Domingo, Noviembre 24, 2024
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[Review de cine] Parpadea Dos Veces: Suspenso en el Paraíso marcan debut de Zoë Kravitz

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SINOPSIS: Cuando el multimillonario tecnológico Slater King (Channing Tatum) se encuentra con la camarera Frida (Naomi Ackie) en su gala de recaudación de fondos, nace la atracción. Él la invita a unirse con él y a sus amigos en unas vacaciones de ensueño en su isla privada. Es el paraíso. Las noches salvajes se mezclan con los días bañados por el sol y todos la pasan genial. Nadie quiere que este viaje termine, pero cuando empiezan a suceder cosas extrañas, Frida comienza a cuestionar su realidad. Algo anda mal con este lugar. Tendrá que descubrir la verdad si quiere salir viva de esta fiesta.

Zoë Kravitz debuta en la dirección. La actriz que es reconocida por actuaciones en The Batman , en la saga Divergente  o en Animales fantásticos inicia su camino de directora en Parpadea dos veces, película de suspenso que nos dejó con agradables sensaciones.

La trama sigue a Frida, interpretada por Naomi Ackie, una mesera que ya tenía sus ojos puestos en el multimillonario Slater King (Channing Tatum). Lo que parece ser una casualidad rápidamente se convierte en una invitación a la isla privada de Slater, donde unas vacaciones de ensueño se tornan, poco a poco, en una pesadilla.

Desde los primeros minutos, la película sitúa a todos los personajes en la isla. Para Frida, la invitación no parece inusual, solo una excentricidad propia de los ricos. Sin embargo, su amiga Jess comienza a cuestionar la situación. Las demás mujeres invitadas, inmersas en un mundo de excesos, se centran únicamente en divertirse, indiferentes al paso del tiempo.

Quizás ahí radica el único problema de la película. El comienzo es algo lento, se centra mucho en la diversión que viven los invitados a la isla, pero a medida que avanza el film comienzan las interrogantes. Como espectador sabemos que algo va a suceder en cualquier momento, pero no sabemos qué, por lo que el suspenso es sostenido. Se nos van brindando algunas pistas que nos mantiene siempre en alerta, así que se debe tener cuidado de pestañear dos veces. 

El elenco es espectacular. Todos los actores logran crear ese clima de tensión permanente antes de que comience la acción. Channing Tatum a quien este año ya lo hemos visto en Fly Me to the Moon  y en Deadpool y Wolverine sorprende en un papel de un tipo que no está en todos sus cabales. Adria Arjona y Naomi Ackie simplemente se lucen, demostrando toda la carga emocional de sus personajes y empatizando con su drama.  

La película también incluye escenas cómicas que equilibran el tono, evitando que el suspenso se vuelva abrumador y manteniéndonos enganchados a lo que sucede en pantalla.

En cuanto a la fotografía, es otro de los puntos altos. La tensión constante que genera contribuye a la sensación de misterio, revelando secretos justo cuando creemos que lo entendemos todo. El debut de Zoë Kravitz como directora es notable, dejando una impresión duradera y ganas de ver más de su trabajo.

Como no queremos caer en spoilers, recomendamos ver  Parpadea Dos Veces que llega a las salas de cine este 22 de agosto.

Parpadea dos veces es el filme debut de Zoë Kravitz como directora. Destaca por su atmósfera tensa y de suspenso, actuaciones sólidas y una dirección prometedora que deja al espectador deseando ver más de Kravitz.

Dirección: Zoë Kravitz
País: Estados Unidos
Año: 2024
Duración: 102 minutos.
Elenco: Channing Tatum, Naomi Ackie, Simon Rex, Adria Arjona, Haley Joe Osment, Christian Slater

Comienza la preventa de “BEETLEJUICE, BEETLEJUICE”

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Inicia la cuenta regresiva para una de las películas más esperadas del 2024: “Beetlejuice, Beetlejuice”, que acaba de anunciar su preventa de entradas desde este jueves 22 de agosto al mediodía, la oportunidad perfecta para ser uno de los primeros en volver a ver en la pantalla grande al alocado e icónico fantasma de traje a rayas.

La expectación mundial del público ha crecido enormemente en torno a este estreno, que tras treinta y seis años llega con una secuela, manteniendo a gran parte de su elenco original y su director, el singular y visionario Tim Burton.

En esta ocasión, la trama de la película transcurre cuando tras una tragedia familiar insospechada, tres generaciones de la familia Deetz regresan a Winter River. Allí, la vida de Lydia (Winona Ryder) —quien aún vive atormentada por Beetlejuice— da un vuelco inesperado cuando su rebelde hija adolescente, Astrid (Jenna Ortega), descubre la misteriosa maqueta de la ciudad en el desván y el portal al Más Allá se abre. Con los problemas que se ciernen en ambos mundos, sólo es cuestión de tiempo para que alguien diga tres veces el nombre de Beetlejuice y este travieso demonio regrese para desatar su muy particular estilo de caos.

El elenco está encabezado por el nominado al Óscar Micheal Keaton (“Batman”, “Batman Regresa”), quien vuelve a usar el traje a rayas para interpretar a Beetlejuice, la también nominada al Óscar Winona Ryder (“Stranger Things”, “El Joven Manos de Tijera”, “Inocencia Interrumpida”); y la ganadora de dos Emmy Catherine O’ Hará (“Mi Pobre Angelito”). “Beetlejuice, Beetlejuice” suma nuevos y talentosos personajes interpretados por Jenna Ortega (“Merlina”) Justin Theroux (“The Leftover”), Willem Dafoe (“Pobres Criaturas”) y Mónica Belucci (“007: Spectre”, “Irreversible”).

Pueden ver algunos de los exclusivos posters acá.

[Review de cine] Lo mejor está por venir: comedia donde el cine es un reflejo y transformación de la vida.

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SINOPSIS: Giovanni (Nanni Moretti) un conocido cineasta italiano, se prepara para rodar su nueva película. Pero entre su pareja en crisis, su productor francés al borde de la quiebra y su hija que no le hace caso, ¡todo se ha puesto en su contra! Siempre en el límite, Giovanni va a tener que replantearse su manera de hacer las cosas, si quiere conducir a todo su pequeño mundo hacia un futuro brillante
 

Este jueves 22 de agosto gracias a CDI Films Chile llega a cartelera Lo mejor está por venir (Il sol dell’avenire), la última película del destacado director italiano Nanni Moretti; film que fue nominado a mejor película en el Festival del Cine de Cannes 2023.

La trama se centra en Giovanni, quien, interpretado por el propio Moretti, se enfrenta a múltiples desafíos mientras intenta completar su nueva película. Los problemas económicos de su productor, la inminente separación de su esposa y otras complicaciones personales se entrelazan con la producción del film, creando un mosaico de tensiones y reflexiones.

Il sol dell’avenire es el título original de la película, que literalmente traducido sería “el sol del futuro”; esto es una referencia al símbolo del Partido Socialista Democrático Italiano. lo que sugiere una dimensión política en la narrativa. Este tono contestatario cobra especial relevancia en el contexto de la Italia contemporánea, gobernada por la derecha. Sin embargo, aunque la película es política en esencia, también trasciende ese ámbito. ¿Por qué? Porque la historia que Giovanni filma si bien, tiene un argumento; que cuenta la  historia sobre el partido comunista italiano en los años 50, cuando un circo húngaro llega justo en 1956 a Italia. Esta historia se entrelaza con su vida personal, creando una especie de metapelícula: cine dentro del cine. A través de una crítica satírica, Moretti reflexiona sobre la política y la sociedad italiana de manera sutil y mordaz.

La película tiene constantes referencias a muchas más películas del cine italiano, en gran parte es porque el protagonista es un director de cine y su vida en general gira en torno a ello. Por esto mismo Giovanni no es consciente del distanciamiento que está tomando su esposa, la cual quiere divorciarse de él. Como menciona uno de los personajes de la película que está rodando el protagonista “No es una película de política, es una película de amor”   

Aunque Lo mejor está por venir es, en gran medida, un ejercicio autorreferencial, esto no la hace menos disfrutable, incluso para quienes no estén familiarizados con la obra de Moretti. Al contrario, es una excelente puerta de entrada a su cine, donde la comedia y la crítica social se entrelazan con sarcasmo e ironía.

En este juego de metacine (de hecho, el personaje de Giovanni crea otras películas y a la vez su esposa participa en la producción de otra) Lo mejor está por venir demuestra toda la capacidad que tiene el cine como energía que puede transformar la realidad, porque dentro de este film pasamos desde el drama a la comedia, de los llantos a risas y de la desesperación a la esperanza. 

Frames “Il Sol Dell’Avvenire”
Nanni Moretti Director
Michele D’Attanasio Cinematographer

Lo mejor está por venir es la última obra de Nanni Moretti, donde mezcla drama y comedia. A través de un ingenioso juego de metacine, Moretti ofrece una crítica satírica de la sociedad y la política italiana, mientras explora temas de amor, crisis personal y la capacidad del cine para cambiar la realidad.

Dirección: Nanni Moretti
País: Italia
Año: 2023
Duración: 95 minutos.
Elenco: Nanni Moretti,Marguerita Buy, Silvio Orlando, Brabara Bobulova, Mathieu Amalric

Tipos de gentileza llega al cine

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EL DIRECTOR DE LA FAVORITA Y POBRES CRIATURAS REGRESA CON UN RELATO TRÍPTICO INTERPRETADO POR EMMA STONE, JESSE PLEMONS, WILLEM DAFOE, MARGARET QUALLEY, HONG CHAU, JOE ALWYN, MAMOUDOU ATHIE Y HUNTER SCHAFER

Tras el éxito de POBRES CRIATURAS, película ganadora de cuatro Premios Oscar®, el galardonado director griego Yorgos Lanthimos vuelve a los cines el 5 de septiembre con TIPOS DE GENTILEZA, una comedia negra que explora temáticas como el poder, el control, el libre albedrío y la dinámica de las relaciones humanas. La película consta de tres historias que cobran vida en la piel de un mismo reparto interpretado por Emma Stone, Jesse Plemons, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Joe Alwyn, Mamoudou Athie, y Hunter Schafer. Cada integrante del elenco interpreta a tres personajes distintos en cada relato del tríptico, haciendo honor a la “regla de tres” que el realizador y el guionista  Efthimis Filippou, nominado al Premios Oscar®, establecieron para el film. El resultado es una obra cinematográfica que se potencia con la versatilidad de sus intérpretes.

TRES HISTORIAS DIFERENTES DIALOGAN ENTRE SÍ

TIPOS DE GENTILEZA presenta tres historias: la de un hombre que intenta tomar las riendas de su propia vida; la de un policía alarmado porque su esposa, desaparecida en el mar, ha regresado y parece otra persona; y la de una mujer decidida a encontrar a alguien específico con una habilidad especial, destinada a convertirse en un prodigioso líder espiritual. Un tema específico que Lanthimos examina en las tres historias es el de la autoridad y la forma en que fluctúa el libre albedrío, junto con la lucha entre la libertad de elección y la libertad de no elección.

Aunque la película tomó muchas formas narrativas a través de los años, TIPOS DE GENTILEZA terminó siendo una antología. “Empezamos con una historia sola, pero a medida que la íbamos trabajando, pensamos que sería interesante hacer una película con una estructura diferente a las que habíamos hecho antes”, explica Yorgos Lanthimos y continúa: “Cuando identificamos las historias subsiguientes, quisimos mantener un hilo temático, para que todo quedara dentro de un mismo marco general”.

Durante el proceso de escritura, Lanthimos le envió el guion a Emma Stone, protagonista de sus últimas dos películas (POBRES CRIATURAS y LA FAVORITA) y ganadora del Premio Oscar® a Mejor Actriz por su papel en POBRES CRIATURAS, quien quedó inmediatamente fascinada con el proyecto. “Me encantó el guion y cómo se desarrolló en un tríptico. Las historias se entrelazan de una manera que no es necesariamente clara, pero cada una capitaliza sobre la anterior. Las posibilidades me parecieron muy emocionantes” afirma Stone.

Armar una película con tres historias diferentes tuvo sus desafíos, especialmente con las limitaciones de tiempo, pero era algo que a Lanthimos le entusiasmaba explorar: “Con un largometraje que tiene una sola historia, el público se involucra más activamente porque hay lugar para pensar sobre lo que está pasando y aplicar la propia lógica. Con una antología, uno lleva lo que pensó en la primera historia a la siguiente. Es más complejo y más interesante. Personas diferentes identifican temas diferentes, lo que lo hace una estructura inmensamente interesante”.

UN ACTOR, TRES PERSONAJES

El director de TIPOS DE GENTILEZA tuvo la idea de que los mismos actores y actrices interpretaran los personajes en cada relato para generar una sensación de familiaridad en la audiencia. “Cuanto más lo pensábamos, menos queríamos que se convirtiera en un artificio. Decidimos que los personajes tendrían diferencias sutiles, con el maquillaje y los peinados, y en su comportamiento y su gestualidad. Son historias y personajes muy diferentes, así que eso en sí mismo hace que destaquen. Más que nada, se trataba de que los actores cambiasen de ritmo y de energía. Que el mismo actor interprete otro personaje en la historia que sigue añade una sensación de continuidad a nivel inconsciente”.

El elenco coral de esta antología inusual enfrentó diferentes desafíos para cumplir con la visión del director. “Traté de ver otras películas para inspirarme, pero me resultó muy difícil encontrar cualquier tipo de referencia, algo que se sintiera cercano a este mundo. Lo siento como un territorio nuevo, no solo para el cine, sino para Yorgos. Es muy raro, con un guion y una dinámica de personajes muy interesante” comenta el actor Jesse Plemons. Hong Chau, quien interpreta los papeles de Sarah, Sharon y Aka, añade: “Yorgos nos explicó que las historias estaban vagamente conectadas y que el mismo grupo de actores interpretaría los personajes en las tres historias. Pero que no estaba esperando que hiciéramos ningún tipo de cambio drástico o muy marcado entre los personajes. Me intrigó mucho”.  

Por su parte, Emma Stone se apoyó en el hilo conductor que encontró entre los tres personajes que interpreta: Rita, Liz y Emily. “Los personajes son totalmente diferentes en muchos sentidos, pero el hilo conductor que encontré es este equilibrio entre querer ser amado, aceptado y controlado, y también querer ser libre y estar en control de uno mismo, pero luego perder el amor por ese motivo” explica.

[Review de libro] Antes de que se enfríe el café: una cuestión de tiempo

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SINOPSIS: ¿Qué cambiarías si pudieras regresar al pasado? Y ¿a quién querrías ver, aunque fuera por última vez? Un rumor circula por Tokio… Oculta en uno de sus callejones hay una pequeña cafetería que merece la pena visitar no solo por su excelente café, sino también porque, si eliges bien la silla donde sentarte, puedes regresar al pasado. Pero como incluso lo increíble está sujeto a limitaciones, no podrás abandonar la cafetería mientras dure el viaje, para volver deberás beberte el café antes de que se enfríe y, hagas lo que hagas, el presente no cambiará. A través de las emocionantes historias de cuatro clientes que deciden embarcarse en esta aventura por motivos diferentes, Antes de que se enfríe el café nos ofrece un relato atemporal sobre el amor, las oportunidades perdidas y la esperanza en un futuro que siempre está por llegar.

En una pequeña y peculiar cafetería en Tokio, los clientes tienen la oportunidad única de viajar al pasado, pero con una condición ineludible: deben regresar antes de que su café se enfríe. A través de cuatro historias entrelazadas, Kawaguchi explora temas universales como el perdón, la redención y la comprensión, presentando personajes que intentan resolver asuntos pendientes con el tiempo, que parece ser tanto su enemigo como su aliado.

Kawaguchi logra crear una atmósfera mágica y envolvente, donde la cafetería se convierte en un personaje más de la historia. Además, cada relato ofrece una lección de vida sutil pero poderosa, invitando al lector a valorar el presente y a no dejar que los remordimientos dominen su vida.

A pesar de su encantadora premisa y de los momentos emotivos que logra, algunas de las historias pueden sentirse un tanto flojas en comparación con otras, perdiendo fuerza y relevancia. Recomendado para quienes disfrutan de relatos profundos y emotivos, aunque algunos relatos pueden no tener el mismo impacto.

Antes de que se enfríe el café de Toshikazu Kawaguchi, es un libro que toca el corazón con su mensaje sobre la importancia de vivir el presente, sin arrepentimientos y con la convicción de que cada momento, por efímero que sea, tiene un propósito.

Autor (a): Toshikazu Kawaguchi
Editorial: Plaza y Janés
Saga/Autoconclusivo: Autoconclusivo
N° de páginas: 272
ISBN13:9789506446567
Precio: 22.200
Toshikazu Kawaguchi nació en Osaka, Japón, en 1971. Ha sido productor, director y escritor para el grupo de teatro Sonic Snail. Como guionista, sus trabajos más importantes incluyen COUPLESunset Song y Family Time.

[Review de cine] El Reino de Kensuke: Una aventura de belleza visual y reflexiva.

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SINOPSIS: Tras emprender un viaje en barco junto a sus padres y ser arrastrado por una violenta tormenta, el joven Michael termina varado en una isla desierta luchando por sobrevivir. Pronto Michael descubrirá que no está solo y que un sinfín de aventuras le esperan en este nuevo mundo que alberga peligros y bellezas inimaginables.
 

Basada en la homónima novela infantil escrita por el inglés Michael Morpurgo. El Reino de Kensuke llega a las salas nacionales este 22 de agosto gracias a Cinetopia Chile. La película fue seleccionada en la Competencia Oficial del Festival de Annecy, uno de los festivales más importantes de animación. 

La película nos cuenta la historia de Michael, un niño que viajaba en barco junto a sus padres, pero debido a una fuerte tormenta termina arrastrado a una isla donde no solo vivirá una aventura de supervivencia, sino también de amistad.

Si bien la película está basada en un libro para niños, eso no quiere decir que sea exclusivamente para ellos, al contrario es una recomendación para toda la familia, pues en ella se tocan temas serios que a veces no tenemos en cuenta y se están viviendo en la actualidad.

En una trama sencilla y fácil de entender, en El Reino de Kensuke nos adentramos en un viaje que no es solo el que recorre el barco Peggy Sue, barco de la familia de Michael. Sino que además en un profundo viaje de reflexión y aprendizaje. 

El nivel de animación es sorprendente; en general, se utiliza el 2D, pero en los ambientes se observa ocasionalmente el uso del 3D, lo que genera una experiencia de inmersión total, con escenarios maravillosos e increíblemente bien logrados que cautivan a cualquier espectador.

Lo que en un comienzo parece ser el viaje de Michael y su accidental alejamiento de su familia, cuyo fin es el reencuentro, se revela como un film con mucho más que contar. Con la aparición de Kensuke, descubrimos un mundo fantástico donde su reino no solo destaca por la belleza de sus paisajes, sino también por el vasto conocimiento que alberga. 

Es gratificante que llegue a las pantallas esta película que no subestima a los niños, ya que incluye algunas escenas crudas que muestran una realidad que muchas veces se maneja como tabú.

Aunque la versión en inglés cuenta con actores de doblaje de lujo como lo es Cillian Murphy; el doblaje tiene muy buenas interpretaciones que le dan vida a los personajes y reflejan de gran modo las emociones que ellos viven.

El Reino de Kensuke   basada en la novela homónima de Michael Morpurgo, la película no solo presenta una emocionante aventura de supervivencia, sino que también explora temas de amistad y crecimiento personal. Con una animación que combina 2D y 3D, ofrece una experiencia visual inmersiva y un mensaje profundo que resonará en toda la familia.

Dirección: Neil Boyle y Kirk Hendry
País: Reino Unido
Año: 2023
Duración: 84 minutos.
Elenco: Cillian Murphy, Sally Hawkins, Ken Watanabe, Aaron MacGregor

[Review de libro] El mar robado: el relato de un niño que va creciendo entre fuertes cambios políticos

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SINOPSIS: El pequeño Ah Boon nace en una aldea pesquera rodeado del calor y la belleza de la costa de Singapur del siglo XX, durante los últimos años del gobierno británico en la isla. Es un chico amable al que no le gusta demasiado pescar y que prefiere pasar el día jugando con su amiga y vecina, Siok Mei. Sin embargo, cuando descubre que posee la singular habilidad de encontrar unas islas móviles de abundantes recursos que nadie más es capaz de localizar, experimenta un nuevo sentido de la obligación: algo que ofrecerle a su comunidad y con lo que impresionar a la jovial chica a quien ha llegado a amar.
Ya de adolescentes, Ah Boon y Siok Mei se quedan atrapados en un revés trágico de la historia: el ejército japonés invade la isla, la resistencia se alza, el dolor se entromete en sus vidas y el futuro de la aldea pesquera está en la cuerda floja. A medida que la nación se lanza hacia su propio renacimiento, los dos amigos deben decidir quiénes quieren ser y a qué están dispuestos a renunciar.

En agosto llegó a Chile El mar robado, la novela más reciente de la autora Rachel Heng. En esta historia ambientada, en Singapur en las décadas del 40 y 60, conoceremos a Ah Boon, el menor de una familia de pescadores que debe decidir quién es en medio de fuertes cambios políticos que vive su pequeña isla.

Ah Boon es el hijo menor de una familia de pescadores en un pequeño kampong de Singapur, sin embargo, sabe que no quiere seguir el trabajo familiar, aunque no sepa lo que quiera. Por eso, cuando es obligado a asistir a la escuela y conozca a Siok Mei la volverá el centro de todos sus deseos, aunque estos impliquen unirse a sindicatos contra el colonialismo británico y el coste de la modernidad.

“Quizá todo aquello no tenía nada que ver con aquel momento, con el bote ni con el mar, sino con el chico”.

Por lejos, lo mejor del libro fue el personaje de Ah Boon, a quien conocimos de niño en 1941 cuando su padre lo llevó a pescar por primera vez y encontraron unas extrañas islas. Este hecho cambió su forma de relacionarse con su familia y también con el resto de la comunidad y fue el primer paso para que el tímido Ah Boon se relacionara con otros. En esencia, podría parecer un personaje sencillo, casi simple en su forma de pensar, pero a medida que el libro avanzó fuimos descubriendo que era mucho más complejo de lo que parecía en un primer momento. Aunque Ah Boon era tímido e inocente, lo que más lo definía era cierta indiferencia a lo que lo rodeaba a menos que le afectara de forma directa y esa indiferencia venía relacionada con su propio egoísmo.

En su primer día de clases, Ah Boon conoció a Siok Mei, la hija de unos activistas políticos que murieron dejándola a cargo de su tío. Esta amistad los acompañará durante toda su vida y será el eje que los guiará. Siok Mei era una chica con claras convicciones políticas que creía que tenía que luchar sacrificando todo lo que tuviera para estar a la altura de sus padres, aunque arrastró a Ah Boon en esto, nunca logró que él también estuviera tan convencido como ella y eso fue algo que creó fricción en su relación.

“Sin embargo, el dolor, en otros tiempos una cuerda dura que parecía tensarse a cada momento, se había suavizado con el paso del tiempo hasta quedar reducido a un hilo delicado en el tapiz que era la vida cotidiana de la familia, tejido sin dejar ninguna costura”.

A medida que crecieron, la relación entre ambos se sintió más una carga que ninguno quería soltar que algo que fuera un consuelo, por esto no creemos que el eje del libro fuera realmente un amor entre ambos. De hecho, la relación entre Ah Boon y Siok Mei siempre tuvo una diferencia de poder entre ellos, durante el inicio y gran parte, Siok Mei mandaba y guiaba y ella era consciente de este hecho y para el final, fue Ah Boon quien tuvo el poder. Nunca fueron iguales, por más que existiera un cariño real entre ellos y un aprecio por lo que significaron en sus vidas.

Como dijimos, el libro se ambientó en Singapur mientras ocurrían fuertes cambios políticos. Partió con la isla siendo una colonia inglesa, luego, la ocupación japonesa, el regreso del control británico, la breve unión con Malasia y la búsqueda de la independencia. El libro no entró en muchos detalles sobre estos puntos, pues desde los ojos de Ah Boon apenas teníamos información, sino que era Siok Mei quien más explicaba, pero siempre desde los revolucionarios contra los ingleses. Aun sin tener información del contexto político, el libro explicaba lo suficiente para ir entendiendo y seguir la historia.

“Y, por ello, lo quería. Era la coraza con la que se protegía lo que dejaba entrever su deseo herido. Donde los demás veían una actitud distante, ella veía un anhelo feroz y contenido, y eso había hecho que le tomara cariño. Quizá fuera por eso que aparecía tanto en sus arrestos imaginados: quería ser la coraza que lo protegiera de los golpes. Quería que Ah Boon bajara la guardia, que descansara. Lo quería a él”.

Uno de los principales temas del libro fue el avance a la modernidad y el coste de esta. Ah Boon vivió toda su juventud en un kampong, una comunidad pesquera de la costa, sin electricidad o ninguna comodidad moderna. Sin embargo, a medida que Singapur fue cambiando, también cambiaron los deseos de las personas y el sueño de impulsar el país, aunque este progreso fue a costa de que se perdieran los kampong y distintas comunidades. Algo muy interesante fue que no había realmente un juicio en la narración de estos hechos, si bien el tío de Ah Boon estaba en contra y Ah Boon a favor. Salvo cierta nostalgia, no fue algo que se retratara como enteramente negativo ni positivo, solo era un cambio que implicaba un coste.

El mar robado es la historia de un joven entre las décadas del 40 al 60 en Singapur que se ve obligado a crecer mientras la isla pasa por bruscos cambios políticos. Es el viaje de descubrir qué es lo que quiere y quién quiere ser mientras encuentra su lugar en un mundo que no deja de mutar.

“¿Qué era el amor sino el miedo de perder a alguien?”

Autor: Rachel Heng
Editorial: Ediciones Urano – Plata
Saga/Autoconclusivo: Autoconclusivo
N° de páginas: 480
ISBN13: 9788492919451
Precio:
$29.900
Rachel Heng (Singapur, 1988) -. Autora de The Great Reclamation (2023) y Suicide Club (2018), ha recibido numerosos premios, incluyendo el New American Voices Award. Su trabajo, publicado en The New Yorker y The New York Times, ha sido incluido en listas notables como Best American Short Stories. Tiene una licenciatura de la Universidad de Columbia y una maestría de UT Austin. Actualmente, es profesora asistente de inglés en la Universidad de Wesleyan y vive en la ciudad de Nueva York con su familia.

La confianza es un juego peligroso. Trailer de No hables con extraños

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James McAvoy, ganador del BAFTA, protagoniza el nuevo avance de NO HABLES CON EXTRAÑOS. Esta cinta de Universal Pictures promete una historia llena de suspenso y una familia fuera de lo normal.

Este es el nuevo proyecto de la productora detrás de EL TELÉFONO NEGRO, HUYE y EL HOMBRE INVISIBLE, cuyo reparto también destaca a Mackenzie Davis y Scoot McNairy.

[Review de libro] Una antorcha en las tinieblas: una secuela llena de acción y crueldad con toques de romance

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SINOPSIS: LA SECUELA DEL EXPLOSIVO DEBUT BEST SELLER UNA LLAMA EN LAS CENIZAS, QUE HA FASCINADO A LOS LECTORES DE TODO EL MUNDO. Tras los eventos acaecidos en la cuarta prueba, los soldados marciales persiguen a Elias y Laia mientras huyen de la ciudad de Serra. Ambos están decididos a infiltrarse en la prisión de alta seguridad más peligrosa del Imperio para salvar al hermano de Laia, aunque para Elias signifique abandonar su última oportunidad de ser libre. Tendrán que pelear por cada paso que den para anticiparse a sus enemigos: el Emperador Marcus, sediento de sangre, la despiadada comandante, el sádico alcaide de Kauf y lo más desgarrador de todo: Helene, antigua amiga de Elias y la nueva Verdugo de Sangre del Imperio. Supeditada a la voluntad de Marcus, Helene se enfrenta a su propia misión tortuosa, una que puede destruirla: encontrar al traidor Elias Veturius y a la esclava académica que lo ayudó a escapar… y matarlos a los dos. 

En agosto llegó a Chile Una antorcha en las tinieblas, la secuela de Una llama en las cenizas de Sabaa Tahir, una de las sagas más famosas del boom de los libros juveniles de años atrás. Este libro continúa exactamente donde lo dejó el anterior y funcionó como suelen hacerlo las segundas partes, como un puente entre el inicio y el final (aunque aquí son cuatro entregas). Como siempre, desde ahora tendremos spoilers de la primera entrega, pero no de este libro.

Después de que Laia salvara a Elias en la cuarta prueba, ambos están escapando de los máscaras intentando llegar a la prisión en que tienen al hermano de Laia para liberarlo. Al mismo tiempo, Helene está atada al nuevo emperador, Marcus, debido a sus juramentos y es enviada para atrapar y asesinar a Elias, mientras distintas traiciones se están planeando en el Imperio.

“Tus emociones te hacen humana -dice Elias-. Incluso las que son desagradables tienen un motivo. No las reprimas. Si las ignoras, solo se harán más fuertes y ruidosas”.

A diferencia de la primera entrega, en este libro tuvimos tres puntos de vista: Helene, Laia y Elias. De esta forma, pudimos seguir a Laia y Elias mientras escapaban de la ciudad y saber qué sucedía en el corazón del Imperio. Como sucedió en Una llama en las cenizas, por lejos el personaje y arco más interesante fue el de Helene, en este libro la acompañamos mientras se enfrentaba a la dicotomía entre sus juramentos a Marcus y su corazón. Además, pudimos conocer mucho más sobre su familia y su forma de pensar gracias a su nuevo punto de vista.

Por otro lado, Elias pasó el libro luchando contra la culpa de lo que hizo durante las pruebas y el peso de toda la sangre en sus manos, esto lo hizo de una forma bastante literal y que tuvo el mayor contenido de magia en la historia. Al mismo tiempo, estuvo lejos de encontrarse en su mejor estado físico y fue sometido a varios momentos crueles, lo que lo llevó a alejar a Laia cada vez que sentía que se acercaban.

“El fracaso no te define. Es lo que haces después de fracasar lo que determina si eres una líder o un malgasto de aire limpio”.

Debido al estado de Elias, Laia tuvo que seguir avanzando en desarrollar su capacidad de defenderse y cuidar de otros. La Laia que vimos fue la que tuvimos al final del primer libro, y la acompañamos mientras fue entendiendo que su destino era algo que podía controlar y que tenía que estar en sus manos, no en las de alguien más. En comparación a los arcos de Elias y Helene en este libro, Laia fue la que estuvo en menos peligro y cuya historia resultó menos tensa.

Como sucedió en Una llama en las cenizas, este también fue un libro que combinó un mundo sumamente violento, con escenas de acción y otras muy crueles, con momentos más relajados con un tono juvenil y de romance. Esta era una mezcla clásica de los libros juveniles del boom de años atrás que funciona bastante bien, el libro es divertido y se lee rápido por que siempre estaba sucediendo algo, ya fuera algo tenso de lo que queríamos saber su desenlace o, por el contrario, porque los personajes estaban acercándose y había romance y queríamos leer más.

Una antorcha en las tinieblas es un libro que siguió el estilo de las secuelas: funcionar más como un puente entre lo que se nos presentó en el primer libro y el desenlace de la trama. El foco de esta entrega fueron los arcos evolutivos de sus tres protagonistas con pequeños avances en la ampliación del mundo y en el desarrollo de la trama.

“Es tan perturbador que los tres estemos conectados por esa única experiencia: los monstruos que reptan hacia nuestras cabezas. Toda la oscuridad y maldad que los demás nos infligieron, todas las cosas que no podíamos controlar porque éramos demasiado jóvenes como para detenerlas; todo eso se ha quedado con nosotros durante el transcurso de los años, esperando la oportunidad de que toquemos fondo. Entonces se abalanzan, como gules sobre una víctima moribunda”.

Autor: Sabaa Tahir
Editorial:
Ediciones Urano – Umbriel
Saga/Autoconclusivo:
Una llama en las cenizas #2
Nº de páginas: 480
ISBN13:
9788419030788
Precio:
$26.900
Sabaa Tahir (Estados Unidos)-. Se crió en un pequeño motel que su familia regentaba en el desierto de Mojave, California. Pasó su infancia devorando novelas de fantasía, saqueando la colección de cómics de su hermano y arrancándole acordes a su guitarra. Empezó a escribir Una llama entre cenizas mientras trabajaba por las noches como editora en un periódico. Le encantan el rock indie, los calcetines llamativos y todo lo que tenga algo de nerd. Actualmente vive con su familia en el Área de la Bahía de San Francisco.

[Review de cine] Alien Romulus: de regreso a lo clásico

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SINOPSIS: Un grupo de jóvenes colonizadores espaciales se encuentra cara a cara con la forma de vida más aterradora del universo cuando rebuscan en las profundidades de una estación espacial abandonada.

Después de varios años de flotar en el espacio sin rumbo, la saga de Alien ha aparecido una vez más en nuestra cercanía. Con el nombre Alien: Romulus, esta entrega sigue a un grupo de jóvenes que viven en una colonia minera de la compañía Weyland-Yutani, la cual ha sobreexplotado la población todo cuanto le ha sido posible. Hartos de esta situación, el grupo de jóvenes decide ir a una estación abandonada en órbita en busca de recursos para abandonar el planeta.

Aclaremos algunas cosas antes de seguir. Esta película no es una continuación de la saga de Prometeo-Covenant, y de hecho toma lugar entre la primera entrega El Octavo Pasajero y Alien: El Regreso. Es más, la película es más cercana a la primera no solo en temporalidad, si no también en su dirección, puesto que retoma el rumbo de ir más hacia el terror. Esto diría que fue una idea acertada, pues logra crear un ambiente tenso y encaja unos sustos bien logrados. Aunque también es cierto que tomar demasiadas referencias a la primera puede cansar un poco ya llegando al final de la cinta.

Continuando con la idea anterior, la inspiración más cercana al género de terror en vez de la acción y la ciencia ficción también es notable en el cast. Estos son un puñado más joven de lo que estamos acostumbrados a la franquicia, y esto sumado al terror nos hace recordar a las películas del tipo slasher. Sin embargo, pese a la existencia del grupo de personajes desechables, no hubiera estado mal desarrollar el elenco un poco más en su trama para que sus muertes dolieran un poco más. Entiendo la idea de no perder el tiempo desarrollando personajes que eventualmente mueren, pero si no logro conocerlos no podré empatizar con ellos, y si no empatizo con su miedo, pánico y terror, sus eventuales muertes se sienten vacías e insignificantes incluso para un slasher. Es debido a esto que me hubiera gustado encariñarme con algún personaje más allá de la protagonista y su hermano.

Ahora bien, hablemos de lo que si está bien logrado. La ambientación de la película retoma lo antiguo y retro de las entregas originales y decide expandir no solo más en estas, si no también en el mundo. Me gusta que nos muestren los mundos coloniales y como es la vida para la humanidad en su conquista por las estrellas, y también que no olviden que aún así no pueden escapar del todopoderoso alcance de la compañía. En un principio era más sutil su sombra en la vida de las personas, pero tiene sentido que con el tiempo la gente se resienta de esta pesada presencia en sus vidas.

La dirección también estuvo bien lograda en su mayor parte, sobre todo en no mostrar al Alien en todo momento en la pantalla, cosa de aumentar la tensión tanto para los protagonistas y espectadores por igual. También reconozco el valor de los guionistas que tuvieron en la creación del acto final, pues admito que estaba maravillado y disgustado por partes iguales. Sin embargo, debo admitir que el final de la cinta se sintió poco original y me dejó algo vacío.

En resumen, Alien: Romulus es una cinta prometedora que parecía tener la idea perfecta, pero que lamentablemente falló en la ejecución de algunos puntos, dejándonos con un film sólido en ejecución pero que lamentablemente te deja vacío.

Dirección: Fede Alvarez
Año:2024
País: Estados Unidos
Duración: 119 minutos
Elenco: Cailee Spaeny, David Jonsson, Archie Renaux, Isabela Merced, Spike Fearn, Aileen Wu.