Viernes, Abril 4, 2025
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Implacable: un thriller de acción con alma de drama

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SINOPSIS: Un curtido gangster (Neeson) descubre que está empezando a perder la memoria. Decidido a enmendar las cosas con su hija y rectificar los errores del pasado, antes de que sea demasiado tarde intentará hacer lo que sea para redimirse. Pero las garras del mundo criminal no lo soltarán tan fácilmente y se verá obligado a enfrentarse a la organización para la que lleva más de 20 años trabajando.

Este 6 de marzo Liam Neeson regresa a la gran pantalla con Implacable, un thriller de acción dirigido por Hans Petter Moland, el mismo cineasta detrás de Venganza (2019) cuyo estilo, marcado por una violencia realista y personajes atormentados, vuelve a estar presente en esta nueva entrega.

En esta ocasión, Neeson interpreta a Thug, un exboxeador que intenta mantenerse fuera de problemas, pero su oscuro pasado y su particular sentido de la justicia lo arrastran nuevamente a un mundo violento del que parecía haber escapado.

La película sigue la historia de un hombre que alguna vez fue temido en los círculos criminales y que ahora entrena a jóvenes promesas del boxeo mientras lidia con la culpa de haber abandonado a sus hijos años atrás. El hecho de que está perdiendo la memoria es el catalizador para buscar la redención con su familia. Sin embargo, cuando una serie de eventos lo pone en la mira de poderosos enemigos, no tiene más opción que recurrir a sus habilidades para sobrevivir y, en el proceso, intentar reconstruir los lazos que rompió.

Moland imprime su sello característico, apostando por una violencia cruda y realista, sin caer en excesos estilizados. Las secuencias de acción, aunque no abundan, están ejecutadas con precisión, dándole peso a cada golpe y disparo. Más que un espectáculo de adrenalina constante, la película se enfoca en la tensión y el desarrollo del personaje, algo que Neeson maneja bien, aunque sin ser una actuación sobresaliente, equilibrando dureza y vulnerabilidad en su interpretación.

El guion, aunque sigue los patrones clásicos del género, se sostiene gracias a la actuación de Neeson y a un elenco secundario que cumple sin desentonar. No obstante, algunos giros pueden resultar predecibles para quienes están familiarizados con este tipo de historias. Además, la acción se concentra principalmente en el tramo final de la película y, en algunos momentos, puede sentirse un tanto forzada en contraste con el tono más introspectivo que domina la mayor parte del metraje.

Por esto mismo es probable que más de alguno se vaya decepcionado al salir de sala, debido a que si esperan acción por montones no la encontrarán en este caso, aquí lo que hay es un drama donde el protagonista busca redimirse de sus acciones pasadas, donde la violencia está mas bien contenida.

Implacable ofrece exactamente lo que promete: un Liam Neeson en su zona de confort, pero con la suficiente intensidad y emoción para mantener al público enganchado. Si buscas un thriller de acción con un toque dramático y una historia de redención en su núcleo, esta es una opción que vale la pena considerar.

Dirección: Hans Petter Moland
País: Estados Unidos
Año: 2024
Duración: 112 minutos
Elenco: Liam Neeson, Frankie Shaw, Ron Perlman

Heavenbreaker: una ópera espacial cruel, con mensaje político y kaijūs

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SINOPSIS: El duque de la poderosa Casa Hauteclare fue el primero en morir. Con mi daga en su espalda. No lo vio venir. No anticipó a la hija bastarda que se suponía que moriría con su madre, por orden suya. Ahora no queda nada. Solo una ira blanca como el hielo y la necesidad de hacer pagar a la Casa Hauteclare. Uno a uno. Incluso si eso significa montar en Heavenbreaker, una de las pocas máquinas enormes que quedaron de la guerra, y competir contra los nobles más feroces del sistema. Cada victoria significa que otro de mis enemigos muere. La máquina y yo nos movemos como uno solo, con la intención de destruir a cada adversario, incluso si es alguien de quien me estoy enamorando.
EL UNIVERSO SE CREÓ EN SIETE DÍAS. YO LO DESTRUIRÉ EN SIETE MUERTES.

En febrero, llegó a Chile Heavenbreaker, la primera entrega de una ópera espacial que combina todo lo bueno del género: ciencia ficción, crítica social, trama política, acción, crueldad y kaijūs. Una novela entretenida y atrapante que no podemos más que recomendarla.

“El combustible para el fuego es la esperanza, y yo no puedo tener ninguna. No hay lugar en este mundo para mí después de que la casa Hauteclare sea destruida; ni con Rax, ni con Dravik, ni con nadie. Estoy demasiado lejos, hay demasiadas cicatrices y oscuridad en mí”.

Synali sobrevivió al intento de asesinato contra ella y su madre, pero fue la única. Por ese motivo, decidió vengarse de su padre matándolo. Sin embargo, este será solo el inicio de su viaje de venganza contra la casa Hauteclare por lo que le hicieron a su madre. Con ayuda de Dravik, un noble alejado de la vida pública, iniciará un viaje contra las casas nobles mientras Synali va descubriendo la verdad de los corceles y del mundo que la rodea.

“Dravik observa a la niña y reflexiona sobre la naturaleza de los depredadores y la de quienes sobreviven a ellos. Considera sobre todo la naturaleza de los que quedan vivos y la fuerza que los impulsa a su final. Su anhelo será su mayor fortaleza y su mayor debilidad. Los Caballeros de la Guerra eran iguales: no era su deseo de sobrevivir o triunfar lo que les confería sus extraordinarias habilidades como jiinetes”.

El libro comenzó con Synali matando a su padre y lista para morir, un gran inicio para un libro lleno de acción y tensión. Desde esas primeras páginas pudimos ver que la protagonista tenía solo una misión y nada más, Synali está lista para morir mientras sea llevándose con ella a la casa que la despreció. Fue una protagonista de esas más traumadas, al estilo Katniss, una que tuvo que ensuciarse las manos para lograr todo lo que quería y que su forma de avanzar era descarnada sin importarle su propia seguridad. Sin embargo, también era una que seguía siendo frágil, que conservaba una parte de sí que anhelaba un lugar seguro, un hogar y la idea de alguien que la protegiera.

“El verdadero significado de las palabras era algo que daba por sentado antes de él, antes de montar a Heavenbreaker. Resistir significa ser paciente, esperar cuando lo único que quieres es correr. Resistir hasta que sea demasiado tarde.

Resistir, aunque el universo intente destrozarte”.

El mundo fue muy interesante, uno en el que la humanidad después de enfrentarse al “enemigo” tuvo que dejar la Tierra y viven en una estación. Mientras las casas nobles armaban torneos en los que sus representantes usaban corceles para pelear entre ellos, estos corceles fueron creados para pelear la guerra que la humanidad ganó y ahora tenían un propósito distinto. Cuando Synali entró en el mundo de los nobles fue descubriendo todos los secretos sucios detrás del funcionamiento de la sociedad en la que vivía y, además, de la verdad detrás de los corceles de pelea.

“Nadie es más fuerte que la desesperación. Es una caja oscura… con agujeros para el aire. Tienes razón en tenerle miedo, nos tiene atrapados (…). Todos estamos atrapados en ella; y alguien tiene que enseñárselo”.

Al mismo tiempo, el libro también tuvo su toque de romance entre Synali y Rax, el jinete favorito del momento. La relación entre ambos fue bastante linda, pues nació de la preocupación genuina de Rax por ella. A lo que se sumó la enemistad/amistad con Mirele von Hauteclare, la relación entre ambas fue una demasiado divertida de leer. Lo mismo con la dinámica de Synali con Dravik, a quien, a pesar de todas las mentiras, no podía evitar ver como una figura paterna. En resumen, nos encantaron las distintas relaciones de la protagonista con los demás personajes, ya fuera romance, figura paterna, amistad, etc. fueron muy interesantes de leer y bien construidas.

“Mi mente es mía, mi cuerpo es mío, y los usaré hasta que se conviertan en cenizas. Usaré todo lo que me queda para hacer que me paguen”.

Heavenbreaker es el inicio de una ópera espacial con kaijūs y una protagonista cuyo único deseo es la venganza, una gran construcción de mundo con una crítica social y buenas relaciones entre los personajes. No se lo pueden perder.

Autor: Sara Wolf
Editorial:
Editorial Zigzag – VRYA
Saga/Autoconclusivo:
Heavenbreaker #1
Nº de páginas: 584
ISBN13:
9786313002894
Precio:
$24.900
Sara Wolf (Estados Unidos)-. Adora la repostería, los gatos y gritar de manera útil a su propia imaginación. Cuando era niña, estaba demasiado ocupada comiendo tierra como para escribir su primer libro terrible. Veinte años después, golpeó el teclado de una computadora y creó la serie Lovely Vicious. Vive en Portland, Oregón, donde el sol ya no puede alcanzarla. Escribe romance, ciencia ficción y fantasía en la lluviosa ciudad de Portland, Oregon. Le gustan los romances que se cocinan a fuego lento, las escenas de lucha, el té y hacer streaming de videojuegos en twitch.tv/sweatyhug.

La semilla del fruto sagrado: represión en Irán

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SINOPSIS: Filmado bajo completo secreto, este galardonado thriller nominado al Oscar a Mejor Película Extranjera se centra en una familia iraní que sale a la luz pública cuando el padre es nombrado juez de instrucción en Teherán. Paranoico y desconfiado debido la violencia en las calles y el malestar político imperante, el juez verá puesto a prueba su trabajo y amenazada su vida personal luego de la muerte de una joven bajo custodia policial.

Gracias a Cinetopía  este jueves 06 de marzo llega a  cartelera La semilla del fruto sagrado (The Seed of the Sacred Fig),película reconocida internacionalmente, obteniendo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes 2024 y una nominación al Óscar a la mejor película internacional.

La película fue grabada a escondidas, debido a que Rasoulof, su director ya ha ido a prisión por sus críticas al régimen iraní. De hecho esta película llegó a Alemania por contrabando y ahí es donde se terminó de editar, por tal motivo representó al país germano en los últimos Oscar.

La historia sigue a Iman, un juez del Tribunal Revolucionario de Teherán que ve cómo la tensión de las protestas en el país comienza a filtrarse en su propio hogar. La desaparición de su pistola lo sumerge en una paranoia creciente, llevándolo a sospechar de su esposa y de sus hijas.  En este ambiente de desconfianza y vigilancia, los lazos familiares se erosionan mientras la represión estatal se intensifica

El realismo de la película es impactante, no solo por la intensidad de su historia, sino porque Rasoulof entrelaza la ficción con imágenes reales de las protestas reprimidas violentamente en Irán entre 2022 y 2023. Esta fusión logra un retrato visceral de un régimen que busca controlar no solo las calles, sino también los pensamientos y relaciones de sus ciudadanos. En palabras del propio director:

“En los últimos cuarenta años, la sumisión incondicional a las instituciones religiosas y políticas ha creado profundas divisiones dentro de las familias. Pero cuando observo las recientes protestas lideradas por la generación más joven, veo que han elegido un camino diferente, más abierto, para enfrentarse a sus opresores.”

 Su dirección sobria, su uso de espacios cerrados y su capacidad para generar tensión con mínimos elementos convierten este thriller en una experiencia absorbente. Pero más allá de su impecable construcción cinematográfica, es su mensaje lo que la hace inolvidable: un testimonio de un país en crisis, de mujeres resistiendo y de un sistema que se tambalea ante el coraje de sus ciudadanos.

No obstante, relacionado a la duración nos parece algo excesiva. La película podría ser más impactante si durara algo menos. Se nota que hay un cambio de tono en un momento de la película, que pasa de un problema país a uno más íntimo- familiar (aunque sigue siendo una alegoría de una sociedad), pero los 168 minutos del largometraje hacen que se pierda un poco de intensidad.

La semilla del fruto sagrado más que una película es un retrato visceral de una sociedad sometida al control del régimen. Aunque su duración es algo excesiva, su impacto emocional y su poderoso mensaje la convierten en una experiencia cinematográfica inolvidable.

Dirección: Mohammad Rasoulof
País: Irán- Alemania
Año: 2024
Duración: 168 minutos
Elenco:
Misagh Zare, Soheila Golestani, Mahsa Rostami, Setareh Maleki

El mono: una cinta sobre lo aleatoria que es la muerte

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Hoy, 27 de febrero, llega a los cines El mono, la nueva película de terror basada en el relato de Stephen King. Dirigida por Osgood Perkins y protagonizada por Theo James, la cinta narra la historia de dos hermanos que descubren un antiguo mono de juguete entre las pertenencias de su difunto padre. Pronto, se dan cuenta de que el siniestro objeto está vinculado a una serie de muertes inexplicables, obligándolos a enfrentarse a una aterradora maldición.

La película El mono es una adaptación libre de un cuento de Stephen King, aunque “adaptación” puede ser un término generoso, ya que conserva muy pocos elementos de la historia original. Uno de los cambios más notorios es el diseño del mono, que en el cuento tenía platillos y en la película es sustituido por un tambor.

Sin embargo, el cambio más relevante es el tono: mientras que el relato de King usa un terror más psicológico e inquietante, centrado en el mundo interno del protagonista, la película opta por un enfoque irónico, que roza la comedia y el absurdo.

Lejos de ser un defecto, esta decisión resulta efectiva dentro de lo que la película busca transmitir. El tipo de terror que presenta está bien trabajado y potenciado por una cantidad exagerada de muertes, todas llevadas al extremo en su dramatización.

La cinta se convierte así en una opción ideal para quienes disfrutan de un terror más ligero, cargado de humor negro y situaciones que, en lugar de provocar miedo, arrancan carcajadas.

Otro cambio significativo respecto al cuento es la intención temática. Mientras que la historia original no parece tener un mensaje claro, la película introduce una reflexión sobre la muerte y todo lo que la rodea: el duelo, los funerales y, sobre todo, lo impredecible que puede ser el destino.

La idea de la aleatoriedad de la muerte se enfatiza con la frase “Como la vida misma”, impresa en la caja donde se encuentra el siniestro mono de juguete. Aunque exagerada en su representación, la película logra plasmar lo inesperado que puede ser el final de la vida.

Por otro lado, la historia introduce una serie de reglas sobre cómo funciona el mono y las consecuencias de su presencia, pero no las sigue de manera estricta. Sin embargo, este descuido no pesa tanto en el resultado final porque la película no se toma en serio a sí misma.

Al tratarse de una cinta que abraza el exceso y el absurdo, resulta comprensible que no se esfuerce demasiado en respetar su propia lógica interna.

En definitiva, El mono es una película que se aleja del terror psicológico de King para ofrecer una experiencia irreverente y exagerada. Con una mezcla de horror y comedia negra, logra convertirse en una propuesta entretenida para quienes disfrutan de historias que juegan con lo macabro sin perder el sentido del humor.

Año: 2025
País: Estados Unidos / Reino Unido / Canadá
Duración: 1 hora y 38 minutos
Dirección: Osgood Perkins
Elenco: Theo James, Tatiana Maslany, Christian Convery, entre otros.

“Attack on Titan: The Last Attack” – Un Final Épico que Sacudirá tu Alma

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Desde hoy, 27 de febrero, ya puedes ver Attack on Titan: The Last Attack. La épica saga de Shingeki no Kyojin llega a su culminación con esta película que encapsula los momentos finales de esta aclamada serie. Dirigida por Yûichirô Hayashi y animada por el estudio MAPPA, esta entrega ofrece una experiencia cinematográfica que promete satisfacer tanto a los seguidores veteranos como a los nuevos espectadores.

La trama sigue a los personajes principales, Armin, Mikasa y Levi, en su intento por detener a Eren Jaeger y el temido “Retumbar”, una amenaza que pone en jaque la existencia misma de la humanidad. La narrativa se desarrolla de manera intensa, llevando al espectador por una montaña rusa de emociones que culmina en un desenlace impactante.

Uno de los aspectos más destacados de la película es su calidad de animación. El estudio MAPPA ha superado las expectativas, entregando secuencias de acción fluidas y detalladas que realzan la tensión y el dramatismo de la historia. La banda sonora complementa perfectamente las escenas, intensificando la inmersión del público en este mundo apocalíptico.

Además, la película incluye una escena post-créditos que ha generado diversas opiniones entre los fans. ALERTA de SPOILER. Esta escena presenta una adaptación de ‘Attack on School Castes’, mostrando a los personajes Eren, Mikasa y Armin en un universo alternativo como estudiantes de instituto comentando positivamente la película.

En conclusión, “Attack on Titan: The Last Attack” ofrece una despedida digna para una serie que ha dejado una huella indeleble en el mundo del anime. Su narrativa poderosa, combinada con una animación de alta calidad y una banda sonora envolvente, la convierten en una experiencia obligada para los seguidores de la franquicia y para aquellos que buscan una historia profunda y emocionante.

Better man: un gran guiño de Robbie Williams que invita a acompañarlo en un viaje a través de su vida

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Better Man es una película biográfica que explora la vida de Robbie Williams, interpretado por él mismo. Dirigida por Michael Gracey (El gran showman), la cinta recorre su historia desde la infancia hasta su ascenso a la fama, pasando por su colapso personal y su regreso triunfal al mundo del espectáculo.

El elenco incluye a Jonno Davies (Kingsman: El servicio secreto), quien interpreta una versión más joven de Williams, junto a otros actores que dan vida a figuras clave en su trayectoria​

Better Man es una película biográfica que se aleja de los formatos tradicionales del género para presentar una visión única de la vida de Robbie Williams. Con un enfoque creativo audaz, la cinta retrata al cantante como un simio a lo largo de toda la historia, reflejando cómo él mismo se percibe. Esta representación lo hace destacar entre los demás personajes y refuerza la sensación de ser diferente.

Además, el protagonista es el único simio en la historia, salvo por las manifestaciones de sus propias inseguridades, representadas por otros simios que lo atormentan. Esta elección estética no solo es peculiar, sino que también funciona como un recurso visual poderoso para transmitir la lucha interna del artista.  

La película no se limita a mostrar los momentos de éxito y gloria de Williams, sino que también se sumerge en los aspectos más oscuros de su vida, abordando sin filtros sus problemas con las drogas, sus inseguridades y los defectos que él mismo reconoce. De este modo, el filme ofrece un retrato más humano y sincero del artista, alejándose de la idealización típica de muchos biopics.

Uno de los mayores logros de la película es su capacidad para plasmar los aspectos psicológicos que afectan al protagonista, como el pánico escénico y el síndrome del impostor. A través de secuencias que rozan lo onírico, la cinta introduce a la audiencia en la mente de Williams, permitiendo que sienta su ansiedad y sus miedos desde dentro. Este recurso narrativo, combinado con el simbolismo del simio, fortalece la construcción del personaje y su evolución a lo largo de la historia.

La estructura del filme mezcla escenas dramáticas con números musicales que incluyen los grandes éxitos del cantante, logrando una narrativa dinámica y entretenida. Las canciones funcionan como hilo conductor de la trama, marcando momentos clave de su vida y brindando un espectáculo visual y sonoro que refuerza la conexión emocional con la audiencia.

En un momento de la película, el protagonista menciona que si no le hubiera guiñado el ojo a Nigel Martin Smith en la audición para entrar a Take That, nada de lo que vivió habría sucedido. En este sentido, Better Man se siente como un gran guiño de Robbie Williams a la audiencia, logrando que el espectador empatice con él incluso cuando deja en claro sus defectos. La película consigue que el público quiera acompañarlo en este viaje, convirtiendo su historia en una experiencia envolvente y emotiva.

En resumen, Better Man logra ofrecer una visión innovadora y emotiva de la vida de Robbie Williams, alejándose de los biopics convencionales con una propuesta visual y narrativa audaz. A través de su simbolismo y enfoque introspectivo, la película no solo explora los éxitos del cantante, sino también sus luchas internas, permitiendo que la audiencia se conecte con su historia de una manera profunda y genuina.

Año: 2024
País: Reino Unido / Estados Unidos / China / Francia / Australia
Duración: 2 horas y 15 minutos
Dirección: Michael Gracey
Elenco: Robbie Williams, Jonno Davies, Steve Pemberton, entre otros.

La edad de la inocencia: un análisis de la hipocresía de la sociedad neoyorquina

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SINOPSIS: El manejo de la ironía y el retrato de personajes han convertido a Wharton en la mejor cronista de un modo de vida opresivo pero fascinante que conoció de primera mano. La novela retrata de una manera implacable la hipocresía aristocrática del siglo XIX, así como los pormenores de una infidelidad. Newland Archer se debate entre May Welland, la esposa perfecta pero predecible, y la condesa Ellen Olenska, que simboliza el riesgo y la aventura. 

En enero, llegó a Chile la edición ilustrada de Alma del clásico: La edad de la inocencia de Edith Wharton, la primera mujer en ganar un Premio Pulitzer por este mismo libro. Este es uno de esos clásicos que ha sido varias veces adaptado a película y series, siendo la primera una adaptación de 1934 y la más reciente en 1993 dirigida por Martin Scorsese. En nuestro caso, no habíamos visto ninguna adaptación y este era de los clásicos de los que no sabíamos nada así que fue toda una experiencia.

Partimos en New York en el siglo XIX, cuando Newland Archer, un joven de la alta sociedad está próximo a prometerse con May Welland, una joven ingenua y hermosa que representa todo lo que un buen hombre debería esperar en una esposa. Sin embargo, cuando la primera de May, Ellen Olenska, vuelva a New York escapándose de su esposo y despierte en él sentimientos de pasión y peligro, Archer se enfrentará al dilema de escoger entre la pasión y el deber.

“Cuando pensaba en Ellen Olenska lo hacía de un modo abstracto, sereno, como se puede pensar en un amor imaginario de un libro o un cuadro; ella se había vuelto la imagen compuesta de todo lo que había perdido”.

La misma autora vivió la sociedad que ella describió, así que es una mirada cercana de los pensamientos de la gente de la época o de las estructuras sociales o reglas a las que ella se vio sometida. Muy similar a lo que hizo Jane Austen al criticar la misma sociedad en la que vivía con sus novelas. Aquí, Edith Wharton nos presenta la estructura e hipocresía de una sociedad atrapada en sus reglas, rumores y en lo que se considera apropiado socialmente, ignorando el bienestar de las personas. La crítica es bastante dura a la sociedad y cómo una serie de reglas arbitrarias pueden terminar destruyendo las vidas de las personas.

Es en ese ambiente en el que conoceremos a Newland Archer, nuestro protagonista, que partió siendo uno más de la sociedad, uno que entendía el funcionamiento de esta y se encontraba satisfecho con todo. Por eso mismo adoraba a May, porque era el ejemplo máximo de lo que él podía esperar en una novia, la inexperiencia y sumisión versus su propia experiencia e intelectualismo. Algo que la misma autora expuso con un tono sarcástico incluso desde los ojos de Archer. 

“No puedo volver a pensar como antes. No puedo amarte a menos que te abandone”.

Sin embargo, a medida que Archer empieza a pasar tiempo con la condesa Olenska irá cuestionando el funcionamiento de la sociedad y lo injusta que es con las mujeres en comparación con los hombres. La personalidad madura y desinhibida de la condesa le hará sentir emociones que antes jamás sintió, así como el ver el mundo en el que estaba inmerso con otros ojos. Casi todo el libro, a pesar de estar escrito en tercera persona, acompañamos a Archer y sus pensamientos, fue muy interesante ir leyendo sus análisis de la sociedad, las reglas estrictas de comportamiento, ropa y hasta de la comida que se sirve en eventos. Para luego, evolucionar a alguien que le resultaba incapaz de vivir apresado por esas mismas reglas, alguien que notaba la hipocresía en la sociedad y en lo que provocaba en las personas.

Al mismo tiempo, es una historia algo incómoda de leer, pues May Welland era lo que la sociedad hizo con ella, exactamente lo que tenía que ser para ser considerada un buen prospecto de esposa. Fue triste ir leyendo como lo que Archer apreciaba de ella se convertía en lo que ya no le emocionaba porque era tal y como las demás. Más que una historia de amor o desamor, es un análisis de cómo la sociedad trata a dos mujeres, una siendo el máximo esplendor de lo que se podría pedir mientras que otra era casi una paria por intentar tomar sus propias decisiones para ser feliz.

“Si no vale la pena haber renunciado, haberse perdido cosas, para que otros se salven de la desilusión y la tristeza… entonces todo lo que volví a buscar, todo lo que hace que, en comparación, mi vida anterior parezca tan despojada y tan pobre porque nadie en ella tenía en cuenta a los demás… todas esas cosas son una farsa o un sueño…”

Archer es el ejemplo de un personaje atrapado en las reglas de la sociedad, uno que se jacta de su ingenio y su mente intelectual y compleja. Que es capaz de juzgar a los demás, de criticarlos y evaluarlos según su comportamiento, mientras al mismo tiempo va sintiéndose oprimido por esa misma sociedad. Sin embargo, cuando se enamoró perdió la racionalidad, empezó a actuar de forma impulsiva como un niño. Eso lo llevó a tener que enfrentarse al clásico dilema: seguir el corazón o la razón.

La edad de la inocencia es un clásico de la literatura que analiza la sociedad neoyorquina en el sXIX a través de los ojos de un joven que la conocía y manejaba, su vida era perfecta, hasta que al conocer a una mujer su perspectiva cambió al punto de que empezó a notar la hipocresía en su funcionamiento al punto de sentirse atrapado por ella.

Autor: Edith Wharton
Editorial:
Editorial Zig-Zag – Alma
Saga/Autoconclusivo:
Autoconclusivo
Nº de páginas: 352
ISBN13:
9788418933745
Precio:
$25.900
Edith Wharton (Estados Unidos, 1862 – Francia, 1937)-. Fue una novelista, cuentista y ensayista estadounidense reconocida por su aguda crítica de la alta sociedad neoyorquina de finales del siglo XIX y principios del XX. Fue la primera mujer en ganar el Premio Pulitzer de Ficción por La edad de la inocencia (1920), una de sus obras más emblemáticas. Sus novelas, como La casa de la alegría y Ethan Frome, exploran temas de clase, moralidad y las limitaciones impuestas especialmente a las mujeres en su tiempo. Su estilo combina realismo y sátira, influenciado por autores como Henry James.

El Brutalista: Tan épica como desgarradora

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SINOPSIS: Cuando el visionario arquitecto László Toth y su esposa Erzsébet huyen de la Europa de posguerra en 1947 para reconstruir su legado y ver el nacimiento de la América moderna, sus vidas cambian a causa de un misterioso y adinerado cliente.
Poster oficial de The Brutalist (2024)

Una vez que el intermedio nos dio quince minutos para procesar la primera hora cuarenta de El Brutalista, era palpable el sentimiento colectivo de que estábamos presenciando una obra excepcional.

No solo los detalles técnicos que rodean a esta cinta son fantásticos, ya que la historia que esta contiene supera todas las expectativas. Dentro del contexto de la Segunda Guerra Mundial, El Brutalista es la crónica de un arquitecto judío que escapa a Estados Unidos con la esperanza de comenzar una nueva vida.

Pero nada nos preparó para lo que venía después. Una segunda parte que retoma la grandeza de la primera y retuerce todo lo que ingenuamente anticipábamos para nuestro protagonista.

Nos encontramos con un estudio de personajes crudo, agonizante, y en general, una muestra de las consecuencias del exilio, la búsqueda incesante de la identidad perdida, y la culminación de un proyecto arquitectónico revolucionario lleno de significados ocultos.

László junto a su primo Attila en la primera parte de El Brutalista (2024)

Un desarrollo de personajes desgarrador

Este drama de proporciones épicas gira alrededor de László, quien, sin noticias de su familia, debe adaptarse a una cultura distinta a la suya, donde el conservadurismo, el antisemitismo, el racismo, y la pobreza son dominantes. 

Cuando el primo de László, Attila, lo introduce a la acomodada familia Van Buren, su vida da un giro monumental, ya que se le ofrece el proyecto de su vida después de diseñar un despacho despampanante para el padre de la familia, Harrison.

El Brutalista muchas veces se siente como una montaña rusa, ya que los sucesos por los que pasa László son un montón de altibajos. Mezclado con una cinematografía increíble de la que habláremos después, la historia de nuestro protagonista es sumamente inmersiva, y cuando le ves en la cima, no puedes esperar a ver qué va a pasar ahora que todo “luce bien”.

Una vez que László comienza a diseñar su proyecto arquitectónico, y su esposa llega a Estados Unidos con la ayuda del abogado de Harrison Van Buren, su vida comienza a consumirse poco a poco.

Los imponentes y sólidos muros de concreto que asientan las bases del proyecto de László pueden ser fácilmente una representación de los muros que él coloca a su alrededor ante la presión que su esposa, ahora enferma, y la importancia de que su proyecto salga según lo planeado, ejercen sobre él.

El primer acto es todo sobre resignación, adaptación y un atisbo de esperanza, pero el segundo acto es impresionante, ya que cambia el tono de la película por completo, tornándola oscura en cuanto a los temas que desarrolla.

La corrupción y la pérdida del ser, abuso sexual, traumas no resueltos, enfermedad, todas estas cosas se apoderan de László, quien decide que consumar su proyecto es más importante que todo lo demás. Esto afecta también a su esposa Erzsébet, quien sufre por la indiferencia de su marido y cómo este país lo ha corrompido.

La búsqueda de una nueva tierra prometida vuelve a ser necesaria, y mientras la familia de László decide que partirán a Israel, él se niega, ya que no comprende cómo las cosas serían diferentes en otro lugar al ver que la sociedad está igual de corrompida en todas partes, que ya nada es lo mismo.

La fotografía

Esta épica falsa biografía no solo destaca por su potente e inmersiva historia, ya que posee una fotografía increíblemente bella. Grabada en el formato VistaVision, que usa una cinta de 35 mm que capta la imagen horizontalmente, las tomas de El Brutalista son distintas a todo lo que hemos visto antes. El color en esta cinta se ve realista, y las tomas bien estructuradas de Brady Corbet son dignas de admiración.

Esta es una cinta más que nada contemplativa, ya que a través de su poder audiovisual (porque el score es igual de magistral) se le da el tiempo al espectador de simplemente contemplar maravillosas puestas en escena para procesar los múltiples platos fuertes que se nos otorgan durante el curso de la película.

En conclusión, El Brutalista es un evento cinematográfico imperdible que debe ser apreciado en la mejor calidad posible. Con unas actuaciones desgarradoras y una trama tan inmersiva que no sientes las 3 horas y media de película, Brady Corbet acierta con esta nominada al Óscar al crear una historia asombrosa en un formato que captura perfecto el contexto histórico en el que todo se desarrolla.

Le damos un 9/10 únicamente porque final pudo ser más satisfactorio y menos autoconcluyente.

Dirección: Brady Corbet
Año: 2024
País: Estados Unidos
Duración: 3 horas y 34 minutos
Elenco: Adrien Brody, Felicity Jones, Guy Pearce,
Raffey Cassidy, Joe Alwyn

Un Completo Desconocido: el enigma de Bob Dylan

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SINOPSIS: Ambientada en la vibrante escena musical neoyorquina de principios de los 60´ en pleno revuelo cultural, un enigmático joven de 19 años de Minnesota llega al West Village con su guitarra y un talento revolucionario, destinado a cambiar el curso de la música estadounidense. Mientras entabla sus relaciones más íntimas durante su ascenso a la fama, se siente insatisfecho con el movimiento folk y, negándose a ser encasillado, toma una decisión controversial que resuena culturalmente en todo el mundo. Timothée Chalamet protagoniza UN COMPLETO DESCONOCIDO de James Mangold, y canta las canciones de Bob Dylan en la apasionante historia real detrás del ascenso de uno de los cantautores más icónicos de la historia.

Este  20 de febrero se estrena Un completo desconocido (A Complete Unknown), biopic de  los comienzos de la carrera de Bob Dylan. La película ha tenido múltiples nominaciones a premios, entre ellas 8 nominaciones a Oscar, 3 a Globos de Oro y 6 a los BAFTA; por lo tanto las expectativas han sido altas y de antemano afirmamos que no decepciona.   

Dirigida por James Mangold, quien tiene una interesante carrera con películas como Wolverine(2013) , Logan (2017), la última película de Indiana Jones Indiana Jones y el dial del destino (2023). Llega en esta ocasión con esta biopic de Bob Dylan en que se nos muestra los inicios de su carrera, explorando su despegue hacía la fama. Por cierto, esta no es la primera biopic dirigida por Mangold, ya había dirigido Johnny & June: Pasión y locura (Walk the line, 2005)  , película don Joaquin Phoenix interpreta a la leyenda Jonnhy Cash.

Mangold evita el esquema tradicional de los biopics musicales y apuesta por una narración más introspectiva.En lugar de recorrer toda la vida de Dylan, la película se centra en un período clave: su llegada a Nueva York y su transformación en la voz de una generación, culminando con su controvertida presentación en el Festival de Newport de 1965, donde electrificó la música folk y dividió a sus seguidores.

La película tiene varios puntos altos; entre ellos  Timothée Chalamet, quien entrega una interpretación magnética, capturando la esencia esquiva de Dylan sin caer en la simple imitación, las canciones interpretadas por él es un deleite al oído. Es un gran logro de la dirección que las canciones se escuchen completas y no solo fragmentos como suele ocurrir muchas veces en películas biopic.  El reparto completo desempeña notables actuaciones, es más que merecidas las nominaciones de Edward Norton y Monica Barbaro a mejores actor y actriz de reparto por sus papeles de Pete Seeger y Joan Baez respectivamente, de hecho ella también muestra un gran registro vocal. Todos los personajes secundarios enriquecen la historia. 

La recreación de la época es impecable, con una fotografía que evoca el espíritu del Greenwich Village de los años 60. La banda sonora, compuesta por clásicos de Dylan y reinterpretaciones frescas, es otro de los puntos fuertes de la cinta, sumergiendo al espectador en la atmósfera de la época.

Por tanto todas las nominaciones a los Oscar son merecidas: Mejor Película, Mejor actor, mejor actriz de reparto, mejor actor de reparto, mejor director, mejor guion adaptado, sonido, diseño de vestuario.

Es una película recomendada a todo público, no es necesario ser un fanático de Dylan para poder  disfrutarla. Trata sobre el peso de la fama y la búsqueda de autenticidad. Dylan nunca se dejó encasillar y, en ese sentido, la película refleja su espíritu: enigmático, desafiante y siempre un paso adelante del resto.

Cabe destacar que Bob Dylan es el único músico en la historia en haber recibido el Premio Nobel de Literatura, un reconocimiento que reafirma la profundidad de su legado y la poesía de sus letras, las cuales han inspirado a generaciones.

 

Un Completo desconocido con una dirección inspirada y una actuación destacada de Chalamet, la película logra capturar el espíritu de un hombre cuya identidad siempre ha sido tan enigmática como su música. No es una película que intenta explicarlo, sino que nos invita a experimentarlo. Tanto para los fanáticos de Dylan como para los que apenas están descubriéndolo, es un film imprescindible

Dirección: James Mangold
País: Estados Unidos
Año: 2024
Duración: 141 minutos.
Elenco: Timothée Chalamet, Monica Barbaro, Edward Norton, Elle Fanning

Flow: Una experiencia cinematográfica de calidad invaluable

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SINOPSIS: El gato es un animal solitario, pero cuando su hogar es devastado por una gran inundación, encuentra refugio en un barco poblado por varias especies, y tendrá que formar equipo con ellas a pesar de sus diferencias.
Póster oficial de Flow (2024)

Flow es un festín para los sentidos y una gran iniciadora de conversaciones, y es que la película del letón Gints Zilbalodis vino a arrasar con la audiencia y con las premiaciones también.

La ganadora del Globo de Oro por Mejor Película Animada y nominada al Óscar por Mejor Película Animada y Mejor Película Extranjera, cuenta con una animación única y un elenco que no necesita diálogos ni actuaciones humanizadas para agarrarte del corazón apenas iniciada la película.

Protagonizada por un gato, un perro, un capibara, un lémur y una garza, Flow se centra en la odisea a la que estos animalitos, cuyas personalidades no pueden ser más diferentes, se ven obligados a enfrentar con tal de sobrevivir.

Una trama sencilla, pero a la vez profunda, que evoca todo tipo de emociones y explora una variedad de temas sumamente relevantes que analizaremos a continuación.

Flow (2024) es todo sobre el poder de la unión en tiempos adversos

Un estilo de animación único en su clase

Con un pequeño presupuesto de 3.5 millones de euros, el equipo detrás de Flow consiguió crear un estilo de animación soñado a través de Blender, un software de animación 3D.

Las texturas presentes en el universo de Flow son majestuosas, ya que combinan realismo tridimensional con un estilo artístico reminiscente a un óleo o a una pintura con acuarelas, logrando este efecto de ensueño en todas sus escenas, en las cuales no podemos evitar sentirnos inmersos desde el primer minuto.

El diseño de los personajes tampoco se queda atrás, ya que la decisión artística de no “humanizar” o exagerar las características de los animales para causar ternura forzada en la audiencia juega mucho a favor de la historia.

Los manierismos y expresiones de los protagonistas de Flow son fruto de un riguroso estudio de los animales en su entorno natural, incluyendo sus voces, las cuales provienen de fuentes reales. A excepción del capibara y la ballena, quienes fueron interpretados por una cría de camello y un tigre respectivamente.

Todos estos datos curiosos provistos por el mismo director, hacen de la animación de Flow una experiencia única en su clase, ya que al priorizar una representación realista de animales cuyo comportamiento nos es ya de por sí familiar, permite que la audiencia conecte de inmediato con los protagonistas y su enigmático universo.

La garza es un héroe, y nos hizo llorar demasiado

La construcción del mundo de Flow

De principio a fin recorremos este mundo despojado de los humanos y barrido por una inundación a través del punto de vista del gato, quien debe afrontar sus miedos y dejar todo lo que conoce con tal de sobrevivir.

Flow se enfoca en realzar tanto la implacabilidad de la naturaleza como su belleza, haciendo que la audiencia se vea sobrecogida por esta a la vez que el gato se abre paso por nuevos horizontes.

Los vestigios que quedan de que alguna vez hubo humanos en este mundo son verdaderamente intrigantes, y dejan mucho a la imaginación, como la casa en la que el gato vive al principio y los monumentos dedicados a él.

¿Qué pasó con la familia del gatito? Nunca lo sabremos. 

Lo genial de Flow es que juega con una trama muy conceptual que apela al instinto, lo que calza perfecto con la noción de que estamos explorando este mundo a través de los ojos de un gato, permitiéndonos sentir las mismas emociones que él ante una situación determinada, como el temor a lo desconocido que experimenta al ver a la ballena o a las garzas sobre él.

Todos los personajes de Flow tienen una personalidad única que permite que el improbable grupo de amigos se complementen, permitiendo así su supervivencia. Tal y como se dan muchos momentos de aprendizaje y lecciones de convivencia, también ocurren muchos conflictos divertidos y memorables que no les quisiéramos spoilear, pero el perro y el lémur son unos adorables agentes del caos.

Sin duda lo que nos caló más hondo fue el final del viaje, el cual es toda una experiencia difícil de procesar, sobre todo con la escena de la garza. Se exploran temas como el sacrificio y la empatía, dos elementos que causan conflicto en cualquier escenario de supervivencia.

Una vez que el gato se vuelve a reflejar en el agua como en el principio de la película, se da cuenta de que ya no está solo, dándose a la interpretación de que el sacrificio y la pérdida pueden dar lugar a algo bueno contra todo pronóstico.

Una de las escenas más icónicas de Flow (2024) es la del gato conociendo al capibara

Flow es toda una experiencia cinematográfica, ya que no solo cuenta una historia sobre un gato y su aventura en bote, sino que retrata la superación de los miedos y la importancia de la amistad mientras estimula tus sentidos de una forma de lo más inmersiva.

Esta es lejos una de las mejores películas del 2024, y es un grito para que la animación sea apreciada como la forma de arte sin límites que es, sobre todo cuando es hecha con pasión que ni siquiera un bajo presupuesto puede detener. Le damos a Flow un 10/10.

Dirección: Gints Zilbalodis
Año: 2024
País: Letonia
Duración: 1 hora y 25 minutos