País: Estados Unidos Duración: 1 hora y 47 minutos Dirección: Greg Kwedar
Elenco: Colman Domingo, Clarence Maclin, Sean San Jose, Paul Raci, entre otros.
SINOPSIS: Australia, años 70. Grace Pudel es una niña solitaria e inadaptada, aficionada a coleccionar figuras decorativas de caracoles y con una devoción profunda por las novelas románticas. La muerte de su padre cuando tan solo es una niña, la lleva a tener que separarse de su hermano mellizo, Gilbert, lo que la aboca a una espiral de ansiedad y angustia. Sin embargo, la esperanza vuelve a su vida cuando conoce a una excéntrica anciana llena de determinación y amor por la vida llamada Pinky, con la que entablará una larga amistad que le cambiará la vida para siempre.
Mañana, 13 de marzo, se estrena en cines “Memorias de un caracol”, gracias a BF Distribution. La nueva cinta de animación en stop motion de Adam Elliot (Mary and Max) estuvo nominada en los Premios Óscar y los Globos de Oro.
La cinta se centra en Grace Pudel, una niña solitaria y peculiar cuya vida da un giro cuando la pérdida de su padre la separa de su hermano mellizo, sumiéndola en la angustia. Sin embargo, su encuentro con Pinky, una anciana excéntrica y llena de vitalidad, le ofrece una nueva perspectiva sobre la vida y la amistad, marcando el inicio de una conexión que transformará su mundo.
Esta cinta de animación para adultos ofrece una narrativa profunda y emotiva que combina el humor negro con una historia conmovedora llena de melancolía.
A través de un estilo visual inconfundible, el director explora las complejidades humanas, presentando una historia en la que la pérdida, la soledad y la necesidad de conexión juegan un papel fundamental.
Con personajes inusuales y situaciones desgarradoras, la película provoca una dualidad de emociones en la audiencia, generando momentos de risa y tristeza en igual medida.
En el centro de la historia se encuentra Grace, una niña solitaria que, tras la muerte de su padre, se ve separada de su hermano mellizo Gilbert, lo que la sumerge en una espiral de ansiedad y angustia. La cinta explora la relación de estos hermanos y cómo sus caminos se separan y entrelazan a lo largo de los años, siempre marcados por la tragedia y la ausencia.
Uno de los elementos más simbólicos en la historia es la colección de caracoles de Grace, que comienza como una simple afición pero pronto se transforma en una obsesión. Los caracoles representan su intento de llenar un vacío emocional, de encontrar en algo tangible una sensación de estabilidad que su vida le niega constantemente.
Esta evolución en su comportamiento ilustra cómo el dolor no procesado puede convertirse en una carga que crece con el tiempo, afectando su relación con el mundo exterior.
La película también introduce a otros personajes que, al igual que Grace, han sufrido grandes pérdidas. A través de ellos, se amplía la exploración del dolor humano, mostrando distintas formas de enfrentarlo: algunos buscan refugio en la nostalgia, otros en la desesperación, y algunos, como Pinky, en la búsqueda de nuevas experiencias.
La relación entre Grace y Pinky se convierte en un punto clave de la historia, ofreciendo un rayo de esperanza en medio de un relato que no escatima en momentos de devastación.
En última instancia, Memorias de un caracol es un recuento de tragedia tras tragedia, pero no sin un propósito. A través de una historia que juega con lo cómico y lo emotivo, se presenta una reflexión sobre la resiliencia, la importancia de las relaciones humanas y la manera en que se enfrentan las heridas que se tienen. Es una película que deja una profunda impresión, recordando que, a pesar de todo, la vida sigue su curso, y en medio del dolor también hay lugar para la belleza.
Año: 2024 País: Australia Duración: 1 hora y 35 minutos Dirección: Adam Elliot
Elenco: Sarah Snook, Charlotte Belsey, Jacki Weaver, Dominique Pinon, Eric Bana, Saxon Wright, Magda Szubanski, Kodi Smit-McPhee, entre otros.
SINOPSIS: Nathan se considera a sí mismo un hombre normal. Un día se despierta accidentado en una montaña helada, sin recordar cómo llegó hasta allí. En su terrorífico descenso al inframundo conocerá a personas que le obligarán a replantearse la percepción que tiene de sí mismo y de su vida hasta ese momento.
Este jueves 13 de marzo llega a los cines Pandemonium: La capital del infierno, una peculiar película francesa de terror. Quizás un poco tarde si consideramos que es del 2023, pero aún así es una película interesante que vale la pena ver por su tono, que nos habla de la culpa, el castigo y la redención.
La historia sigue a Nathan (Hugo Dillon), quien, tras sufrir un accidente automovilístico, despierta en un páramo helado sin recordar cómo llegó allí. Pronto descubre que ha muerto y que su viaje es, en realidad, un descenso al infierno, donde se encontrará con otras almas cuyas historias exploran el conflicto entre el bien y el mal. La película, en síntesis, presenta tres relatos diferentes unidos por el juicio moral como tema central.
Sin embargo, esta estructura hace que la historia de Nathan se diluya a medida que avanza la película. Los relatos secundarios, aunque interesantes por sí solos, terminan restando protagonismo a su viaje, lo que debilita la conexión emocional con su destino. Cuando finalmente se retoma su historia, el desenlace se siente apresurado y deja la sensación de que la película no logra cerrar de manera satisfactoria el planteamiento moral que proponía al inicio.
Visualmente, la película está bien hecha, sin necesitar de grandes efectos especiales crea una atmósfera cargada de simbolismo, Quarxx construye un universo tan hermoso como inquietante. La dirección de arte y la fotografía potencian la sensación de angustia, mientras que la banda sonora complementa la sensación de un descenso inevitable hacia lo desconocido. Además, los efectos prácticos en la creación de los demonios son aceptables y contribuyen a la ambientación perturbadora de la película.
Las actuaciones son convincentes. Desde el inicio, los protagonistas establecen un diálogo dinámico que combina tensión con humor, lo que mantiene fluida la trama. Todos los personajes logran transmitir sus emociones de manera efectiva, permitiendo al espectador adentrarse en su psique.
El recurso del humor en la película es un acierto en varios momentos, ya que aporta dinamismo y hace que la experiencia sea más disfrutable. Sin embargo, hay situaciones que resultan cómicas de forma involuntaria, lo que puede generar cierta disonancia tonal. Esto no arruina la experiencia, pero sí crea momentos en los que la gravedad del relato parece diluirse sin que sea claro si esa era la intención del director.
Sin embargo, Pandemonium no es una película de terror tradicional. Su enfoque está más cerca de una reflexión existencial que de los sustos convencionales, lo que puede alejar a quienes buscan una experiencia más directa. Además, su estructura narrativa fragmentada exige paciencia del espectador y plantea una exploración interesante sobre la culpa y la condena. Sin embargo, su desenlace puede generar frustración, ya que no logra consolidar completamente lo que la historia intentó construir.
En definitiva, Pandemonium es una propuesta arriesgada y fascinante dentro del cine de terror. Su atmósfera inquietante y su exploración filosófica la convierten en una experiencia única, aunque su estructura fragmentada y su desenlace apresurado pueden generar división entre los espectadores. No es una película para todos, pero quienes busquen un terror reflexivo y perturbador encontrarán en ella una obra interesante.
Dirección: Quarxx País: Francia Año: 2023 Duración: 95 minutos.
Elenco: Hugo Dillon, Arben Bajraktaraj, Manon Maindivide
SINOPSIS: Él lleva una vida de pecado y ella una de virtud. Sean Bell no es un buen hombre y nunca lo ha pretendido. No cree en la bondad ni en Dios. Es un playboy. Cuando conoce a una hermosa universitaria en una fiesta benéfica, no duda en decirle lo que le haría, hasta que descubre que es la hermana de su mejor amigo, Zenny, quien está por convertirse en monja. Ella quiere asegurarse de su decisión y le pide a Sean que le muestre las tentaciones que deja atrás. ¿Zenny lo eligirá a él o a su Dios?
Novedad de febrero de Editorial Zig-Zag bajo el sello VeRa, Pecador: ruega por nosotros pecadores de Sierra Simone es el segundo libro de la trilogía Padre. Una novela spicy y con contenido explícito, ideal para amantes del dark romance.
El libro se centra en la relación entre Sean y Zenny, dos personas con creencias y estilos de vida opuestos. Mientras él es un hombre cínico que no cree en la bondad ni en Dios, ella está a punto de entregarse por completo a la vida religiosa. Sin embargo, antes de hacerlo, Zenny quiere experimentar las tentaciones del mundo que dejará atrás, y para ello recurre a Sean.
“No solo es bonita. Es impresionante, es increíble. Es la clase de belleza que inspira canciones, pinturas y guerras.”
La historia explora el romance entre Sean, un hombre enojado con Dios, y Zenny, una estudiante universitaria que además de ser la hermana menor del mejor amigo del protagonista, aspira a ser postulante a hermana de una orden religiosa.
Más allá de sus características personales, la relación entre Sean y Zenny está marcada por los 15 años de diferencia que hay entre sus edades. Esta premisa en sí es controversial, pero hay formas de amortiguar su impacto. Sin embargo, este libro no lo hace. En cambio, se presenta una dinámica entre los protagonistas caracterizada por la diferencia de experiencias (sobre todo en el ámbito sexual) de cada personaje.
Aparte de la dinámica entre los personajes principales, su relación involucra una serie de casualidades inverosímiles, las cuales van desde el primer encuentro de los protagonistas hasta la manera en que vuelven a estar en contacto.
Así como en el libro anterior, uno de los elementos centrales de la historia es el suicidio de Lizzy, la hermana menor del protagonista, a raíz de ser abusada por un miembro de la iglesia, en Pecador sigue estando presente ese suceso, pero la enfermedad de la madre de los hermanos tiene el foco principal y es uno de los aspectos más emotivos del libro.
“Ser completamente humano es ser completamente sexual, y aunque eso no significa tener sexo o incluso deseo sexual, sí significa habitar por completo tu cuerpo.”
En cuanto a los personajes, Sean es un hombre escéptico que durante todo el libro se está vendiendo a sí mismo de cierta manera, lanzando comentarios arrogantes y actuando de manera egoísta de vez en cuando. Sin embargo, cuesta creer que sea de la manera en que se describe. Por el contrario, es alguien que prioriza su trabajo, al menos hasta que sus familiares lo necesitan, demostrando que se hace cargo de sus seres queridos, a veces de una manera autoritaria, y que le importa.
Esto último va incluso más allá cuando se trata de la protagonista femenina, pues, durante toda la historia, Sean adopta actitudes paternalista hacia Zenny, las cuales también están presentes en Tyler hacia Poppy en Padre, pero sumado a la diferencia de edad entre los protagonistas, se siente un poco más raro en esta ocasión.
El abuso de esta narrativa de sobreproteger a quien se cree que es inocente o que ya ha sido lastimado, se refleja en la manera en que él siempre está pensando en cuidarla, como si ella lo necesitara de sobremanera o no pudiera hacerlo por su cuenta. Hay escenas en las que la dinámica padre – hija se siente más explícita que en otros y un momento en particular en que tienen una cita muy adolescente porque Sean cree que es el tipo de experiencias que le corresponde vivir a Zenny.
Otra de las características de Sean es que es alguien que solía creer en Dios, pero que después de lo sucedido con su hermana menor, dejó de hacerlo, lo que permite explorar la reconciliación del protagonista con la entidad religiosa. Uno de los temas que la novela aborda es la manera en que la fe puede coexistir con el no entendimiento de algo. Otros de los temas que se abordan en la historia son el sufrimiento como motor del cambio y la relación entre religión y género.
Por su parte, Zenny, al igual que la protagonista de Padre, es alguien que no está dispuesta a aceptar malas actitudes por parte del personaje de Sean. Otro aspecto que comparte con Poppy es que es una protagonista femenina que sabe lo que quiere y está dispuesta a pedirlo, lo que demuestra mucha agencia de su parte, algo de lo que Sean parece no darse cuenta completamente.
Una de las características principales de Zenny es que es negra, información que es introducida a cuentagotas. Es por esto que cuando la historia introduce una escena que refleja el racismo cotidiano que sufren las personas negras, se siente sacado de la nada.
“Luego gira la cabeza, toca mi boca con la suya y mi mundo se prende fuego hasta convertirse en cenizas; su boca es lo único que queda, los labios complacientes, la lengua exploradora, su dulce sabor.”
Respecto a las escenas sexuales, Padre le da mucha importancia a la ambientación de estos momentos entre los protagonistas. Ese no es el caso de este segundo libro, que yendo de menos a más, la autora le da más importancia a qué sucede que en dónde ocurre. Por otra parte, algo que sí comparte con el libro anterior es el trato serio y explícito del consentimiento a lo largo de la trama.
Además, el libro incluye referencia a una saga de libros llamada Wakefield (como el apellido de las gemelas de Sweet Valley High), haciendo guiño al género de romance erótico del que también es parte.
Finalmente, a pesar de que el desenlace está mejor logrado que en el libro anterior, quizás sí se pudo haber optado por otro final, uno que se hubiera sentido diferente en comparación a lo que se acostumbra con este tipo de libros.
En resumen, Pecador explora el romance marcado por la considerable diferencia de edad, entre un hombre enojado con Dios y una joven que aspira a ser una hermana de una orden religiosa. Una novela a la que se le dificulta convencer de lo que está presentando, desde elementos de la historia hasta la construcción de los personajes, y que cuenta con escenas eróticas en las que importa más lo que ocurre que su ambientación.
Autora: Sierra Simone Editorial: Editorial Zig-Zag – VeRa Saga/Autoconclusivo: Padre #2
Nº de páginas: 389 ISBN13: 9786313003075 Precio: $16.990
Sierra Simone (Estados Unidos)-. Es una exbibliotecaria que pasaba demasiado tiempo leyendo novelas románticas en el mostrador de información, mientras más picantes mejor, hasta que decidió escribir sus propias historias. Vive en Kansas City con su marido, dos hijos y dos perros gigantes. Y un gato horrible.
SINOPSIS: ¿Qué se siente al morir? Del director Bong Joon Ho, llega una experiencia cinematográfica innovadora. El improbable héroe, Mickey Barnes, se encuentra en la extraordinaria circunstancia de trabajar para un empleador que exige el compromiso máximo con el trabajo… morir, para ganarse la vida.
Desde hoy 6 de marzo ya está en cartelera Mickey 17, del aclamado director surcoreano Bong Joon-ho, una ambiciosa propuesta de ciencia ficción protagonizada por Robert Pattinson. Basada en la novela Mickey7 de Edward Ashton, el cambio en el número del título ya nos sugiere que esta es una adaptación más libre, con el sello distintivo de su director
La película nos sumerge en un futuro donde la humanidad se expande a otros planetas a costa de la vida de clones desechables.
Mickey Barnes es un “Expendable”, un trabajador cuyo propósito es asumir misiones letales con la certeza de que, tras cada muerte, su conciencia será transferida a un nuevo cuerpo idéntico. Sin embargo, cuando Mickey 17 sobrevive inesperadamente y descubre que su siguiente versión ya ha sido activada, comienza un dilema existencial que desafía los límites de la identidad y el libre albedrío
Bong Joon-ho, conocido por su aguda crítica social en Parásitos y Snowpiercer, construye un relato que no solo ofrece un espectáculo visual impresionante, sino que también plantea interrogantes sobre la moralidad de la inmortalidad artificial y la explotación laboral en el futuro.
Respecto a las actuaciones; Pattinson brilla con una interpretación introspectiva, transmitiendo el desconcierto y la angustia de un personaje atrapado en una paradoja viviente, en algunos momentos parece sobreactuado, pero es acorde al tomo cómico que se le quiere dar. Por su parte Ruffalo interpreta a un excéntrico político, cuya personalidad quizá puede recordar a lo que hizo en Pobres Criaturas; lo que claramente es una burla y ridiculización a ciertos políticos que están en la actualidad en altos puestos de poder.
Si bien muchos espectadores podrían esperar algo tan impactante al tener referencia del director por Parásitos, Mickey 17 se asemeja más a Okja en su tono y construcción. Visualmente, la película es impresionante: la cinematografía evoca la frialdad del espacio y la sensación de aislamiento, mientras que los efectos visuales logran que las múltiples apariciones de Pattinson se vean sorprendentemente reales. Por ello, si hay oportunidad, vale la pena verla en IMAX para disfrutar al máximo su apartado técnico.
Si bien algunos espectadores pueden encontrar su ritmo pausado o su desarrollo complejo, la película se mantiene fiel al sello de su director: una obra provocadora que deja más preguntas que respuestas, siempre cargado de una gran cantidad de sátira y humor negro, logrando crear una experiencia bastante disfrutable y entretenida.
Mickey 17 es una propuesta de ciencia ficción que, más allá de su espectacularidad visual y su trama intrigante, ofrece una reflexión profunda sobre la identidad, el sacrificio y la explotación en un futuro donde la muerte ya no es definitiva. Bong Joon-ho demuestra nuevamente su capacidad para equilibrar la crítica social con el entretenimiento, entregando una historia que, aunque puede no alcanzar la genialidad de Parásitos, sigue siendo una experiencia cinematográfica única. Visualmente impresionante y con un Pattinson entregado a su papel, es una película que vale la pena ver, especialmente en IMAX, para sumergirse por completo en su universo cautivador.
Dirección: Bong Joon-ho País: Estados Unidos Año: 2025 Duración: 136 minutos.
Elenco: Robert Pattinson, Steven Yeun, Mark Ruffalo, Toni Collette, Naomi Ackie
