Miércoles, Abril 16, 2025
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El Pozo de la Ascensión: la edición ilustrada de una gran secuela de las sagas de fantasía

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SINOPSIS: Durante mil años nada ha cambiado: han caído las cenizas, los skaa han sido esclavizados y el Lord Legislador ha dominado el mundo. Pero lo imposible ha sucedido. El Lord Legislador ha muerto. Sin embargo, vencer y matarlo fue la parte sencilla. El verdadero desafío será sobrevivir a las consecuencias de su caída.
Tomar el poder tal vez resultó fácil, pero ¿qué ocurre después?, ¿cómo se utiliza? La tarea de reconstruir el mundo, ahora que Kelsier no está, ha quedado en manos de Vin. Y las brumas, desde que el Lord Legislador cayó, se han vuelto cada vez más impredecibles…
A medida que el asedio se intensifica, la antigua leyenda del Pozo de la Ascensión ofrece un único rayo de esperanza.
En ese mundo de aventura épica, la estrategia política y religiosa debe lidiar con los siempre misteriosos poderes de la alomancia…
El pozo de la ascension

Hace un año llegó a Chile la edición especial ilustrada de El Imperio Final, primera entrega de la saga Nacidos de la Bruma de Brandon Sanderson y, este mes, fue el turno de su segunda entrega: El Pozo de la Ascensión. Como siempre, en esta reseña tendremos spoilers de la entrega anterior, pero no de esta.

Pasó un año desde que Kelsier muriera y su muerte sirviera como la chispa para derrotar el Imperio Final y matar al Lord Legislador. Sin embargo, Luthadel está siendo asediada por el ejército de Straff, el padre de Elend; Cett, otro rey, y un ejército de koloss al mismo tiempo. Por lo que el reinado de Elend, idealista aunque con buenas intenciones, pende de un hilo.

Al ser la secuela de una entrega de fantasía tiene la ventaja de que el inicio se hizo mucho más llevadero que en su entrega anterior, pues ya sabíamos cómo funcionaba el mundo y el sistema de magia, la alomancia. Además de que los personajes nos resultaban familiares, por lo que no costó nada volver a enganchar con la historia. La trama, a grandes rasgos, fue sencilla pues consistió en el asedio que sufrió Luthadel por parte de tres ejércitos distintos, así que fue una entrega centrada en política y estrategias con enfoque en el cómo se debe gobernar.

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Elend era un idealista que creía en darle poder y voto a la gente para que estos escogieran a sus gobernadores. Sin embargo, no tardó en darse cuenta de que quizá no siempre era la opción más efectiva. OreSeur fue nuestro personaje favorito de la entrega, pues tuvo una gran evolución y, además, la relación que estableció con Vin fue maravillosa. Vin siempre será de nuestras heroínas favoritas, no solo por lo fuerte que es, sino que por toda su construcción de personaje que no la hizo alejarse de su lado más juvenil y femenino. Por lo mismo, su relación con Elend nos encantó en este libro, una pareja muy tierna y sincera.

Una de las cosas más rescatables de estos libros es que alguien que lee mucha fantasía puede creer que se imagina los giros que tendrá la historia, pero Sanderson va tres pasos por delante y nos demuestra que no es así. Toda la construcción de mundo y cómo va avanzando la trama a medida que los mismos personajes entienden su mundo y poderes nos encanta. Además, no fueron giros que estaban ahí solo por generar emoción, sino que tenían sentido y se fueron construyendo a lo largo del libro.

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Quizá pueda sentirse como una entrega con menos acción porque, como dijimos, todo se centró en el asedio a Luthadel y fue como una olla a presión que solo acumulaba y acumulaba tensión. Sin embargo, siempre estaban sucediendo cosas, a nivel de política, de los personajes, de la trama o secretos del mundo que se fueron revelando.

El Pozo de la Ascensión (Edición ilustrada) trae de vuelta una de las secuelas más entretenidas de una saga de fantasía y el regreso de personajes que nos encantaron en su primera entrega de la mano con una edición en tapa dura con ilustraciones que todo fan querrá tener en su biblioteca.

Autor: Brandon Sanderson
Editorial:
Penguin Libros – Nova
Saga/Autoconclusivo:
Nacidos de la bruma #2
Nº de páginas: 784
ISBN13:
9788418037276
Precio:
$29.000
112468 1Brandon Sanderson (Estados Unidos, 1975)-. Es el gran autor de la fantasía del siglo XXI y el escritor más prolífico del mundo. Desde que debutara en 2006 con su novela Elantris, ha deslumbrado a lectores en treinta lenguas con el Cosmere, el fascinante universo de magia que comparten la mayoría de sus obras. Sanderson es autor de la brillante saga Nacidos de la Bruma (Mistborn), formada por El Imperio Final, El Pozo de la Ascensión, El Héroe de las Eras, Aleación de ley, Sombras de identidad, Brazales de Duelo y El metal perdido. Tras El aliento de los dioses, una obra de fantasía épica en un único volumen en la línea de Elantris, inició con El camino de los reyes una magna y descomunal decalogía, El Archivo de las Tormentas, que continuó con Palabras radiantes, Juramentada y El Ritmo de la Guerra (además de la novela corta Esquirla del Amanecer). Con la serie Escuadrón (Escuadrón, Estelar, Citónica y Escuadrón Cielo), Sanderson se acerca, también, a los lectores de la ciencia ficción. Con un plan de publicación de más de veinte futuras obras (que contempla la interconexión de todas ellas), el Cosmere se convertirá en el universo más extenso e impresionante jamás escrito en el ámbito de la fantasía. Con las cuatro novelas secretas que escribió durante la pandemia del COVID-19, Sanderson ha protagonizado la mayor campaña de micromecenazgo de la historia.

Paddington en Perú: Mantiene la magia viva

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SINOPSIS: Paddington y la familia Brown visitan a la tía Lucy en Perú, pero un misterio los envía a la selva amazónica y a las montañas peruanas.
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Poster oficial de Paddington en Perú (2024)

Paddington es para muchos ya un ícono establecido del cine, y es que este adorable osito proveniente de la selva peruana nos entrega con cada película un sin fin de momentos divertidos y emotivos que no son la excepción en esta tercera entrega. Un choque cultural, un misterio sin resolver y la reconexión con las raíces son algunos de los temas que Paddington en Perú explora, sin embargo, ¿es tan buena como sus antecesoras? Averigüémoslo.

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La familia Brown y Paddington en Perú

La familia Brown y un ahora documentado Paddington están de vuelta. Aunque el cariño está intacto, la familia no está tan unida como la señora Brown quisiera, y Paddington, aunque feliz con su vida actual, extraña a su tía Lucy. Un día Paddington recibe una carta del Hogar para Osos Retirados de parte de su Madre Superiora, avisándole que su tía ha desaparecido, de esta forma, Paddington y los Brown emprenden un viaje a lo más profundo del Perú que resultará de lo más revelado. 

En esta entrega, Paddington enfrenta nuevos desafíos y peligros, pero esta vez en su tierra natal, la cual oculta un secreto que muchos desean encontrar: El Dorado, la mítica ciudad de oro. Es así como de camino a la selva, los Brown conocen a Hunter Cabot, un malintencionado navegante que guía a Paddington para que le muestre cómo llegar a este ansiado tesoro, sin embargo, Paddington le hace ver que el verdadero tesoro que su corazón busca no se halla en la selva, sino en nuestros seres queridos.

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Paddington, un ahora ciudadano inglés, se roba el show como siempre con sus locuras

La calidad de los villanos de Paddington 3 disminuye un poco en comparación a las entregas anteriores, no por sus fantásticos actores, sino que se nota que el estudio le bajó unos niveles a la maldad de los contrincantes de Paddington, haciéndolos de un calibre más infantil. Como compensación, la película se encarga de hacer algunos giros de trama interesantes con estos, dado que las nacionalidades de los actores no encajan con sus personajes, entonces los giros resultan sorprendentes a decir verdad.

Para ser una película de origen inglés situada en Perú, el doblaje mexicano no le sienta para nada bien a Paddington en Perú, ya que arruina la experiencia de muchas maneras, sin embargo, el encanto que rodea a esta saga sigue presente aunque se hayan colado algunos modismos que no encajan en ninguna de las culturas representadas en pantalla. Esta trilogía sin duda es un deleite si se ve en su idioma original.

La reconexión de Paddington con sus raíces es un muy buen aspecto de la trama, ya que explora no solo su relación con su querida tía Lucy, sino sus orígenes y el misticismo alrededor de la única comunidad de osos existente en Latinoamérica. Al reconectar con su pasado, Paddington crece como persona y comprende lo que significa pertenecer a una familia, recordándoselo a los Brown a su vez, creando así un mensaje sumamente valioso para la audiencia que está cada vez más alienada gracias a las redes sociales.

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Las nuevas incorporaciones al mundo de Paddington, Olivia Colman y Antonio Banderas, fueron una excelente adición, sin embargo, pudieron ser mejor aprovechados

En conclusión, Paddington en Perú es sin dudas otro acierto para la franquicia, aunque se siente a veces un poco más contenida que sus predecesoras dado a la naturaleza de sus chistes y sus villanos. ¿Es mejor que sus antecesoras? No tanto, sin embargo, en esta nueva aventura, Paddington reconecta con sus raíces y descifra quién es mientras revela uno de los secretos mejor guardados de Perú en el proceso, lo cual la hace sumamente divertida. El elenco de esta película es fenomenal como siempre, aunque notarán que un personaje importante cambió de apariencia, sin embargo, no molesta para nada, pero por favor, no vean esta película doblada. Le damos un 8/10.

Quédense hasta el final de los créditos 😉

Dirección: Dougal Wilson
Año: 2024
País: Reino Unido
Duración: 1 hora y 46 minutos
Elenco: Ben Whishaw, Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Antonio Banderas, Olivia Colman, Imelda Staunton

El Silencio de Marcos Tremmer: amor y sacrificio

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SINOPSIS: Marcos Tremmer es un exitoso publicista que vive en Madrid, locamente enamorado de su mujer, Lucía. Un día, Marcos descubre que una enfermedad mortal acabará con su vida en pocos meses. Para proteger a Lucía del que, por seguro, será un inmenso sufrimiento, toma una decisión arriesgada: ocultar la situación y alejarla.

Este jueves 16 de enero llega a las salas nacionales El Silencio de Marcos Tremmer, un drama protagonizado por Benjamín Vicuña, donde probablemente se enfrenta al papel más desafiante en su carrera.

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La película nos cuenta la historia de Marcos, un publicista uruguayo cuya vida toma un giro radical al enterarse que padece cáncer terminal. Tomando una difícil  decisión ocultando su enfermedad a todo su entorno cercano, lo que traerá consecuencias en su matrimonio.

Dirigida por el español Miguel García de la Calera, esta película es un drama que tocará temas profundos como  la enfermedad, el amor , los vínculos y el sacrificio que no hará reflexionar acerca de nuestra propias decisiones y el cuestionarnos la vida misma.

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La película lleva una buena dirección, la cual está enfocada en las emociones de los personajes. La cámara sabe cuando se detenerse en miradas, gestos y silencios que hablan más que las palabras, reforzando el tono contemplativo de la narrativa.

Benjamín Vicuña ofrece una interpretación poderosa y conmovedora como Marcos Tremmer. Aunque su acento uruguayo no resulta completamente convincente para quienes están familiarizados con su trayectoria como actor chileno, logra capturar la vulnerabilidad y el tormento interno de su personaje. Mirta Busnelly es argentina y también su personaje es de nacionalidad uruguaya, pero quizás a nosotros no nos es tan notoria la diferencia de acentos, como sucede con Benjamin Vicuña. Adriana Ugarte y Daniel Hendler, en los roles secundarios, complementan el drama con actuaciones sólidas que aportan profundidad y nuevas perspectivas al conflicto principal. Sus personajes enfrentan dilemas propios, revelando otras aristas del impacto emocional de la enfermedad.

El diseño de los espacios es bastante interesante, refleja la desconexión emocional del protagonista. Los interiores son minimalistas y a menudo vacíos, lo que resalta el vacío que siente Marcos en su vida personal. Así mismo es posible notar que no hay escenas de espacios exteriores en que aparezca Marcos con otros personajes, en las que aparece en espacios abiertos se encuentra solo lo que es un claro reflejo de su vulnerabilidad que no es transmitida a los demás.

La música, tiene un gran impacto emocional. Las composiciones minimalistas y melancólicas acompañan los momentos más introspectivos, sin distraer de la narrativa principal. La cual está disponible en El silencio de Marcos Tremmer (Banda Sonora Original) – Álbum de Miranda y Tobar | Spotify

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El silencio de Marcos Tremmer es una propuesta cinematográfica que invita a la reflexión y al análisis emocional. Con una dirección precisa, actuaciones destacadas y un diseño visual simbólico, la película se posiciona como un drama profundo y conmovedor. Aunque algunos detalles, como la representación de acentos, pueden generar pequeñas disonancias, estas no opacan la fuerza de la historia ni la calidad del conjunto. Sin duda, es una cinta que permanecerá en la mente del espectador mucho después de que las luces de la sala se apaguen.

Dirección: Miguel García de la Calera
País: España- Argentina
Año: 2024
Duración: 1 hora y 52 minutos.
Elenco: Benjamín Vicuña, Adriana Ugarte, Daniel Hendler, Mirta Busnelly

El trono del prisionero: una continuación divertida que no estuvo a la altura de su predecesora

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SINOPSIS: Un príncipe enjaulado
Una reina vengativa
Una batalla que determinará el futuro de Elfhame
El príncipe Oak está pagando por su traición. Encarcelado en el helado norte y ligado a la voluntad de una nueva reina monstruosa, tendrá que valerse del encanto y la astucia para sobrevivir. Cuando el rey supremo Cardan y la reina suprema Jude toman medidas extremas para rescatar a su heredero robado, Oak deberá decidir si intenta recuperar la confianza de la chica a la que siempre ha amado o si permanece leal a Elfhame y acaba con el reinado de Wren, aunque eso signifique acabar también con ella.
Mientras una nueva guerra amenaza en el horizonte y las traiciones acechan en cada esquina, ni la astucia ni el ingenio de Oak bastarán para mantener con vida a todos sus seres queridos. La cuestión es saber a quién condenará.
El trono del prisionero

Este año llegó a Chile El trono del prisionero, la segunda y última parte de El legado robado, la nueva duología de la autora Holly Black ambientada en el mundo de El príncipe cruel solo que varios años más tarde con Oak, hermano de Jude, como protagonista. En el libro anterior, fue Wren la narradora de toda la historia y Oak permaneció como un misterio, en esta secuela la autora dio un giro y puso a Oak como narrador volviendo a Wren un misterio para los lectores.

Wren se volvió la reina de la Corte de los dientes y encerró a Oak en su prisión por sus engaños. Ahora, el heredero de Elfhame tendrá que usar su ingenio y el poder al que le teme para evitar que su hermana, Reina suprema de Elfhame, vaya a la guerra para salvarlo.

Si leyeron la primera entrega y otros libros de la autora, es probable que sepan más o menos qué esperar. Este siguió el estilo del primero, una historia con varias traiciones, giros, política entre hadas y poderes ocultos. El principal elemento que se interponía entre los protagonistas tenía que ver con los secretos que guardaban entre ellos y la poca confianza que sentían debido a estos más que un gran villano que causara problemas, pues este hizo su aparición real solo al final.

“No amamos porque la gente lo merezca, ni yo querría que me amaran porque fuera el más merecedor de una lista de candidatos. Quiero que amen tanto a mi peor yo como a mi mejor versión. Quiero que perdonen mis defectos”.

Por ese motivo, la trama de este libro se sintió algo en el aire. En El legado robado la trama giró en torno al viaje que Oak y Wren tuvieron que hacer y los sentimientos entre ambos que nacieron ahí. No obstante, en El trono del prisionero todo fueron estrategias de Oak para salvarse y salvar a Wren, pero todo muy en el aire, no eran como grandes planes elaborados sino que solucionaba problema tras problema. Lo mismo sucedió con el climax del libro, fue algo salido de la nada, como un problema forzado para que tuvieran algo real de lo que preocuparse y no solo los problemas de comunicación de su familia disfuncional.

Oak fue un protagonista divertido de acompañar en sus aventuras, recordaba bastante a Cardan pues era ese personaje carismático que fingía despreocupación, pero porque ocultaba todos los sentimientos más complejos. Fue interesante que narrara él para terminar de conocerlo, sin embargo, perdimos la voz de Wren que era el mejor punto del libro anterior. En esta entrega Oak y Wren apenas tuvieron escenas juntos, así que a ese personaje con el que nos encariñamos lo vimos en muy pocas escenas y siempre como un misterio pues Oak no terminaba de entenderla. No nos gustó no saber qué pasaba por su cabeza sobre todo porque era una de los protagonistas.

“Puede ser peligroso conventirse en todo lo que una persona quiere. La encarnación de todos sus deseos. Y más peligroso aún que te retuerzas para encajar en las formas que otros eligen para ti”.

Siempre seremos fans de Jude y Cardan, pero los protagonistas de esta duología eran Wren y Oak, queríamos leer sobre ellos, verlos interactuar y compartir. Entendemos que Jude y Cardan son la pareja ganadora de la autora, pero tuvieron demasiada participación en este libro y le robaron espacio a los personajes que sí necesitaban un buen desarrollo tanto por separado como en su relación de pareja.

Finalmente, El trono del prisionero fue un libro entretenido que mantuvo el estilo clásico de la autora con sus traiciones, política y el mundo de hadas que enamoró a sus lectores. Sin embargo, debido al cambio de narrador perdimos la voz de Wren y el personaje se sintió desperdiciado en esta entrega.

Autora: Holly Black
Editorial: Ediciones Urano – Puck
Saga/Autoconclusivo: El legado robado #2
N° de páginas: 378
ISBN13: 9788419252739
Precio: $
HOLLY BLACK | Casa del LibroHolly Black (Estados Unidos, 1971).- Escritora y editora estadounidense, conocida por escribir Las crónicas de Spiderwick, una serie de cinco libros de fantasía para niños, junto con el ilustrador Tony DiTerlizzi, la serie de libros Magisterium con Cassandra Clare y la trilogía Los habitantes del aire. Sus libros más recientes son la duología de ‘El legado robado’ que son como una continuación de ‘El príncipe cruel’.

La Mutante: Embarazo y Resistencia.

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SINOPSIS: Una directora de fotografía es marginada del mundo laboral por un repentino embarazo. Alejada de su oficio y atrapada en su casa -y por las labores del hogar- tiene la lucidez de filmar su metamorfosis a una nueva forma de ser cineasta y mujer.
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Luego de 9 años de producción ya es posible ver este íntimo documental en salas de cines alternativos.  Desde una experiencia personal, veremos una temática que afecta a todo el género.

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La Mutante es un documental chileno dirigido por Constanza Tejo Roa que se estrena el 9 de enero de 2025 en cines independientes. La película ofrece un relato íntimo y crudo del embarazo de la directora a los 23 años, explorando cómo este proceso afectó su vida laboral y personal.

Constanza siendo relegada de la industria del cine debido a su embarazo, decide grabar todo su proceso. Así nace esta película docuficción  que ella misma dirige, escribe y protagoniza; mostrándonos sus miedos, conflictos, pero sobre todo su fuerza y empuje. 

La cinta aborda la discriminación laboral que enfrentó Tejo Roa al ser excluida de proyectos cinematográficos debido a su embarazo, reflejando la segregación y el machismo presentes en la industria. A través de una narrativa que combina animación, ficción y comedia, la directora comparte sus reflexiones sobre la maternidad y las expectativas sociales impuestas a las mujeres.

La Mutante también destaca la relación de la directora con su familia, compuesta por mujeres, y cómo estas dinámicas influyen en su experiencia durante el embarazo. La película invita a reflexionar sobre la invisibilización y relegación que sufren las mujeres durante la gestación, cuestionando las estructuras laborales y sociales que perpetúan estas desigualdades.

La película demuestra que no es necesario grandes recursos para poder entregarnos un relato realista, potente y reflexivo. Una obra audiovisual que logrará sentir a más de una identificada, la magia del cine de crear emociones está cumpliéndose con creces.

La película estará disponible en cines alternativos como Matucana 100, Sala Nemesio y el Centro Cultural La Moneda. Para mayor información ver en Storyboard Media 

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En resumen, La Mutante es una obra que, desde una perspectiva personal y contestataria, expone las barreras que enfrentan las mujeres durante el embarazo en una sociedad machista, ofreciendo una visión honesta y sin tapujos de la maternidad.

Dirección: Constanza Tejo Roa
País: Chile
Año: 2025
Duración: 92 minutos.
Elenco: Constanza Tejo Roa, Soledad Roa, Cocó Allende

Sting: Araña Asesina, Más Entretenida que Aterradora

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SINOPSIS: Una noche tormentosa en la ciudad de Nueva York, un objeto misterioso se estrella en un apartamento en ruinas, revelando una araña extraña. Descubierta por Charlotte, una rebelde niña de 12 años, la araña, llamada Sting, crece rápidamente y desarrolla un insaciable apetito por la sangre. A medida que vecinos y mascotas desaparecen, los residentes se dan cuenta de que están atrapados y siendo cazados por el monstruoso arácnido. Charlotte, aislada y lidiando con problemas familiares, se convierte en la única que puede detenerla.
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Desde hoy 09 de enero llega Sting; Araña Asesina. Película de terror australiana, en que una niña de 12 años cría a escondidas a una araña de mascota, la cual crece rápidamente convirtiéndose en un peligro mortal para su familia y todo el edificio en el que habita.  

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La película es australiana, y es cierto, que en el país oceánico podemos encontrar animales que son únicos en el mundo y que parecen sacados de otro planeta. Esto ocurre en esta película, la araña es justamente llegada desde el espacio, lo que justificaría su particularidad.

El hecho de que sea una araña extraterrestre se nos presenta en los primeros minutos de la cinta, desde ahí sabemos que cualquier cosa que suceda más adelante no tiene porque estar condicionado con una lógica biológica respecto al animal. De cierto modo, uno jamás se plantea de que no tenga sentido lo que realiza la araña.

Quizás a algunos les pueda recordar a Arácnidos, cinta de terror francesa que estuvo en cartelera el año pasado. Pero lo que sucede en Sting es probable que no se esté en la búsqueda de generar miedo, no busca tanto la exageración, parece que la intención es solo generar entretención pasajera y lo cual se realiza muy bien. En esta película a pesar de ser predecible logra mantener la atención gracias al buen uso de humor que se la da, personajes como el fumigador o la abuela generan un gran alivio cómico.

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Las actuaciones son aceptables, normalmente en este tipo de películas es raro encontrar actuaciones que nos sorprendan en demasía. Pero aún así como se mencionó anteriormente los personajes de la abuela y del fumigador cumplen excelente su papel, el segundo a pesar de ser un personaje cómico también aporta con datos interesantes referente a las arañas, lo que se agradece. Sí alguien resalta por nivel actoral es Charlotte, la protagonista; quizás algunos puedan reconocer su rostro por su participación en Furiosa y Maria Robotnik en Sonic 3, la joven actriz Alyla Browne sabe llevar muy bien las emociones que le exige el personaje. 

Aunque el centro es la araña, quizás no cause tanto temor a los aracnofóbicos, pues Sting en todo momento se nota que es una araña digitalizada, lo que podría quitar un poco el impacto cuando aparece incluso siendo una araña gigante. Sin embargo esa falla es bien trabajada con el guion, evitando mostrarnos en todo momento al arácnido y jugando un poco con el suspenso acerca de en que momento va a aparecer.

La película también de alguna manera toca el drama, creando un conflicto familiar, que si bien cojea un poco pues mismo la imagen materna no suma ni resta.  Esta arista tampoco tiene tanta relevancia porque no creemos que los espectadores de este tipo de cintas le importe mucho si aparecen o no estas temáticas.   

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Sting: Araña Asesina es una propuesta ligera y entretenida que combina humor, suspenso y una pizca de drama familiar. Ideal para quienes buscan diversión sin mayores pretensiones.

Dirección: Kiah Roache-Turner
País: Australia
Año: 2024
Duración: 92 minutos.
Elenco: Noni Hazlehurst, Jermaine Fowler, Alyla Browne

“The Moon: Sobreviviente ” una odisea de colaboración y esperanza

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SINOPSIS: En el 2029, la primera misuón a la Luna de Corea del Sur, fracasa en un terrible accidente, años despuén lo vuelven a intentar, pero una nueva tragedia en el espacio deja vivo a un solo tripulante, que decide completar la misión, sin saber a lo que se va a enfrentar.
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Desde el 2 de enero podremos ver esta película protagonizada por  Do Kyung-soo (D.O.), miembro del popular grupo de K-pop EXO, protagoniza esta intensa historia de valentía, donde la innovación tecnológica y el espíritu humano se enfrentan a momentos que desafían los límites de la resistencia. 

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La película respecto al nivel de actuaciones es bastante convincente. Do Kyung-soo, quien ofrece una interpretación convincente como el astronauta aislado, podemos empatizar con lo que vive, con su angustia y sufrimiento.  Por su parte Sol Kyung-gu, cuyo papel aporta profundidad emocional a la narrativa. El resto de los personajes cumplen el rol necesario para avanzar en la trama, no destacan tanto pero son importantes para la  historia en conjunto.

La película se distingue por su impresionante cinematografía, con contrastes entre los fríos paisajes lunares y la calidez de la Tierra, creando una experiencia visualmente impactante. El uso del CGI es notable, logrando una representación realista del espacio, aunque en algunos momentos presenta ligeras inconsistencias que no disminuyen el mérito del conjunto.

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La trama básicamente de recate es cierto que no es novedad y se ha visto en otra películas, quizás lo más importante en este caso en el mensaje de colaboración y ayuda. El problema de la película recae en eso, ya se entiende hacía donde va, lo que se va volviendo reiterativo. Sabemos que  el astronauta intenta sobrevivir y espera ayuda. La fórmula de que si se salva o no se repita una y otra vez y comienza a perder impacto. A nuestra manera de ver perfectamente se podría haber reducido la película media hora y no cambiaba demasiado, al ser predecible la sobrecarga emocional pierde fuerza; aunque  las fanáticas de D.0 seguramente agradecerán de verlo más tiempo en pantalla.

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The Moon: Sobreviviente es una película que, más allá de su narrativa de supervivencia, invita a reflexionar sobre la colaboración humana, la solidaridad internacional y el sacrificio que acompaña a las grandes hazañas de la humanidad. Llena de momentos emocionantes y escenas que ponen al límite tanto la tecnología como el coraje humano, ofrece una historia tan espectacular como conmovedora. Le damos un 6/10

Dirección: Kim Yong Hwa
País: Corea del Sur
Año: 2023
Duración: 129 minutos.
Elenco:
Sul Kyung Gu, Doh Kyung Soo, Kim Hee Ae

Nosferatu: El mítico vampiro vuelve con todo

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SINOPSIS: Una historia gótica de obsesiones entre una joven atormentada en la Alemania del siglo XIX
y el antiguo vampiro de Transilvania que la acecha, trayendo consigo un inefable horror.
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Póster oficial de Nosferatu (2024)

La nueva propuesta de Robert Eggers llega a reinvigorizar el género del terror gótico con Nosferatu, la nueva adaptación de la obra homónima de 1922 inspirada en la obra de Bram Stoker, Dracula. Con un ele’nco espectacular que nos sorprendió de principio a fin, Nosferatu brilla por su impecable y sombría cinematografía, oscuros temas y por supuesto, por su terrorífico y enigmático protagonista, el Conde Orlok, interpretado por Bill Skarsgard.

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Lily-Rose Depp como Ellen Hutter

Situada en Alemania de 1838, la joven y recien casada Ellen Hutter (Lily-Rose Depp) esconde un terrible vinculo con una oscura criatura que la desea desesperadamente. Con tal de ascender en su carrera, Thomas Hutter acepta la tarea de ir personalmente al misterioso castillo del Conde Orlok para hacerle firmar las escrituras de su nueva residencia en el pueblo de los Hutter, pero Ellen teme que la partida de su esposo sea el principio de su perdición.

Los tonos fríos y oscuros que dominan la cinematografía de Nosferatu hacen casi palpable la atmósfera fría y desolada en la que se ven envueltos los personajes; vayan con chaqueta a ver la película porque el aire acondicionado de las salas y la película les producirá frío. El diseño de vestuario es impecable, con una infinidad de detalles que aportan a la inmersividad de la experiencia. A su vez, los temas desarrollados en Nosferatu tal y como la lujuria, el deseo y las connotaciones religiosas que estos temas contienen, hacen de esta una película de lo más controversial y relevante posible.

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Nicholas Hoult como Thomas Hutter en su primer escena con Nosferatu (Bill Skarsgard)

La actuación de Lily-Rose Depp es increíble a un nivel escalofriante. Es inevitable comparar su aparición en The Idol con este nuevo rol, y déjennos decirles que Lily simplemente necesitaba una oportunidad para demostrar lo que tiene. Su apariencia casi enfermiza la hacen la protagonista ideal para este macabro relato. Los personajes de Nicholas Hoult, Aaron Taylor Johnson y Willem Dafoe también fueron fantásticos, ya que muestran emociones genuinas ante las consecuencias del horror que Nosferatu desata para acercarse a Ellen.

El Nosferatu de Bill Skarsgard es impactante tanto en apariencia como en actitud. Bill se luce una vez más personificando una pesadilla de personaje, llegando a ser irreconocible una vez más gracias a su perturbadora nueva apariencia imponente pero marchita, y con su cambio de voz tan escalofriante que nos hizo sentir exactamente lo que Thomas siente en su primer encuentro con él. Al hacer que Nosferatu aceche en las sombras, su presencia se vuelve aún más imponente, y mientras menos muestra la película, el terror es más grande. Sin embargo, (SPOILER) ese bigote enorme nos bajó la adrenalina, ya que es muy parecido al que usa Jim Carrey en Sonic.

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Willem Dafoe como el profesor Albin

En conclusión, Nosferatu se mete de lleno en la esencia del cine gótico y relata una historia escalofriante de posesión, lujuria y sangre. Con un elenco de lujo, Robert Eggers vuelve a sorprender con una historia cruda y original que nos dejó helados, rindiéndole tributo al pasado y asentando una nueva y fresca interpretación de este mítico conde. Nosferatu es definitivamente una película que no se pueden perder en cines desde este 2 de enero. Le damos un 8/10.

Dirección: Robert Eggers
Año: 2024
País: Estados Unidos
Duración: 2 horas y 12 minutos
Elenco: Lily-Rose Depp, Nicholas Hoult, Bill Skarsgard, Willem Dafoe, Aaron Taylor Johnson, Emma Corrin

Aquí: Una experiencia visual sobre el tiempo y la vida

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SINOPSIS: Ambientada en una única habitación, “Here” sigue a varias familias de diferentes generaciones que formaron en esa habitación su hogar. Una historia de amor, pérdida, risas y vida, que nos hará viajar desde un pasado muy remoto hasta un futuro próximo. Un viaje a lo largo de cientos de miles de años que transcurre, de principio a fin, en un solo lugar: aquí.
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Robert Zemeckis, el director de grandes clásicos del cine como  la trilogía de  Volver al futuro o Forrest Gump (1994), 30 años después de esta gran película reúne justamente a los protagonistas de aquel film en una nueva experiencia visual en Aquí (Here), cuyo estreno es este 2 de enero.

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La película está contada sin movimientos de cámara. Desde nuestros asientos en la sala de cine veremos el pasar de varias generaciones en un mismo lugar. Donde lo más importante es el aquí  y ahora. En este viaje a través del tiempo desde épocas ancestrales lo que veremos es la vida misma y todo lo que ella implica como la familia, nacimientos, muertes, amores.
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Quizás algunos puedan cuestionar si la narrativa estática es verdaderamente innovadora, dado que es lo que se podría ver en una obra teatral. Sin embargo, Zemeckis utiliza un montaje inspirado en cuadrículas que evocan viñetas de cómic. Estas transiciones entre escenas de distintas épocas crean una experiencia visual hipnótica, capturando los cambios y permanencias a lo largo del tiempo. Este recurso es un guiño a la novela gráfica homónima de Richard McGuire en la que se basa la película.

Más allá de la estructura narrativa, el verdadero valor de Here radica en su exploración de la experiencia humana. Aunque hay una historia principal protagonizada por Richard (Tom Hanks) y Margaret (Robin Wright), no es tanto lo que se cuenta, sino cómo se conecta con hechos que nos resultan universales: momentos que hemos vivido o que podríamos experimentar como espectadores.

El hecho de que se nos muestren momentos de la historia desde los orígenes de la humanidad, pasando por distintas generaciones también nos ayuda a conocer algunos elementos culturales y tradiciones ocurridas a lo largo de la historia. 

No obstante, algunos aspectos técnicos pueden desconcertar. El CGI, utilizado para rejuvenecer a los actores principales, es inconsistente. En varias escenas, especialmente en primeros planos de Tom Hanks, se percibe una desconexión entre el rostro y el cuerpo, lo que afecta la inmersión. Aunque no es un fallo grave, distrae en momentos clave.

La banda sonora, compuesta por Alan Silvestri (colaborador habitual de Zemeckis en Forrest Gump y Volver al Futuro), es impecable. La música aporta profundidad emocional a cada escena, guiando al espectador a través del tiempo y las emociones de los personajes.

Por otro lado, aunque la reunión del elenco de Forrest Gump apela a la nostalgia, no parece haber una razón narrativa más allá de este guiño. La edad avanzada de los actores hizo necesario el uso intensivo de CGI, lo que añade un reto técnico que no siempre se resuelve de manera satisfactoria. Además, algunas subtramas no logran ser tan cautivantes como podrían, lo que resta algo de fuerza al conjunto.

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Aquí  en resumen es más que una película; es una meditación sobre el tiempo, la memoria y la naturaleza fugaz de la existencia humana. Aunque no está exenta de fallos, como ciertos desajustes en el CGI, su innovador enfoque visual y emocional la convierten en una experiencia que invita a reflexionar sobre nuestra propia vida y el impacto de los lugares que habitamos. Una película que nos recuerda que, al final, lo más importante siempre estará aquí y ahora. Para nosotros es un 7/10

Dirección: Robert Zemeckis
País: Estados Unidos
Año: 2024
Duración: 1 hora y 44 minutos.
Elenco: Tom Hanks, Robin Wright, Paul Bettany

María Callas: El canto silenciosa de la diva

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SINOPSIS: La tumultuosa, bella y trágica historia de la vida de María Callas (Angelina Jolie), la cantante de ópera más importante del mundo, revivida y re imaginada durante sus últimos días en el París de los años setenta.
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Este jueves 2 de enero llega a las salas MARIA CALLAS, la película que cierra la trilogía del director Pablo Larraín acerca de mujeres icónicas del siglo XX. En este largometraje veremos los días finales de la gran soprano, donde reflexiona sobre su identidad y de su vida.

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Antes de hablar de la película, ¿quién fue María Callas? Conocida como “La Callas” o “La Divina”, fue una de las cantantes de ópera más grandes del siglo XX. Nació en Nueva York en una familia de inmigrantes griegos y enfrentó una infancia complicada. A los 13 años regresó a Grecia con su madre, donde comenzó su formación en el Conservatorio de Atenas. Su talento la llevó a destacarse rápidamente en papeles icónicos como Tosca y Norma, consolidándola como una leyenda de la música.

María Callas es la tercera biopic sobre mujeres del siglo XX dirigida por el chileno Pablo Larraín, tras Jackie (2016), donde Natalie Portman interpreta a Jackie Kennedy, y Spencer (2021), con Kristen Stewart en el papel de Lady Di. Estas tres películas forman una triada que explora la vida interior de mujeres fuertes en un mundo dominado por hombres.

Así como todas estas películas llevan de título el nombre de las protagonistas, quizás está demás decir que lo más importante es justamente el personaje, su mundo interior. En el caso de María nos adentramos en su mundo durante su última semana de vida. Aquí hay que destacar de que no se trata de mostrar exactamente que sucedió con La Callas, porque de cierto modo no hay certeza, pero ahí está la magia del cine de poder a través de la ficción completar la realidad.

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El peso de la película cae en Angelina Jolie, quien realiza una actuación notable. Aunque es cierto que físicamente no es tan parecida a María Callas eso pasa a segundo plano aquí la actuación sobresale más que la película en si. Así como en Jackie y Spencer las actrices tuvieron nominaciones por su papel, es muy probable que lo mismo suceda con Jolie. Es que de parte de la actriz hubo un compromiso absoluto; Jolie dedicó seis o siete meses a clases intensivas de canto, aprendizaje del italiano y estudios sobre ópera. El director le exigió que entendiera profundamente a Callas, no solo como cantante, sino como artista y persona. Aún así hay escenas en que se nota la utilización de grabaciones originales de Callas, pero no se puede negar el esfuerzo de Jolie.  

Los personajes secundarios están cuidadosamente dosificados para complementar a La Callas sin robarle protagonismo. Los sirvientes y el periodista que aparecen en la trama aportan una perspectiva humana e interesante, pero nunca desvían la atención del foco principal. Lo mismo ocurre con el magnate Aristóteles Onassis 

Como ya se ha mencionado, la película nos cuenta acerca de los últimos días de La Callas, pero vamos conociendo hechos de  su vida por medio de flashbacks y recuerdos. No queremos entrar en spoilers y como se van mezclando recuerdos y alucinaciones para contarnos la historia de la diva de la ópera, en este viaje que si bien ocurre la última semana de vida es profundo y refleja la angustia silenciosa que la acompaña, manteniendo un equilibrio entre la reflexión y el dramatismo.  

Ed Lachman es el director de fotografía y para este aparatado usaron una cámara en constante movimiento para reflejar la vida de Callas como si estuviera en un escenario. Las diferencias de color transmiten su mundo interior cálido (tonos cálidos) frente a un exterior frío e invasivo (azules y verdes). Hay mucho cuidado y detalle también en la producción y vestuario, de hecho hay algunos vestidos que aportan visualmente a conectar con el estado visual de La Callas, lo que es simplemente maravilloso.

A gusto personal, no nos parece la mejor de las películas de la trilogía. No obstante es una obra digna de ser vista.

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MARIA. Angelina Jolie as Maria Callas in Maria.

Maria Callas aunque no alcanza la excelencia de Jackie o Spencer, es un retrato íntimo y visualmente cautivador que logra sumergirnos en el mundo interior de una de las figuras más icónicas del siglo XX. Es una experiencia que vale la pena, especialmente por la interpretación comprometida de Angelina Jolie y la visión única de Pablo Larraín. Para nosotros es un 8/10

Dirección: Pablo Larraín
País: Estados Unidos
Año: 2024
Duración: 124 minutos.
Elenco: Angelina Jolie, Kodi Smit-McPhee, Alba Rohrwacher