SINOPSIS: En un futuro devastado por la destrucción ambiental, Animalia Paradoxa sigue la vida de una criatura humanoide llamada Animalia, cuyo sueño es alcanzar el océano, un lugar que solo conoce a través de antiguas grabaciones. Mientras lucha por sobrevivir en un mundo desolado y sin agua, Animalia se refugia en su imaginación para escapar de su realidad. En esta atmósfera sombría y surrealista, la película explora la resiliencia y la búsqueda de un mundo mejor, en medio de un paisaje devastado y repleto de misterios que nunca serán explicados.
Ayer, 5 de diciembre, se estrenó en cines “Animalia Paradoxa”, gracias a Storyboard Media. Esta es la esperada película dirigida por el aclamado cineasta Niles Atallah.
La cinta se centra en la vida de Animalia, una criatura humanoide que, en un futuro devastado por la destrucción ambiental, sueña con alcanzar el océano, un lugar que solo conoce a través de antiguas grabaciones.
Animalia Paradoxa es una experiencia cinematográfica única dirigida por Niles Atallah que combina animación, ciencia ficción y cine experimental para transportarnos a un mundo postapocalíptico devastado por la destrucción ambiental. Con una duración de 83 minutos, esta obra desafía las convenciones narrativas del cine tradicional, creando un apocalipsis sensorial y visual que ha cautivado tanto a críticos como a audiencias desde su estreno en festivales internacionales como el prestigioso Festival de Cine de Rotterdam y el Fantasia Fest 2024.
La película sigue la historia de Animalia, una extraña criatura humanoide interpretada por Andrea Gómez, que lucha por sobrevivir en un entorno donde el agua es un recurso prácticamente inexistente. Inspirada en la narrativa de La Sirenita de Hans Christian Andersen, la cinta reimagina la resiliencia y el deseo de alcanzar lo inalcanzable a través de una atmósfera cargada de misterio y poesía visual. A medida que Animalia se embarca en su sueño de llegar al océano, el filme aborda temas profundos como el consumismo, la devastación ambiental y la necesidad de esperanza en tiempos de crisis.
Con un diseño de producción innovador, desarrollado en parte en las ruinas del Centro Arte Alameda, Animalia Paradoxa logra fusionar lo onírico con lo pesadillesco, creando una obra visualmente simbólica que nos sumerge en un universo de imágenes impactantes y preguntas sin respuestas definitivas. Atallah describe el cine como una forma de soñar, y en este filme, esa filosofía queda plasmada en cada cuadro, alejándose de los géneros convencionales para construir una experiencia que es tanto inquietante como evocadora.
Esta película no solo desafía los límites de la narrativa tradicional, sino también los de la imaginación, invitándonos a reflexionar sobre nuestro futuro y el impacto de nuestras acciones en el planeta. Con una protagonista que desafía las convenciones humanas, Animalia Paradoxa se erige como una obra profundamente relevante en un momento crítico para nuestro mundo. No te pierdas la oportunidad de experimentar esta fascinante y perturbadora mirada al colapso y la resiliencia.
Año: 2024 País: Chile Duración: 1 hora y 20 minutos Dirección: Niles Atallah
SINOPSIS: 183 años antes de los eventos narrados en la trilogía original de películas, “El Señor de los Anillos: la Guerra de los Rohirrim” cuenta el destino de la Casa de Helm Hammerhand, el legendario Rey de Rohan. Un ataque repentino de Wulf, un astuto y despiadado caballero de Dunlending que busca venganza por la muerte de su padre, fuerza a Helm y a su pueblo a hacer una audaz última resistencia en la antigua fortaleza del Hornburg— una poderosa fortaleza que más tarde será conocida como la Cuesta de Helm. Encontrándose en una situación cada vez más desesperada, Héra, la hija de Helm, debe convocar la voluntad para liderar la resistencia contra un enemigo mortal que busca su total destrucción.
Ya es posible encontrar en las salas de cine del país a El Señor de los Anillos: la Guerra de los Rohirrim. Una historia que ocurre 183 años antes de los acontecimientos ocurridos en la trilogía de Peter Jackson. En esta película veremos como Helm, rey de Roham se defiende de un ataque de duelendinos. Esta historia es posible encontrarla en los apéndices escritos por J.R.R. Tolkien.
Aunque la base de la historia proviene de los escritos de Tolkien, la película otorga un protagonismo significativo a Hera, la hija del rey Helm. No obstante, su desarrollo como personaje puede sentirse algo arquetípico, al igual que el antagonista, Wulf, quien carece de matices profundos.
Para los fanáticos del universo de Tolkien, la película está repleta de referencias y guiños que serán un deleite. Sin embargo, también resulta accesible para quienes no están familiarizados con El Señor de los Anillos, ya que al ser una precuela, que narra acontecimientos ocurridos alrededor de 200 años antes, no requiere conocimientos previos para disfrutarla plenamente.
La animación como se puede percibir es al estilo de las animaciones japonesas. Pero no se siente que existan esos códigos del anime; que en muchas ocasiones pueden caer en una exageración ya sea de las acciones o de las emociones de los personajes; sino que se siente como una historia más ocurrida en Tierra Media; sobre todo por todas las locaciones que aparecen a lo largo de la película las cuales están dibujadas con un grandes detalles haciéndolas muy llamativas.
Un aspecto que podría haber sido mejor aprovechado es el uso de la animación para plasmar batallas más épicas. Quizás las comparaciones con la trilogía de Peter Jackson elevan nuestras expectativas y hacen que ciertas escenas parezcan más contenidas de lo deseado.
Respecto a las voces hay varias reconocibles de quienes participaron el la Trilogía de El Señor de Los Anillos como es el caso de Miranda Otto, quien dio vida a Eowyn. Brian Cox quien le da la voz al Rey Helm, hace un excelente trabajo, así como el reto del elenco.
La música que tiene la película es un gran punto a favor, con melodías épicas como ha sido toda la cinematografía de ESDLA.
El Señor de los Anillos: La guerra de los Rohirrim en resumen: ambientada 183 años antes de la trilogía original, esta película animada narra la defensa del rey Helm contra los dunlendinos, otorgando protagonismo a Hera, su hija. Con una animación estilo japonés que evita los excesos del anime y una banda sonora épica, es un deleite para los fans de Tolkien y accesible para nuevos espectadores. Aunque las batallas podrían ser más grandiosas, la película captura la esencia de la Tierra Media con calidad visual y un sólido elenco de voces.
SINOPSIS: Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce.
Hoy, 5 de diciembre, se estrena en cines “La habitación de al lado”, gracias a Warner Bros. Pictures Chile. Este es el primer largometraje en inglés del célebre cineasta español Pedro Almodóvar, por el cual ha recibido el premio León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 2024.
La cinta se centra en el reencuentro de Ingrid y Martha, dos antiguas amigas cuyos caminos divergentes las llevaron a vidas completamente distintas. Tras años de separación, vuelven a cruzarse en una situación tan extrema como cargada de una inesperada dulzura.
La obra cautiva al público con la intensidad emocional característica del cine de Pedro Almodóvar, consolidándose como una pieza que no solo conmueve, sino que también deja una marca profunda en sus espectadores. Con una narrativa que se adentra en las complejidades de la amistad y la resiliencia femenina, esta película logra conectar con los aspectos más universales de las relaciones humanas, presentando un mensaje tan íntimo como poderoso.
La cinta, que fue seleccionada para clausurar el 36° Festival Internacional de Cine de Viña del Mar, cuenta con un elenco estelar encabezado por Julianne Moore, Tilda Swinton y John Turturro. Moore y Swinton, en particular, dan vida a dos mujeres que, pese a sus diferencias, comparten una fragilidad única que las conecta. Sus interpretaciones dotan a los personajes de una profundidad extraordinaria, transmitiendo emociones que se sienten tan reales como desgarradoras. La química entre ambas actrices es palpable y es el núcleo emocional de la historia.
Más allá de su potente actuación, la película celebra la amistad entre mujeres como un espacio de apoyo mutuo, fuerza y resistencias frente a las adversidades. Almodóvar utiliza este vínculo para reivindicar el derecho de cada persona a vivir según sus propios términos, explorando cómo las protagonistas luchan por ser fieles a sí mismas en un mundo que constantemente intenta moldearlas o limitar sus elecciones. Esta reivindicación no solo es conmovedora, sino que también refuerza la conexión del espectador con la historia.
El estilo visual de Almodóvar se mantiene como un componente esencial de la película, con colores vibrantes y una dirección artística impecable que enmarca la vulnerabilidad y fuerza de las protagonistas. Cada escena parece diseñada para transmitir tanto belleza como emoción, recordando al público que el cine es un arte visual y narrativo en equilibrio.
En definitiva, esta película no solo es una celebración de las relaciones humanas, sino también un homenaje a la valentía de quienes eligen vivir auténticamente. Con un mensaje que resuena en un nivel universal y actuaciones memorables de un elenco de primera línea, la obra confirma una vez más por qué Almodóvar es uno de los grandes maestros del cine contemporáneo.
Año: 2024 País: España / Estados Unidos Duración: 1 hora y 47 minutos Dirección: Pedro Almodóvar
Elenco: Julianne Moore, Tilda Swinton, John Turturro, entre otros.
SINOPSIS:Todos los sueños del joven Edmundo Dantès están a punto de hacerse realidad, y por fin podrá casarse con el amor de su vida, Mercedes. Pero su éxito inspira la envidia desde varios frentes. Traicionado por sus rivales y denunciado como miembro de una conspiración pro-Bonaparte, es encarcelado sin juicio en el Château d’If. Su compañero de prisión, Abbé Faria, le habla del legendario tesoro escondido en la isla de Montecristo, y Dantés sueña con escapar y urdir un plan extraordinario para vengarse de sus poderosos enemigos.
La adaptación de este clásico de la literatura llega a las pantallas este 5 de diciembre. La película que adapta la novela de Alexandre Dumas se estrenará exclusivamente en Cinépolis, en aproximadamente 20 cines de la cadena a lo largo del país.
Desde su estreno mundial en el Festival de Cannes en mayo de 2024, donde recibió una ovación de casi 11 minutos, El Conde de Montecristo ha sido aclamada por la crítica y el público en diversos países. La película ha sido elogiada por su fiel adaptación de la obra original y la calidad de sus interpretaciones, consolidándose como un éxito de taquilla en Europa y otras regiones.
No es primera adaptación al cine de este clásico de la literatura. La primera adaptación fue en 1934 The Count of Monte Cristo (1934) , desde ese entonces han sido múltiples películas, destacando la versión del 2002 El Conde de Montecristo . Así como también series televisivas, incluso en Chile se hizo una serie protagonizada por Gonzalo Valenzuela. Sin embargo, esta nueva versión tiene un valor especial: es la primera realizada en su país de origen, Francia, y, sin duda, se posiciona como una de las mejores hasta la fecha.
La historia para quien no conoce la novela. Nos cuenta como el joven Edmund Dantes, quien recientemente ha sido ascendido a capitán y pretende casarse con el amor de su vida, Mercedes. Es traicionado y encerrado injustamente en prisión. Luego de años de encierro se dedica a realizar una meticulosa venganza hacía quienes lo engañaron.
El guion de la película está demasiado bien escrito, porque siendo una película de tres horas no aburre, no se siente extensa. La novela de por sí ya es bastante larga, así que lograr una adaptación 100% idéntica en pantalla es un imposible, no obstante en la cinta se logra captar toda la esencia de este clásico literario. En el guion por medio de un buen ritmo que sabe en que momentos darles mayor énfasis, atrapa la atención del espectador, dándonos una experiencia cinematográfica disfrutable.
Visualmente, la película es una joya. Como obra de época, exige un diseño de producción sobresaliente, y esta entrega no decepciona: las locaciones y decorados son deslumbrantes, el vestuario transporta al espectador al siglo XIX, y el maquillaje refleja con precisión el paso del tiempo en los personajes. Además, la cinematografía emplea una variedad de planos que la hacen visualmente cautivadora.
Las actuaciones son sobresalientes, sobre todo lo realizado por Pierre Niney brillando en su interpretación de Edmond Dantès. Desde el joven marinero lleno de sueños hasta el implacable Conde de Montecristo, Niney captura cada matiz del personaje con una intensidad que lo convierte en el eje de la película.
Otro punto muy destacable es su banda sonora original, la cual es sumamente inmersiva y acompaña de una manera fabulosa cada una de las escenas. Dándole ese toque épico y emocionante. El trabajo realizado por Jérome Rebotier es magnífico redondea esta adaptación como una experiencia cinematográfica inolvidable.
El conde de Montecristo (2024) Esta nueva adaptación francesa del clásico de Alexandre Dumas deslumbra con una fidelidad que honra la obra original. Con una dirección visual impecable, actuaciones memorables y una banda sonora envolvente, esta película ofrece una experiencia cinematográfica épica y cautivadora. Un estreno imperdible para los amantes del cine y la literatura.
Dirección: Alexandre de La Patellière, Matthieu Delaporte País: Francia Año: 2024 Duración: 2 horas y 58 minutos.
Elenco: Anais Demoustier, Anamaria Vartolomei., Lauretn Lafitte, Pierre Niney
SINOPSIS: Un depredador implacable persigue a una mujer herida a través de la naturaleza salvaje de Oregón. La mujer hace todo lo posible por burlar a su atacante, pero con cada momento tenso, se debilita y pierde fuerzas. Él es un hombre con una misión, y es solo cuestión de tiempo antes de que atrape a su presa.
Mañana, 5 de diciembre, se estrena en cines “Asesino serial” (“Strange Darling”), gracias a BF Distribution. Este thriller psicológico dirigido por JT Mollner ha sido aclamado como uno de los mejores del año.
La cinta se centra en la intensa persecución entre una mujer herida y un depredador implacable en los bosques salvajes de Oregón, explorando la lucha por la supervivencia, el desgaste físico y psicológico, y la tensión constante mientras ambos personajes se enfrentan en un juego mortal de resistencia y estrategia.
Con un 95% en Rotten Tomatoes, Asesino Serial ha cautivado tanto a la crítica como al público. La película, que debutó en el prestigioso Festival de Sitges, ha sido elogiada por su guion audaz, actuaciones despiadadas y un estilo visual que la convierte en una experiencia cinematográfica visceral.
Protagonizada por Willa Fitzgerald, Kyle Gallner y Barbara Hershey, este inquietante thriller psicológico deja al espectador con la adrenalina por las nubes mientras explora el terror, la resistencia y, sorprendentemente, el amor en medio de una experiencia traumática.
La narrativa de Asesino Serial no sigue un orden lineal, lo que añade un nivel de intriga y profundidad que atrapa desde el principio. Según el propio Mollner, el desarrollo de la historia ocurrió en seis capítulos desordenados, empezando por el medio y culminando con un final diseñado para encajar perfectamente en su lugar. Esta estructura no lineal, combinada con los colores vibrantes y saturados que contrastan con los tonos oscuros del bosque, crea una atmósfera eléctrica y envolvente que amplifica cada giro inesperado de la trama.
La película destaca no solo por su estética y narrativa, sino también por las actuaciones magistrales de su elenco. Willa Fitzgerald y Kyle Gallner brillan con interpretaciones que capturan la intensidad emocional y psicológica de sus personajes, mientras que Barbara Hershey aporta una profundidad inquietante con su experiencia y presencia en pantalla. El guion, lleno de giros inesperados y momentos de alta tensión, hace que el público no pueda apartar la mirada, logrando una experiencia que no solo es emocionante, sino también absorbente.
Asesino Serial se presenta como una película oscura, sangrienta y vanguardista, perfecta para los amantes de los thrillers psicológicos y el género de asesinos seriales. La dependencia de los giros y su abundante estilo pueden dividir opiniones, pero para quienes abracen su audacia, el resultado será un viaje inolvidable y lleno de adrenalina. Los que se acerquen a la cinta sin expectativas claras, dispuestos a dejarse llevar por su ritmo y sorpresas, disfrutarán al máximo esta experiencia eléctrica.
Con una narrativa intensa, efectos visuales estelares y una dirección atrevida, Asesino Serial podría consolidarse como una de las mejores películas de terror de 2024. Su capacidad para mantener al público al borde de su asiento y para ofrecer una narrativa compleja y poderosa garantiza que muchos querrán volver a verla desde el principio apenas empiecen los créditos. Una obra imprescindible para los fanáticos del género.
Año: 2023 País: Estados Unidos Duración: 1 hora y 37 minutos Dirección: JT Mollner
Elenco: Barbara Hershey., Kyle Gallner, Willa Fitzgerald, entre otros.
SINOPSIS: Sigue a dos jóvenes religiosas que se involucran en un juego del gato y el ratón en la casa de un extraño.
Póster oficial de Hereje (2024)
Con un elenco de lo más acertado, un guion que te volará la cabeza, y una puesta en escena llena de suspenso, Hereje consiguió dejarnos al borde de la silla con su interesante propuesta. Dirigida por el dúo de directores Scott Beck y Bryan Woods, esta cinta cuenta la historia de las hermanas Paxton y Barnes, dos jóvenes mormonas que, al servicio de su comunidad, visitan al señor Reed con tal de enseñarle más sobre su religión. Aunque la misión es convertirlo, las inocentes chicas caen en una trampa de proporciones bíblicas en donde su fe será puesta a prueba.
Un elenco fenomenal
Uno de los mejores aspectos de Hereje es su elenco, ya que al ser solo tres personajes los que sostienen la película, esta ahonda exquisitamente en la psique de cada uno de ellos. El encanto de Hugh Grant favorece en demasía a su personaje, ya que el desplante intelectual del señor Reed no sería tan atractivo si no fuera a su vez sumamente carismático, de otro modo, la dinámica entre las hermanas y él no funcionaría, mucho menos su trampa. Sophie Thatcher y Chloe East se lucen en sus roles también, ya que la vulnerabilidad e ingenuidad que podemos ver al principio en sus respectivos personajes, lentamente se convierte en fortaleza, lo que equilibra la balanza y hace del juego en pantalla mucho más entretenido de ver.
Hugh Grant como el enigmático Mr. Reed
La forma en que se desarrolla
Hereje es poseedora de un guion que a medida que avanza, se vuelve cada vez más interesante con sus bien elaboradas exposiciones del tópico religioso en cuestión (no olvidaremos la ingeniosa analogía de los Monopoly o de “Creep” de Radiohead para hablar sobre las múltiples religiones), sus debates entre personajes que cada vez se vuelven más audaces, y el desarrollo de la base de esta película, el juego del gato y el ratón entre el señor Reed y las hermanas Paxton y Barnes. Aunque amamos el concepto intelectual de la película, en cuanto al desarrollo del aspecto “de terror”, Hereje cae algo corta.
Después de cautivar a la audiencia con los monólogos del señor Reed, una vez que las chicas bajan al sótano, Hereje no consigue mantener el ritmo emocionante que su primer acto establece. El suspenso se convierte en pánico, sin embargo, el maquiavélico plan del señor Reed se torna algo lento y un poco predecible. El resultado de la interrogante que aqueja al señor Reed nos resultó algo decepcionante, ya que no descubrimos algo revolucionario ni mucho menos sorprendente, y solo se revela que el hombre está demente, cosa que era obvia desde un principio, pero el construir una trama tan intelectualmente refrescante requería un resultado a la altura. Sin embargo, su final abierto es un buen toque que mantendrá viva la conversación sobre la película más allá de sus temas centrales.
Sophie Thatcher y Chloe East como las Hermanas Barnes y Paxton
En conclusión, Herejeconsigue explorar sus temas de una manera entretenida e interesante, convirtiendo esta película, que pudo tratar sobre un simple secuestro, en una obra compleja y emocionante. El debate de la religión se nota que fue preparado meticulosamente, e insta a la audiencia a generar sus propios cuestionamientos, mientras mantiene una posición neutra dentro de la discusión. Lo que es curioso es que esta película genera más suspenso a través de sus debates que en sus escenas más fuertes, pero sin su maravilloso elenco esto no habría sido el caso. Le damos un 8/10.
Dirección: Scott Beck y Bryan Woods Año: 2024 País: Estados Unidos Duración: 1 hora y 51 minutos
SINOPSIS: Él ha llegado para hacer historia. Sus espectáculos son únicos, diferentes. Pero… ¿qué se esconde tras la magia de Víctor Mayfair? Corre el mes de octubre de 1885 y el Egyptian Hall, un legendario teatro en Londres, se rinde ante el talento de un joven ilusionista de fama internacional. Sus espectáculos son elegantes, atrevidos y sorprendentes, y logran entusiasmar por igual al pueblo y a las élites. Pero más allá del humo y de los espejos, de los palacios y de las guaridas del West End, Víctor Mayfair ha llegado a la ciudad con un único propósito que cumplir, y no se detendrá ante nada para lograrlo. Porque sus espectáculos, lejos de ser un mero entretenimiento, son una poderosa pieza en un plan que sacudirá, sin clemencia, los cimientos de la alta aristocracia inglesa. Y mientras tanto, entre las sombras de la Abadía de Westminster, algo oscuro y tenebroso ha vuelto a resurgir. Damas y caballeros… ¡Sean bienvenidos a una nueva velada en el Egyptian Hall!
En noviembre llegó a Chile Una ilusión de venganza de Ana Trigo, una novela autoconclusiva que mezcla una ambientación victoriana, ilusionistas del siglo XIX, una historia de venganza y misterio. Es un libro que realmente nos sorprendió para bien, una gran historia que nos recordó a El ilusionista.
Alistair está obsesionado con la magia, así que cuando el gran mago Victor Mayfair llegue a Londres hará todo lo que esté en su poder para trabajar para él. Sin embargo, al hacerlo terminará metido en una lucha contra órdenes secretas, hombres poderosos y una temible venganza.
Como dijimos, este libro nos recordó a la cinta del 2006 El ilusionista, por su estética, la temática y hasta por la misma trama. Así que si amaron esa película y alguna vez buscaron algo similar, este libro es para ustedes. La historia fue narrada, principalmente, por Alistair, un chico de clase alta obsesionado con el ilusionismo y poder volverse un mago famoso. Fue interesante que a través de sus ojos conocimos el eje de la historia: Victor Mayfair. Alistair aportó una visión más ingenua y de descubrimiento, pues era a través de sus capítulos que fuimos entendiendo lo que sucedía y, a la vez, tener el componente más emotivo.
“La magia es peligrosa, mucho más de lo que cualquiera podría imaginar desde su cómodo asiento en un teatro. La magia es bella y fascinante, sí, pero exige un alto precio. Y el que hemos pagado en esta familia ha sido demasiado alto”.
Adicional a Alistair, hubo capítulos en los que eran otros personajes quienes narraban, en particular, tres hombres poderosos que temían la llegada de Victor por la amenaza que significaba para ellos. Por medio de sus conversaciones crípticas y planes fuimos entendiendo qué los conectaba con el mago. Estos capítulos no fueron tan claros ni aportaron mucho durante la lectura, pero sí que lo hicieron al final entendiéndolos en restrospectiva.
Otro personaje importante y que, de nuevo nos recordó a El ilusionista, fue un capitán de la policía llamado Poe. Nos gustó mucho el rol que jugó en la historia y cómo fue evolucionando desde ser alguien que desconfiaba de Victor y Alistair para convertirse en uno de los personajes más queridos. De hecho, tuvo un rol importante para el final del libro y nos gustó mucho el cómo estuvo estructurado este final con el mismo prólogo. También nos encantó el trabajo de investigación de la autora para contar la historia, todo el componente de ambientación histórico, de los magos del siglo XIX y el esfuerzo de la autora de ser lo más apegada a la realidad.
Una ilusión de venganza se sintió como una historia llena de historias y funcionó bastante bien. Pues desde los ojos de Alistair escuchamos cómo alguien le contó cómo conoció a Victor, y ahí tuvimos un capítulo narrado por esa persona mientras contaba la historia. O el mismo Victor contándole su historia, o incluso Victor contándole la historia que alguien más le contó. Fue un libro cuyo protagonista, Victor, resultó un misterio gran parte del libro y eso le dio un toque muy interesante, pues el personaje más importante era el del que menos sabíamos.
“En una vida, Alistair, caben muchas vidas”.
El punto que menos nos gustó estuvo relacionado con la magia, en particular, con el truco del espejo de Medusa que fue tan relevante para la historia. Todo lo relacionado a los trucos nos encantó, pero ese pequeño giro que tuvo ese truco y el cómo se usó en la historia, fue algo que no nos terminó de funcionar. Por desgracia, era uno de los pilares que sostenían el libro, así que no es un elemento que pudieramos decir que debió solo eliminarse, pues alteraría toda la historia. Otro punto que no nos gustó, fue la ausencia de personajes femeninos, solo tenía un personaje con nombre relevante y toda su historia nunca la supimos a través de ella misma, sino que a través de la voz de alguien más. Aunque no negamos la posibilidad de que quizá esto fuera a propósito para reflejar uno de los mismos mensajes del libro.
Siguiendo el punto anterior, la autora tocó temas importantes sobre el abuso de poder, en particular, en un caso mezclado con abuso sexual y el cómo las mujeres eran consideradas propiedades. Habló de la forma en que unos personajes sentían cero remordimientos por dañar o abusar de otras personas porque simplemente no las consideraban como iguales, nos gustó este retrato de algunas personas y el contraste con otras, como Poe o la familia de Alistair. Fue un buen reflejo de esos pactos tanto entre hombres de cuidarse entre ellos o de hombres poderosos cuidando sus propios intereses, nos gustó que el libro no solo fuera una historia divertida sino que una con un mensaje.
Una ilusión de venganza es un libro entretenido que nos llevó al Londres de fines del sXIX en el que los ilusionistas llenaban teatros y se robaban el aliento de las personas con sus trucos. Ahí, un hombre buscará venganza contra las personas que le arrebataron todo lo que amaba.
“Existe un vínculo inherente a nuestro nacimiento, uno que va más allá de títulos y posesiones. Nos cuidamos entre nosotros, nos protegemos entre nosotros, permanecemos unidos frente a la gentuza como tú. Por eso los tuyos jamás llegarán más allá de donde nosotros lo permitamos y siempre permaneceréis donde nosotros decidamos”.
Autor: Ana Trigo Editorial: Ediciones Urano – Umbriel Saga/Autoconclusivo: Autoconclusivo
Nº de páginas: 448 ISBN13: 9788419030955 Precio: $24.900
Ana Trigo (España)-. Escritora y tasadora de arte, antigüedades y libros antiguos. Es licenciada en Humanidades y graduada en Derecho y ha cursado masters en Tasación y Valoración de obras de arte y en Museología y Museografía, entre otros estudios superiores de arte. Ha trabajado en varias galerías y casas de subastas internacionales. Le apasionan el estudio de la Egiptología, las historias de Sherlock Holmes (es miembro de la Sherlock Holmes Society of London), las viejas películas en blanco y negro y los libros antiguos. Su primera novela, “El secreto de la caja de sándalo” fue publicada por MX Publishing, la editorial más prestigiosa especializada en historias de Sherlock Holmes, siendo la primera autora en español que consigue publicar con este sello. Cuando no está trabajando, la encontrarás practicando yoga, visitando algún mercadillo de antigüedades o enfrascada en un buen libro con una taza de té.
SINOPSIS: Moana y sus amigos exploran el Pacífico Sur en una serie animada musical.
Póster oficial de Moana 2
La marea trajo a nuestros cines la esperada secuela de Moana, la cual viene recargada con una nueva aventura llena de desafíos, diversión y aprendizaje. En esta ocasión han pasado algunos años después de los eventos de la primera película; se puede apreciar que Moana ha madurado y ahora está convertida en una navegante a tiempo completo.
Mo-tunui prospera bajo su liderazgo, y su familia ha crecido con su hermana pequeña Simea, sin embargo, este panorama era demasiado bueno para ser verdad, ya que a Moana le espera una nueva contienda: Mo-tunui ni ninguna otra isla puede prosperar si no se restaura la conexión entre ellas, siendo esta una isla perdida en el océano llamada Motufetu, la cual está rodeada por múltiples peligros que solo Moana, Maui y un grupo de nuevos amigos podrán enfrentar.
¿Está Moana 2 a la altura de su predecesora?
Podemos decir que sí, sin embargo, a nuestros ojos Disney de nuevo cometió el mismo error que ha cometido en varias de sus secuelas, y es que esta segunda parte de Moana aunque gira en torno a un conflicto diferente al anterior, este no se siente tan riesgoso ni mucho menos de una escala mayor que el anterior, lo que hace que la película recurra a elevar las apuestas desmesuradamente. Los eventos de esta secuela muchas veces se sienten calcados de su antecesora, y el ritmo en el que suceden las cosas muchas veces se siente algo lento, considerando que la película te recuerda constantemente que hay mucho más en juego que la vez pasada.
Moana y su hermana, Simea
Sus nuevos personajes, aunque no aportaron lo suficiente para llegar a ser memorables, son un complemento que ayuda a divertir a la audiencia mientras aparece el segundo plato fuerte que es Maui, quien junto a Moana vuelven a robar nuestra atención con pegajosas canciones y divertidas interacciones.
Sin embargo, en esta película Maui no se siente tan imponente como en la primera, ya que la trama se centra en desarrollar el personaje de Moana, lo cual es totalmente válido por ser la protagonista. Cabe mencionar la adición de un personaje que no hizo nada en la película, y resultó ser bait para dar pie a una tercera parte, eso nos pareció innecesario, pero no les diremos más al respecto.
El elemento humorístico
A pesar de lo dicho anteriormente, Moana 2 es una experiencia grata hablando desde una perspectiva de espectador común. No solo está plagada de escenas visualmente preciosas que ciertamente aprovechan el contexto geográfico de la película, realzando la belleza de la naturaleza que rodea a sus personajes, sino que también logra un equilibrio adecuado entre la seriedad de su trama y el elemento humorístico que todos disfrutamos.
Disney le hace muchos guiños a la primera película no solo al copiarse a sí mismos su estructura, sino que trae de vuelta todo lo que te divirtió anteriormente: Maui tiburón, los Kakamora con sus dardos tranquilizantes, Haihai más gritón que nunca, chistes sobre comer cerdo frente a Pua, etc. Sin embargo, aunque un poco reciclado, todo lo que está diseñado para hacerte reír, lo consigue, haciendo de Moana 2 una divertida experiencia.
Los efectos visuales de Moana 2 son preciosos
Moana 2 es sin dudas un acontecimiento cinemático imperdible para todos en casa, ya que contiene escenas visualmente arrebatadoras, planos muy bien construidos, una diversidad de canciones pegajosas y muchos personajes nuevos que esperamos vuelvan a hacer más en la tercera parte. Aunque podamos opinar que la estructura de esta secuela es similar a su antecesora, si apagamos esas ideas, Moana 2 es una de las mejores secuelas que hemos tenido en mucho tiempo cuando se trata de Disney. Le damos un 9/10.
Dirección: Moana 2 Año: 2024 País: Estados Unidos Duración: 1 hora y 40 minutos
SINOPSIS: La actriz y psicóloga Antonia Giesen se embarca en el proyecto de filmar un guión dictado mágicamente por el difunto Miguel Serrano a uno de sus pacientes. Para esto invita a los artistas Cristóbal León y Joaquín Cociña y comienza a reconstruir la vida de Serrano y la película que este escribió. Durante el proceso de filmación, Antonia comienza a perder los lazos con la realidad y a ser absorbida por la película, en la cual se convierte en una policía de un Chile distópico. Su misión policial es encontrar una película robada por un extremista, para lo cual tendrá que introducirse en mundos paralelos. En ese transitar entre ambos mundos, Antonia encontrará un secreto que cambiará su vida para siempre.
Mañana, 28 de noviembre, se estrena en cines “Los Hiperbóreos” gracias a Storyboard Media. La nueva cinta de la reconocida dupla de realizadores chilenos Cristóbal León y Joaquín Cociña, tuvo su debut mundial en el pasado Festival de Cannes 2024.
La cinta se centra en Antonia Giesen, una actriz y psicóloga que, al embarcarse en la filmación de un guion dictado por el difunto Miguel Serrano, comienza a perder los lazos con la realidad. En un Chile distópico y mundos paralelos, su misión como policía se entrelaza con la búsqueda de una película robada, llevándola a descubrir un secreto que transformará su vida para siempre.
Los Hiperbóreos es una obra cinematográfica que se adentra en las profundidades de la historia chilena desde una perspectiva surrealista y experimental. La película explora la vida y las ideas del controvertido poeta y diplomático Miguel Serrano, conocido por sus filosofías esotéricas y su vinculación con el neonazismo. A través de un enfoque audaz y poco convencional, los directores Cristóbal León y Joaquín Cociña presentan una fascinante reflexión sobre un personaje cuya biografía los ha obsesionado durante años.
La filmación de la cinta, realizada íntegramente en Matucana 100, no solo marcó un hito artístico, sino también una experiencia única e inmersiva para el público. Los espectadores tuvieron la oportunidad de recorrer las múltiples escenografías creadas para la película, sumergiéndose en un viaje que combinó cine, instalación artística y teatro. Este enfoque permitió que la obra trascendiera los límites del cine tradicional, convirtiéndose en una auténtica experiencia multisensorial.
Visualmente, Los Hiperbóreos es un despliegue de creatividad desbordante. La cinta utiliza una combinación de acción en vivo, stop-motion, títeres y otras técnicas artísticas para construir un psicodrama inquietante. La narrativa se sumerge profundamente en las ideas perturbadoras y trastornadas de Miguel Serrano, logrando un equilibrio entre lo fascinante y lo aterrador. Este enfoque experimental no solo desafía al espectador, sino que lo invita a reflexionar sobre los límites del arte y el pensamiento.
El resultado es una obra intencionalmente perturbadora, que no teme incomodar ni cuestionar. En sus momentos más inquietantes, Los Hiperbóreos consigue capturar la esencia de las filosofías extremas de Serrano y sus implicancias en el contexto cultural chileno. Al hacerlo, se convierte en una pieza de arte que no solo busca narrar, sino también impactar y provocar.
Sin duda, esta película representa una de las propuestas más creativas y audaces vistas en mucho tiempo. Los Hiperbóreos no es solo un logro cinematográfico, sino un testimonio de cómo el cine puede reinventarse para explorar nuevas fronteras narrativas y estéticas.
Año: 2024 País: Chile Duración: 1 hora y 2 minutos Dirección: Cristóbal León y Joaquín Cociña
Elenco: Antonia Giesen, Francisco Visceral Rivera, Jaime Vadell, Marcelo Liapiz, Álvaro Morales, entre otros.
SINOPSIS: Almut y Tobías coinciden inesperadamente en un encuentro que cambia sus vidas. A través de fragmentos —enamorándose, construyendo un hogar, formando una familia— se revela una difícil realidad que sacude los cimientos de su relación.
Póster oficial de El Tiempo que Tenemos (2024)
Esta semana llega a los cines una película que nos dejó con el corazón apretado y con muchas lecciones de vida que jamás olvidaremos. Se trata de El Tiempo que Tenemos, o We Live In Time en inglés, que de seguro está en sus radares hace bastante tiempo, no solo por el fantástico elenco que posee, sino por la lluvia de memes que conseguimos con la promoción de la película (nunca olvidaremos al caballo chistoso de la portada ni mucho menos a Andrew Garfield llevando un póster de Florence Pugh de tamaño real a una premiere a la que ella no puedo asistir). Sin embargo, dejando de lado los memes, la atención mediática que esta película ha obtenido se debe a que su historia es sumamente emocionante, ya que explora un tema tan delicado como la pérdida de un familiar en su lucha contra el cáncer.
Dirigida por John Crowley, y protagonizada por Andrew Garfield y Florence Pugh, El Tiempo que Tenemos cuenta la historia de amor de Almut y Tobias, quienes se conocen literalmente por un accidente, y desde entonces conectan de una manera dramática. La película es contada por segmentos no lineares, o sea que salta de aquí para allá en momentos cruciales dentro de la relación de nuestros protagonistas, haciéndonos apreciar como audiencia los pequeños momentos que marcaron a la pareja y la significancia de estos en cuanto a lo que les depara el futuro. De principio a fin nos encontramos con una historia de amor épica, ya que Almut y Tobias son personajes tan complejos cuyas vivencias son tan únicas, que se siente como si estuviéramos interrumpiendo en la vida de personas reales con las que es muy fácil conectar desde la primera escena.
Andrew Garfield y Florence Pugh como Almut y Tobias
La forma de narrar esta historia y de elaborar el trasfondo está muy bien ejecutada, ya que al mostrarnos los puntos críticos de la relación de Almut y Tobias entremedio de los segmentos más actuales que involucran la enfermedad de Almut y su anhelo de aprovechar el tiempo que le queda, uno como audiencia puede comparar los eventos y llegar a la conclusión de que muchos de los conflictos que surgen en la vida, suelen ser insignificantes ante la desgarradora perspectiva de la muerte y perder la posibilidad de perder al otro para siempre (obviamente hablamos de relaciones sanas). Sin duda, esta es una cinta que llama a reflexionar sobre la fragilidad de la vida y a apreciar los momentos que nos hacen sentir vivos; quizás no es un tema nuevo que explorar, pero esta película lo hace muy bien.
El Tiempo que Tenemos insta a reflexionar en cómo la vida es como un reloj que no se detiene, y que lo que hacemos con él es lo que te define como persona, lo cual se hace evidente cuando Almut decide que no quiere seguir batallando contra el cáncer, ya que quiere aprovechar al máximo su tiempo restante en vez de comprar un poco más solo para seguir sufriendo. Las interpretaciones de Florence Pugh y Andrew Garfield son desgarradoras, ya que expresan cada sentimiento de una forma tan humana que llega a doler; Florence como siempre entrega todo de sí en pantalla con una hermosa interpretación y una fuerza que llega a descolocarte, mientras que Andrew es el hombre perfecto en pantalla, ya que demuestra su capacidad de expresar fuerza, pero a la vez vulnerabilidad, sobre todo en sus escenas cuando debe afrontar que el amor de su vida se irá.
La escena del parto se quedará en las memorias de todos
En conclusión, El Tiempo que Tenemoses apta para todos aquellos que quieran un golpe de realidad, quienes se sientan desenamorados de la vida, o quienes simplemente quieren ver una historia de amor trágica pero maravillosa. Esta cinta nos deja un mensaje sumamente valioso, que es aprovechar al máximo nuestro paso por esta vida, y apreciar los vínculos que creamos en esta. Con un elenco espectacular, un soundtrack de lo más emotivo y una historia que les apachurrará el corazón, El Tiempo que Tenemos se lleva un 10/10 dentro de su género, e insistimos en que solo el elenco es merecedor de la calificación.
Dirección: El Tiempo que Tenemos Año: 2024 País: Estados Unidos Duración: 1 hora y 47 minutos
